Roberto Bolaño dijo de su amigo Mario Santiago Papasquiaro que leía hasta en la ducha, que a veces se encontraba los libros mojados y no entendía la razón, hasta que pudo ver a José Alfredo Zendejas en acción, leyendo bajo el agua. Pero no se debería hablar de Papasquiaro comenzando por Bolaño, por mucho que fueran hermanos, por mucho que el autor de Los detectives salvajes convirtiera a su amigo en Ulises Lima, y a sí mismo en Arturo Belano. Al menos ahora no.

El presente pasa por hablar de gente como Harold & Blúm, que son J.S. de Monfort y Ángela du Pre, artífices de un proyecto en diez capítulos que homenajea al poeta mexicano, si es que alguna vez fue de algún sitio. Situémoslo en la calle Bucareli, por ejemplo. Harold&Blum, ahora, desde Barcelona, “con un teléfono móvil Samsung con videocámara, el baño de la casa de Ángela du Pré y J. S. de Monfort en cueros” recitan versos bajo la alcachofa de la ducha. Cualquiera diría que son un par de detectives, estos salvajes.

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Berlín, octubre 2009. Vacaciones de 5 días en la capital alemana y muchos planes por delante. Uno de los primeros, justo antes de que se me escapase por su traslado el 4 de octubre, fue la exposición Bauhaus: A Conceptual Model, en el prestigioso museo Martin Gropius Bau.

¿Qué sabía de la Bauhaus? Descubrí que absolutamente nada o demasiado poco. Hasta el momento, los ínfimos conocimientos que había adquirido en alguna asignatura de arte: la archiconocida frase “menos es más”, la búsqueda de la funcionalidad en sus obras, alguna que otra obra arquitectónica… y poco más.

Fundada hace ya 90 años (en 1919), y cerrada en 1933 por el régimen nazi, esta escuela, bajo la dirección de Walter Gropius (entre 1919 y 1928), Hannes Meyer (entre 1928 y 1930) y Ludwig Mies van der Rohe (en sus 3 últimos años de existencia, entre 1930 y 1933), acogió a artistas de la talla de Wassily Kandinsky, Paul Klee, Adolf Meyer, Marcel Breuer, Oskar Schelemmer, Gunta Stölzt, Joost Schmidt, László Moholy-Nagy, etc.
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A veces, el trasiego de nuevos movimientos, nuevas escuelas y revisiones eternas nos hacen pasar por alto el rastrear a los artistas más longevos. El problema es que, en un campo con una capacidad de deformación constante como es la electrónica, la brújula nos juega malas pasadas. Pero cuando recuperas el rumbo, te encuentras con un disco estupendo como “We Hear You”, donde un zorro tan listo como Vibert sabe apuntar a muchos sitios y atinando. Sabe darle a las raices del hip hop, al funky, house, electro, techno, dubstep y a lo marciano. Pero no acaba siendo un disparate disperso y bizarro porque ante todo estamos ante una reafirmación de la imperecedera calidad de un músico que sigue sabiendo conjugar su pasado con sus nuevas fijaciones.
Le sale todo tan redondo y divertido, que no podemos resistirnos.
Inténtalo, si puedes.

Luke Vibert
We Hear You
Planet Mu; 2009

Autor: Fran Martínez
Imagen: (c) Planet Mu Records

La historia adora a los dictadores. Terrible, pero cierto. Y si creéis que exagero id a cualquier biblioteca y sumad páginas. Páginas como las presentadas en este documental, porque The September Issue es un relato más o menos imparcial de los avatares que rodearon la publicación en 2007 del ejemplar de septiembre de la revista Vogue, su número más voluminoso hasta el momento y, por lo que cuenta el director R.J. Cutler, dramático.

Porque parir una revista de dos kilos no se hace todos los días, aunque detrás haya todo un ejército de editores, fotógrafos, diseñadores y modelos. Tener a los mejores no siempre es señal de que las cosas vayan a ir bien y mucho menos de que haya consenso respecto a lo que debe o no entrar en sus páginas. Y quizá por ello existe alguien como Anna Wintour, una especie de Salomón de la moda con tendencia al despotismo, a decir ‘no’ sin aceptar explicaciones y librar una constante batalla contra Grace Coddington, su directora creativa. Porque la cosa va del tira y afloja de estas dos señoras, una batalla en la que, teóricamente, salimos ganando los lectores.

Cutler refleja este equilibrio de fuerzas sin posicionarse, y aunque resulta inevitable darle un mayor metraje a la Wintour (más personaje que persona), también hace justicia a la figura de Coddington, una mujer apasionada, capaz de fundir pasado y futuro en algo que se acerque al arte y se aleje de los intereses comerciales que, en el fondo, son lo que priman en una publicación de tales dimensiones.

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Coincidiendo con las primeras retransmisiones televisivas en color, la BBC estrenaría el día 5 de octubre de 1969 el primer episodio de un programa de media hora de duración, en la estirpe de la mejor tradición de los espacios humorísticos de la cadena (v. gr. The Frost Report, At last the 1948 show…), que de hecho contaría con algunos de sus guionistas y actores. En principio, el nuevo show se programó para trece episodios, y sus primeras emisiones desconcertarían a una audiencia que permanecería indecisa hasta su segunda temporada, cuando, a una legión de fans acérrimos (mayoritariamente público joven, de la edad de sus creadores), le daría réplica otra, no menos numerosa, de detractores. A la larga, no obstante, el espacio alcanzaría la categoría de referente de la comedia televisiva, un éxito que no sólo lo mantuvo en antena durante cinco años, sino que traspasó fronteras, le hizo ganar premios y le permitió ascender al medio audiovisual de mayor copete, esto es, el cine.

En conmemoración de su cuarenta aniversario, y en el preestreno mundial en Nueva York de un documental sobre ellos, el pasado 15 de octubre la Academia de las Artes Cinematográficas y Televisivas de Gran Bretaña otorgó a John Cleese, Michael Palin, Terry Gilliam, Terry Jones, Eric Idle y el fallecido Graham Chapman un BAFTA honorífico en reconocimiento de esa revolucionaria y alucinada forma de entender el humor que, más que crear, perfeccionarían en su espacio Monty Python’s Flying Circus. Seguir leyendo »

Decir que la obra de un artista “nos transporta a otro mundo” es tan fácil como difícil de demostrar. En el caso de Kodomos es una verdad indiscutible, siendo sus cuadros auténticas ventanas a un mundo de fantasía desbordante y atípica, donde misterio y candidez van de la mano como en un cuento de hadas.

Y aunque influenciado por muchos, afirma que “mi pasión por el color proviene sobre todo de dos holandeses: Van Gogh y Rembrandt”. Sintiéndose un poco discípulo de ellos, del primero le apasiona “la arbitrariedad con que utilizaba la paleta. Leyendo sus cartas, no he parado de darle las gracias. Siempre las he considerado uno de los mayores regalos que se le puede dar a un pintor, ya que para mí, Vincent rebosa de generosidad hablando, desde su criterio, como tiene que actuar un pintor con los colores. De él estoy aprendiendo sobre todo a no tener miedo a equivocarme y a transcribir desde mi carácter la parte emocional que posee cada color por sí mismo”. De Rembrandt destaca “por encima de cualquier cosa, su luz” y reconoce la turbación que le producen sus cuadros en directo. Ambos son influencias vitales en su vida pictórica, al igual que la música de Bach y otros grandes compositores, a los que recurre en busca de inspiración.

Pintor vocacional, recuerda que sus primeros pensamientos hacia el dibujo aparecieron pronto, con poco más de tres años: “Provengo de una familia humilde donde el tema del arte no se hubiese hablado lo más mínimo si no hubiese sido por uno de los hermanos de mi madre. Los recuerdos más lejanos son de él dibujando en su mesa, y yo, segurísimo, tocándole las narices. Pero gracias a él tuve ese impacto prematuro, que si ocurre, y añadimos que pasa en la infancia, se graba a sangre y fuego. En mi caso, a mis 31 años, ya puedo afirmar con rotundidad que esa experiencia familiar han hecho de mí lo que soy ahora mismo”. Y aunque reconoce que su desarrollo como artista no ha sido un camino de rosas, “se fue gestando lo que considero que es el mayor regalo que me ha dado el empeño, sentir mi dibujo como una proyección de lo que soy. Esos dibujos pasarán a mis hijos, y espero que estos los pasen a los suyos, y así sucesivamente. Es la posesión de más valor que tengo en esta vida.”

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