Por Elisenda N. Frisach

El escritor y periodista Vasili Golovánov, una de las voces más potentes y originales de la literatura rusa contemporánea, publica en nuestro país Visiones de Asia, un entretenido compendio de ensayos de carácter impresionista que entronca con la mejor tradición de la narrativa europea de viajes, género popularizado a partir del siglo XVII –con Voltaire, Sterne o Goethe como ilustres representantes del mismo–, si bien el libro de Golovánov se adhiere especialmente a un sentimiento de fascinación orientalista, prototípico del Viejo Continente desde que el mismísimo Marco Polo redactara El libro de las maravillas del mundo.

En consonancia con la literatura de temática de viajes de la pasada centuria, y particularmente por lo que atañe a la de tipo no ficcional, Visiones de Asia parte de un tono costumbrista que se ve paulatinamente atravesado por un sentido de lo irreal, de lo fantástico; una transmutación en cierta medida inevitable si se tiene en cuenta que la mirada de un hombre occidental (como efectivamente lo es el autor) deviene incapaz de aprehender ese mundo milenario, siempre cercano, latente y sugestivo y, sin embargo, nunca realmente comprendido. Dicha circunstancia es doblemente cierta en el caso de Rusia, el gran coloso transcontinental, encarnación de un ensamblaje mestizo y variopinto, demasiado utópico para ser cierto, de Oriente y Occidente, de Asia y Europa.

El libro del escritor moscovita se estructura en dos partes: “Visión de Asia”, que recoge las impresiones personales del narrador en su viaje a Tuvá acompañado de un guía, varios eruditos rusos y un grupo de jubilados norteamericanos empeñados en buscar la auténtica sabiduría chamánica de la región, y “Las conversiones de Alejandro”, una nueva vuelta de tuerca a la figura del mítico rey de Macedonia y a sus relaciones con Oriente, en la que el autor contrasta la visión tradicional de Alejandro Magno, legada sobre todo por la historiografía romana, con algunos indicios que apuntan hacia el embrujo asiático vivido por el caudillo helénico.

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Por Patricia Salvatierra

Al polifacético Iván Zulueta se le conoce sobre todo por su película Arrebato, donde Eusebio Poncela y Cecilia Roth lo bordan, y por ser el cartelista, influenciado por el Pop Art y otras nuevas tendencias, de multitud de películas de directores conocidos como Almodóvar, Garci o Buñuel, entre otros. Pero Zulueta tocó muchos palos como la fotografía, los cortometrajes, la televisión, la música e incluso la decoración. Sus cortometrajes y su obra televisiva sólo se han visto en contadas ocasiones en ciclos de filmotecas y cines españoles o, en su momento, en «la caja tonta».

Hoy, 13 de abril de 2010, Xcèntric, el programa cinematográfico del CCCB, organiza un homenaje a la figura de Iván Zulueta. Andrés Duque y David Domingo, cineastas actuales relacionados estrechamente con su obra, son los encargados de presentar esta sesión. La proyección del valioso documental Iván Z (2004) de Andrés Duque, dará inicio a una velada en la que se recuperarán algunos de los Súper 8 más emblemáticos de Zulueta.

Las proyecciones y horarios son los siguientes:

En el hall: pases a las 18 h y 19 h

• Iván Z, Andrés Duque (2004, vídeo, 55 min) donde Duque muestra un Zulueta íntimo que habla abiertamente sobre sus pasiones, fetiches y obsesiones de su imaginario.

En el auditorio: 20 h

• Tea for Two, Iván Zulueta. (1978, vídeo, color, 9 min) donde el autor cuenta la historia de una curiosa pareja formada por Virginia y Vicente.
• La taquillera, Iván Zulueta. (1978, súper-8, color, inacabada (10 min aprox.)) donde vemos otra vez a Virginia vendiendo entradas en el cine sin ningunas ganas.
• Na-da, Aquarium (versión reducida) y tráiler de Mi ego está en Babia, Iván Zulueta. (1976, vídeo, 19 min) Esta serie de imágenes vienen a ser la «primera parte» de un programa cinematográfico a la antigua usanza. Es decir, un NO-DO, un cortometraje, los anuncios del descanso y el tráiler de un próximo estreno.
• La fortuna de los Irureta, Iván Zulueta. (1964, vídeo, 20 min) primera película amateur de Zulueta donde cuenta la vida de Andoni, un labriego que emigra a los Estados Unidos para enriquecerse y luego regresa al pueblo para casarse.
• Mi ego está en Babia, Iván Zulueta. (1975, vídeo, 40 min) donde Zulueta narra la historia de Will More (actor fetiche del cineasta) un verano en Ibiza mientras juega de una manera muy interesante con el tiempo y el ritmo.

Enlace: Xcèntric

Dino Ratso es Carlos Valls, un músico que no se anda por las ramas a la hora de transmitir sus inquietudes musicales. Lo suyo es el rock y asegurar en sus letras que Mi vida no es un musical y que Hay que matar a un cantautor. Una actitud sincera frente a una industria que no lo es tanto.

¿Por qué surge Dino Ratso?

Llevaba unos cuantos años intentando sacar adelante una banda de rock pero no acababa de funcionar porque constantemente estábamos sufriendo cambios de formación. Teníamos serios problemas con los baterías, creo que en cuatro años llegué a tocar con cuatro diferentes. También cambiamos de bajista alguna vez. El caso es que, aunque no quisiera  admitirlo, estaba desencantado con la gente. Ya sabes, creo que el interés y la dedicación que puse no se vieron correspondidos por los demás, o al menos, no lo suficiente como para creer que merecía la pena seguir con ello. Otro inconveniente es que en Barcelona es difícil  encontrar salas adecuadas en las que poder tocar música con una banda de rock. Obviamente las hay pero los dueños de éstas piden un dinero para cederte la sala que considero excesivo, así que sólo tocábamos de vez en cuando. Si un grupo no toca a menudo acaba haciéndolo sólo para las paredes del local de ensayo y eso acaba restándole sentido a una banda. Quiero decir, los conciertos son un incentivo para seguir haciendo cosas como grupo, si estos no llegan pues hacen menguar las ganas de trabajo. En octubre del año 2008 empecé a pensar en hacer algo más al margen del grupo. Hacer un tipo de canciones y en un formato que me permitiera también tocar más a menudo. Aproveché las horas muertas del local de ensayo para grabar una demo con los  temas que luego conformaron DINO RATSO… en la sección de contactos. En enero empecé a buscar conciertos por diferentes bares de la ciudad condal y durante unos meses compaginé ambas actividades; desde entonces voy por libre.

¿Cuesta pasar de un estilo plenamente rockero a uno más intimista?

¿Qué quiere decir intimista? Sería intimista si tocara sólo en mi habitación, pero a mí me gusta tocar para la gente, o sea que; nada  de  intimismo, puro exhibicionismo. A la hora de componer he de procurar que la canción suene bien con guitarra y voz, pues es como la tocaré en directo. La gente va a escuchar lo que cantas. Soy cuidadoso con las letras; pienso en ellas como una batería de rock. La gente suele fijarse en el ritmo de la canción y obvian la letra, pero sin batería se fijan mucho más en lo que dices. Cuando estás con una banda es distinto. En una banda de rock «a-wop-bop-a-loo-lop a-lop-bam-boo»  suena endemoniadamente bien, el sonido del grupo lo envuelve todo, es la fuerza. Sin una banda detrás las letras han de ser como la batería de una banda de rock. Han de golpear en la cabeza del que las oye como si escuchara a John Bonham aporreando sus timbales.
Aunque toque sólo no me gustan las canciones demasiado lentas. Los  nuevos temas son más pop, sí, pero procuro  evitar las  baladas y  los medios  tiempos  lentos. La  gente se aburre  con  ellos, se  ponen  a  hablar  y  no  escuchan. Los  entiendo, a  mí tampoco me gustan los temas lentos.

La sociedad, el amor, el mundo de la música… ¿Está la cosa tan mal como cuentas en tus letras?

No sé cómo están las cosas. Sólo escribo y canto sobre mi propia experiencia. No tengo conciencia social, sólo conciencia individual. Sería  estúpido si pretendiera hacer una canción que diera voz a la gente. No sé qué piensa la gente, sólo sé lo que pienso yo. Si alguien del  público se identifica con lo que oye pues perfecto. Ciertamente, hay muchos aspectos de mi vida que me gustaría poder cambiar. Desde hace tiempo parece que sólo puedo  limitarme a  vivir el presente y lo único de cierto en mi futuro son los conciertos que tengo en las próximas semanas. Nada más. Supongo que eso es lo que llaman falta de expectativas, ¿no?

¿La ironía sacude conciencias o la gente ya está curada de espantos?

No entiendo mucho sobre recursos estilísticos, así que no tengo muy claro si hay ironía en mis letras. A mí me gusta ser claro y directo, incluso diría que brusco. Volvemos a lo que te he dicho antes; ¿sacudir conciencias?  Creo que ese no es mi “trabajo”. Además, la conciencia es algo que molesta, tío. Yo viviría de maravilla en la inopia pero no puedo. Por otra parte, admiro a los que viven sedados frente a la realidad. ¿Has oído esa canción de The Ramones I wanna be sedated? Supongo que habla de esto. Yo empecé a tocar cuando era un adolescente, tenía la cabeza llena de todas esas fantasías de rock and roll y creí que con la guitarra follaría más, pero la mayor parte del tiempo, las canciones son mi única compañía. Déjame decirle a vuestras lectoras que estoy soltero y sin compromiso. Que se pasen a conocerme por alguno de mis conciertos. Soy mucho mejor conversador que cantante. Podemos tomar algo después de la actuación y reírnos un rato.

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Por Elisenda N. Frisach

Hasta el 24 de mayo, el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona acoge “Atopía. Arte y Ciudad en el siglo XXI”, una sobresaliente exposición que reúne más de un centenar de obras creadas por una cuarentena de artistas contemporáneos de diversa procedencia geográfica, dedicados a distintas disciplinas estéticas (pintores, escultores, fotógrafos…).

Con Josep Ramoneda e Iván de la Nuez como comisarios, las piezas mostradas se articulan en torno al concepto de atopía, mediante la dialéctica entre su raíz etimológica (literalmente, a-topos, “sin lugar”, “desubicado”) y su significado médico, que define la tendencia genética de ciertas personas a padecer alergia a sustancias inocuas para la mayoría de la población.

“Atopía”, por tanto, pretende reflejar el sentimiento de alienación del individuo y, más concretamente, del individuo-almenara (los artistas) durante la primera década del siglo XXI; una alienación que difiere de las fantasmagorías opresoras retratadas por Kafka en la centuria pasada, puesto que ahora se halla vinculada a un sentimiento pasional, y a menudo exaltado, de padecimiento íntimo, de índole tanto psíquica como física, producido por la incapacidad para encontrar el espacio propio en una urbe global que fascina y repele, una vorágine consumista, tecnológica y mestiza que engulle en su espectacularidad vacua y fastuosa.

La exposición se divide en cuatro partes: “La ciudad vs. el habitante”, “La ciudad sin habitante”, “El habitante sin la ciudad” y “Apoteosis urbana”, a las que hay que sumar un “Prólogo” y un “Epílogo” y tres interludios en los tres primeros apartados (denominados “Transición”), en los que son colocados estratégicamente tres creadores y sus respectivas obras para ubicarnos semánticamente en el siguiente apartado.

“La ciudad vs. el habitante” retrata las personas como piezas divergentes, casi incómodas, postizas, de unos mecanismos fácticos y económicos que no contemplan las particularidades individuales, lo cual las condena al extrañamiento y la soledad. De ahí que resulten reveladores los paralelismos temáticos de las fotografías de anothermountaiman (heterónimo del hongkonés Stanley Wong Ping-Pui) con las del nigeriano Emeka Nokereke. Igualmente notables son los cuadros de Tim Eitel, que nos recuerdan los resultados finales del consumismo feroz, y la “Transición” a cargo de Carlos Irijalba, con sus reflexiones “Überlegung” (valga la redundancia), que reducen al absurdo la conversión de la vida en un espejismo de sí misma.

En cuanto a “La ciudad sin habitante”, presenta una realidad abrumada por la fisicidad de los espacios, en la que los objetos, las formas arquitectónicas, asumen el protagonismo e integran a los seres humanos como elementos decorativos de su propia materialidad. Ilustrativas al respecto son la serie fotográfica del portugués Nuno Cera, “A room with a view” (donde los paisajes de diferentes ciudades se mezclan con la mirada que los recoge desde distintas, e impersonales, habitaciones de hotel) y la irónica orfebrería en plata “Las joyas de la Corona”, del cubano Carlos Garaicoa (miniaturizaciones de edificios tristemente famosos por los crímenes contra la humanidad cometidos en ellos: el Pentágono, la KGB, la Stasi, el Estadio Nacional de Chile, la ESMA argentina…). Destacan, asimismo, el cuadro Cuevas urbanas, nuevas cartografías de Baltazar Torres o las tres filmaciones de Sergio Belinchón que componen la nueva “Transición”, especialmente su vouyerista corto Office.

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Hacer justicia a la figura femenina no es una tarea sencilla, y mucho menos en una época de cánones estéticos en constante mutación. Contar con un estilo que se adapte a cualquier técnica también es de virtuosos y garantiza que tu obra sea reconocida con facilidad, algo que Conrad Roset está consiguiendo con sus ilustraciones y, en el caso que nos ocupa, la exposición que este jueves 8 de abril presenta en Baum (c/ Seneca 29, Barcelona). Musas, como su nombre indica, es una colección de imágenes tan sensuales como inspiradoras, de limpio trazo y estratégicas salpicaduras de color; belleza bidimensional influenciada a partes iguales por clásicos como Schiele y Mucha o fenómenos más actuales como Ashley Wood, Jaime Hewlett, el cómic francés y el underground americano. Pero Conrad es joven, aún tiene mucho que aprender y demostrar; sus inquietudes pictóricas son demasiadas, y lo demuestra alternando con soltura materiales y soportes. El objetivo: alcanzar una versatilidad que le permita expresarse en cualquier terreno y, de paso, seguir trabajando para marcas tan reconocidas como Adidas, Zara y Filmax (concretamente, en la película de animación Nocturna).

Pequeños grandes pasos si tenemos en cuenta el potencial de un artista cuya producción podría moverse sin problemas por medio mundo. Aunque eso sería adelantar acontecimientos. Por el momento, os recomiendo que echéis un vistazo a sus Musas. No os defraudarán.

Enlaces: Web Oficial | Blog

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Escuchar el último disco de Alado Sincera tiene varias lecturas positivas: La primera a nivel técnico, ya que los catalanes han dado un giro a la fórmula que movió sus anteriores discos, evitando en este tercero el intimismo pop que les hizo un merecido hueco en la escena independiente española; la segunda, más sutil, habla a favor del criterio de una discográfica como Repetidor, que con fichajes como Alado Sincera, Inot Eratsis o Dúo Cobra han demostrado una especial sensibilidad hacia el riesgo y la calidad.

Pero lo que ahora mismo nos interesa es hablar de Palimpsesto, editado el pasado octubre de 2009, con producción de Frank Rudow y la grabación de Paco Loco. Palimpsesto, aparte de un término latino vinculado a la mezcla de estratos, es un álbum protagonizado por las disonancias y cierto espíritu progresivo que bebe de fuentes tan contundentes como Sonic Youth, Guided By Voices o Fugazi. Un giro de sorprendente intensidad y melodía oculta entre estridencias en el que también hay espacio para la ironía con títulos como La televisión va por dentro o La memoria histriónica. Y así hasta once temas grabados en formato totalmente analógico, en directo y en el llamativo tiempo de tres días y medio. Todo un ejemplo de inspiración e ideas claras.

Enlaces: Repetidor | Alado Sincera