Berto Martínez Tello, “Génesis Evolutiva” (2011)

En ella, entre muchas inquietudes, encontramos una evidente preocupación por el espacio y su capacidad de interacción, ya sea con el artista o con sus creaciones, como en la alegoría múltiple de Atelier, o buscando la complicidad del público en obras como Configuración pictórica, donde nuestras percepciones paisajísticas son transgredidas por un cuadro blanco cuya omnipresencia se prolonga tanto en el tiempo como en el espacio.

Una exposición llena de reflexiones y aciertos técnicos en las que un resultado o una interpretación nunca son suficientes, donde partiendo de un infantil calco se puede llegar a la descontextualización de una imagen y, como en su serie de pinturas invertidas, generar obras espontáneas alterando el orden natural del proceso creativo. El resultado sigue vinculado a la recurrente musa que para Berto es la naturaleza, una fuente de metáforas natales a las que llega tras pintar sobre una capa de imprimación que confrontará al auténtico lienzo. Su creación queda atrapada entre ambas pero recupera la libertad en el momento en que la imprimación se desgarra y asistimos a las consecuencias estéticas del azar.

Sóc aquí però puc ser a un altre lloc hace honor a su título. Berto Martínez Tello existe en cada una de sus obras y éstas como grupo componen una vívida imagen de sus intereses e inquietudes, de lo aprendido y por aprender, de lo mostrado y, sobre todo, aquello por demostrar.

Berto Martínez Tello, “Atelier” (2011)

Ramón Clapers, “Sin título”

Sus creaciones exhiben piel metálica y carne fibrosa. Tras esas formas retorcidas y curvilíneas se esconde capas de madera laminada que danzan como si estuvieran o hubieran estado vivas. La sensación orgánica que transmiten es uno de los puntos fuertes de esta muestra, en sintonía con los cúmulos capilares que invaden o huyen de las seductoras mujeres retratadas por Socatoba. Criaturas que invitan al público a formar parte de ese paraíso que la artista invoca en los títulos de sus creaciones, un mundo metafísico en el que también hay espacio para las esculturas de Clapers, que en ningún momento desentonan o ansían el protagonismo que, por su condición tridimensional, ya tienen a su favor.

Socatoba, “Formando parte de un paraíso II”

Ramón Clapers, “Sin título”

Por el contrario, el resto de obras nos proyectan a la antítesis de las llanuras africanas, la ciudad de Nueva York. A través de su conocido cityscape, Blanca presenta otra clase de jungla que, aunque no lo parezca, sigue unas reglas parecidas a la habitada por antílopes y cebras. Y aunque en este punto podría haber caído en una representación fidedigna del caos urbano, decide establecer su punto de vista en los rascacielos de la Gran Manzana, estoicos e inamovibles. No necesitamos ver a los pies de estos gigantes los millones de hormigas que van y vienen, y que, en su joven historia, también respondieron a variados procesos migratorios.

En cualquier caso, Migraciones es una muestra notable que también juega con nuestros sentimientos. Alternando la figuración animal con el paisaje arquitectónico, logra que anhelemos la libertad que perdimos al civilizarnos, un tesoro difícil de recuperar.

David Hockney: Drawings with a Camera
Andre Emmerich Gallery, New York (1982)

Y si la exposición que actualmente le dedica la Royal Academy of Arts supone el epicentro de su retorno a los grandes titulares, sus ecos llegan hasta nuestro país gracias a la muestra que la barcelonesa Galería Eude le dedica hasta el 29 de marzo, un evento que se aleja de su producción habitual (y los grandes lienzos que, por ejemplo, se ofrecen en A Bigger Picture) y que conmemora los 36 años de la primera exposición de Hockney en la galería.
En ella encontraremos un resumen de la trayectoria del británico, sus brincos estilísticos y esa tendencia al pop que nunca reconoció públicamente, pero de la que no ha podido huir desde los años sesenta.

David Hockney Zeichnungen Und Grafik
Galeria Kammer, Hamburg (1981)

Así, Cartells 1964-1989 reúne su producción en dos temáticas claramente diferenciadas: carteles diseñados y creados por el propio Hockney y otros tantos supervisados por él. Los primeros incluyen sus colaboraciones con el mundo de la danza y la ópera, destacando los trabajos tipográficos para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev o el cartel para el programa triple de las óperas de un solo acto de Igor Stravinsky. Entre los supervisados se encuentra el que mostró la propia Galería Eude en su exposición de 1976 o los que convocaban al público a sus exhibiciones Retratos de sus amigos, Ilustraciones para los cuentos de Grimm y Piscinas y exteriores.
En conjunto, y como muestra temática, Cartells 1964-1989 ofrece un retrato fidedigno de David Hockney a lo largo de 25 fructíferos años. Evidentemente, es una imagen distante, para nada comparable a la contemplación de su obra, pero aun así triunfa como documento y crónica de la constante reinvención que caracterizó a su juventud como artista, la mezcla de inocencia y color que le ha convertido en uno de los artistas británicos más internacionales.

Parade
Metropolitan Opera, New York (1981)

Y tras el proyecto se encuentra la fotógrafa Dara Scully, que aporta el texto, la maquetación y una cuidada selección de obras que se amoldan a este cuento invernal. Entre ellas, encontramos los trabajos de artistas con numerosos puntos en común, como Adara Sánchez Anguiano, Anna Adén, Can Dagarslani, Carles Rodrigo, Laura Makabresku, Maja Engman, entre otros. En total, 18 creadoras y creadores de solvente habilidad para desarrollar atmósferas atemporales, celebrar las fortalezas y flaquezas del ser humano, honrar a la naturaleza y deleitarnos con su arte en una cita que, por el momento, promete ser bimensual.

Como se puede apreciar, no es mujer de secretos, pero si aun así os surgen dudas acerca de su trabajo, os recomendamos acudir a la inauguración de la exposición que el Cream Espai Creatiu le dedica el próximo jueves 19 de enero. La propia Gemma Correll estará presente en el evento y podrá explicaros, entre otras cosas, los porqués ortográficos del “I llike you” que titula la muestra, sospechosamente relacionados con la llama de su cartel.

+info: Gemma Correll | Cream Espai Creatiu