Can Xalant, aparte de ser el resultado de un convenio entre el Ayuntamiento de Mataró y la Entidad Autónoma de Difusión Cultural del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, pretende ser un lugar en el que ofrecer a los artistas los recursos necesarios para que puedan desarrollar sus propios proyectos en el ámbito de las artes visuales.

Este viernes 23 de julio se convertirá en algo más que un centro de creación y pensamiento, será el día escogido para que tenga lugar la quinta jornada anual y efímera de puertas abiertas. Como cada año, los artistas residentes mostrarán su obra, esta vez lo harán en la exposición Casa Tomada: una experiencia literal (referencia directa a un cuento de Cortázar). En ella podremos encontrar trabajos de Roser Caminal, Laura Marte, Álvaro Icaza & Verónica Luyo, Jean-Philippe Peynot y Joan Navarro, entre otros.

También habrá lugar para Modelo para armar: Apropiación, collage y parodia en el videoclip contemporáneo, donde Daniel Pitarch y Marcel Pie Barba han reunido videoclips recientes que tienen como denominador común trabajar y mezclar imágenes de diferentes orígenes rozando lo paródico. Alguno de éstos son Planta carnívora de ZA! (Albert Alcoz, 2009, fotogramarrojo, venuspluton!com), Tot Torna a Començar de Mishima (Luís Cerveró, 2010) o L.A. de Mujeres (Lope Serrano, 2010).

Y el broche final a esta jornada lo pondrá el Efímer Club, que en anteriores ediciones ha contado con las actuaciones de Matt Elliot, Howe Gelb, o Standstill. Este año no van a ser menos y contarán con el ex líder de American Music Club, Mark Eitzel, que vendrá en formato acústico a presentar su último trabajo: “Klamath” (Decor Records, 2009). A parte, también estarán Joan Colomo, Za! y dos artistas sonoros como son Ayankoko y Noish.

Sin duda, ésta es una buena oportunidad para conocer el arte que se hace más allá de los circuitos comerciales.

Enlaces: Can Xalant

Para la mirada mediterránea, el mundo escandinavo evoca paisajes gélidos e inmutables, sobriedad y una apuesta constante por lo práctico y funcional. Más allá de estas ideas preconcebidas se encuentran los diseños de Cecilia Sörensen, finlandesa de nacimiento aunque afincada en Barcelona desde 1999, once años en los que ha tenido tiempo de trabajar para diseñadores de la talla de Antonio Miró, crear su propia marca y abrir una tienda en el corazón de la ciudad Condal.

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Helsinki, Southampton, Barcelona… ciudades diferentes pero piezas fundamentales en tu formación, ¿qué ha aportado cada una a tus trabajos?

Sí, el entorno es muy importante cuando uno trabaja en algo creativo. Estudié tanto en Helsinki, Barcelona y Southampton, donde las facilidades de la universidad eran increíbles, pero echaba de mucho menos una ciudad cultural,  más cosmopolita y contemporánea. Había estado de intercambio del bachillerato en el año 93 en Barcelona, y por eso decidí venir aquí.
El hecho de trabajar en un país e entorno no familiar es muy interesante, vas totalmente por libre e independiente, no tienes que encajar en ningún molde preestablecido. Aquí se dice que mi estilo es muy escandinavo, minimalista, limpio…, pero creo que es mucho más femenino y sensible de lo que sería si viviese en Finlandia. Yo diría que la funcionalidad es lo finlandés de mi estilo, el diseño escandinavo va un poco por ese camino, de hacer de lo cotidiano bello.

En los últimos años, el público ha ido recuperando el gusto por lo artesano y duradero, algo que tú has defendido desde tus comienzos. ¿Qué piensas que esta “causa” se convierta en una moda?

Pienso que es una muy buena tendencia. Creo que viene de la desvaluación completa que han conseguido las grandes cadenas. Hace diez años igual te comprabas un jersey nuevo cada invierno. Se miraba, se probaba y se pensaba. Comprarlo significaba invertir lo que valía esa materia y la mano de obra, lo que significaba también una inversión por parte del comprador. La compra era algo planeado y la prenda valiosa.
Ahora hay jerséis a 14 euros, lo que significa que la gente, si quiere, los puede comprar cada semana o mes. Ya no hay que pensárselo mucho, ni casi probarlo. No hay que invertir ni dinero ni pensamiento. Eso también significa lamentablemente que la prenda ya no tiene el valor que antes para el comprador.
Eso ha desvalorizado por completo el trabajo para cualquiera que trabaje en moda y ha frivolizado el diseño. Pero vemos que ahora está cambiando, todos tienen el armario demasiado  lleno de prendas sin alma, es muy estresante poseer y almacenar muchas cosas, por eso vuelve la tendencia de calidad en vez de cantidad.
Los diseñadores dependen mucho de la calidad de los fabricantes de tejidos, y es algo que puede variar muchísimo de una temporada a otra. Creo que es un aspecto que debería mejorar mucho. Tengo varias prendas de mi abuela de los años 50, por ejemplo, un abrigo que uso desde hace años y está impecable. ¿Por qué ahora, con toda la tecnología que hay, no se pueden hacer tejidos y piezas así?
Hay mucho green wash, sobre todo entre grandes empresas, pero creo que en el futuro lo que ahora ha sido más alternativo, eco, orgánico…, va a pasar a ser lo mayoritario.

¿Y qué puedes decirnos de Still Light? Sin duda, es algo más que una tienda.

Still Light es la tienda que tengo desde hace un año junto con mi marido, el ilustrador, también finlandés, Roope Alho. Tenemos una selección de colecciones, la mayor parte escandinavas (Wood Wood y Sulkawa entre otros) y también de aquí, de amigos como Txell Miras; también tenemos libros y revistas de diseño y publicaciones de editoriales independientes. Luego exposiciones de artistas cada seis meses. La próxima será de la ilustradora de moda Laura Laine, de Finlandia.
También tenemos una selección de piezas o artículos que conseguimos en nuestros viajes. Por ejemplo, actualmente contamos con una selección de accesorios vintage de Londres  y todo tipo de cosas de Tokio, desde utensilios de cocina hasta libros infantiles o retales de kimonos.

Llevas más de diez años en el mundo de la moda, ¿cómo juzgas tu evolución como diseñadora?

En 99 presenté mi primera colección en el ModaFAD, todavía de estudiante. De hecho aún trabajo con el mismo material, con las camisas antiguas, pero todo va evolucionando, la colección, la tienda, como persona…. Teniendo una empresa pequeña la colección va bastante ligada a la persona y el trabajo sigue una evolución personal. Supongo que al principio todo era más experimental, probando con diferentes colores y materiales en cada colección, ahora sigue más una misma línea de una temporada a otra.

¿Cómo afrontas cada nueva temporada? ¿De dónde obtienes la inspiración para tus piezas?

Lo que más me gusta de mi trabajo es la parte de la investigación, antes incluso que diseñar prendas en sí. Suelo trabajar con un tema que puedo tratar tanto a nivel ‘general’, como con un vínculo personal. Ahora en las dos últimas colecciones he trabajado de otra forma, tengo una historia imaginada de una mujer en una isla. Es la mujer de un pescador, está esperando el regreso de su marido en la orilla del mar cada noche, desde hace años. No vuelve, pero ella ha perdido la noción del tiempo y la realidad y sigue vistiéndose cada noche para recibirle. Poco a poco la naturaleza invade a ella y a su casa por completo. En fin es una historia bastante triste e nostálgica, pero muy bello a la vez.

¿Sientes algún sentimiento especial cuando ves a alguien llevando tus prendas?

Si, es una sensación muy extraña, como si conociera a la persona. La misma sensación que tienes cuando alguien te suena y no sabes de qué. Me hace mucha ilusión, a menudo veo prendas de hace muchos años.

¿Cómo consigues mantenerte fiel a tu estilo en una ciudad como Barcelona, con tantas y tan cambiantes tendencias rodeándote?

De hecho últimamente intento alejarme todo lo posible de todo tipo de tendencias y seguir el estilo propio. Pero para eso hay que aislarse bastante, estamos muy expuestos y bombardeados de información continuamente.
Ahora vivo fuera de Barcelona, en un parque natural, es un entorno increíble. Va bien para desconectar y poder concentrarse.

¿Y qué tienes pensado para la nueva temporada? ¿Puedes avanzarnos algo?

Han sido unas temporadas complicadas, con la caída de ventas, cierres de tiendas de clientes por todo el mundo…, así que la nueva colección trata de cierto tipo de escapismo, huyendo de las limitaciones de esa burbuja, de lo que, para mí, era antes el crear piezas, con ilusión e imaginación, totalmente separada del mundo y la industria de la moda actual.
También hemos querido hacer proyectos nuevos. Estamos lanzando artículos para el hogar y  sigo trabajando en piezas exclusivas  para vestuarios de cine y publicidad.

Por Bill Jiménez & Maite VQ

Enlace: Cecilia Sörensen

Demon, Eduarnov e Irim Lux son The Forma, tres veteranos de la escena musical de Aiguafreda (Barcelona) que regresan con fuerza a la actualidad gracias a “Mòviment”, su segundo trabajo. Aprovechando que lo presentarán en directo el próximo 6 de febrero en la sala Vermell (Manresa), nos acercamos a ellos con la intención de aprender algo más de este nuevo disco, definido como «siete cortes de suciedad musical prolongada».

Habiendo tenido tantos grupos, y teniendo cada uno una carrera musical tan dilatada, ¿por qué The Forma ha sido capaz de perdurar en el tiempo?

De hecho, los tres estábamos dentro de los grupos que hemos tenido, es decir, que The Forma siempre ha existido de una manera o de otra, y si ha perdurado ha sido por aquello que nos une a los tres, algo que va más allá de la música. Nos hemos criado musicalmente y hemos evolucionado y experimentando juntos… y también nos hemos aguantado muchas cosas.

Respecto al proceso creativo. ¿Cómo afrontáis los temas nuevos? ¿Es un proceso individual o es colectivo?

Siempre hemos ido al local de ensayo y allí nos enchufamos y comenzamos a tocar. Son muchos años haciéndolo juntos, o sea, que no tenemos reglas. Improvisamos las cosas y se deciden las que se quedan, siempre en directo. Después, uno puede pulir algo, pero siempre hemos improvisado y creado juntos; es un proceso colectivo, aunque los medios que tenemos en casa consigan que cada vez se vaya más a un proceso individual: Pro-Tools, Internet, etc…

En The Primitive Information tuvisteis la ayuda de Pere Serrano, y para la grabación de Mòviment la de Jordi Jordana. ¿Qué ha aportado cada uno a vuestro sonido? Y ¿qué habéis aprendido de ellos?

En el momento de la grabación cada uno tiene sus sistemas y siempre se aprende algo. Cuando vas a casa de alguien que tiene equipo te fijas en estas cosas, como por ejemplo, como se lo montan para capturar el sonido. En las mezclas, quizá siempre hemos sido más reacios, ya que ellos tienen sus parámetros y tú los tuyos. Está bien tener una buena comunicación para poder llegar a un resultado que a ti te guste.

Han pasado 3 años entre ambos discos. ¿Qué ha cambiado de uno a otro?

The Primitive Information fue la salida de todo un trabajo muy fluido, recuperando una frescura y viniendo de proyectos más densos y experimentales. Se grabó rápido y lo llevamos a los escenarios en bastantes lugares. Mòviment evoluciona hacia una cosa más ruidosa y pesada, siempre es un reflejo de nuestra situación, bastante caótica por varias razones como grupo, pero es nuestro camino en el fondo. Mòviment es el desarrollo de una estructura compleja y oxidada que está mutando hacia otro estado: eso será lo nuevo.

El “packaging” de vuestro último trabajo es bastante original, y parece que cuidáis bastante de la imagen del grupo. ¿Le dais la misma importancia que a la parte musical?

Siempre nos ha gustado cuidar estos temas ya que formamos parte de ellos. De una manera u otra queremos que las cosa sean de verdad y no hacemos nada sin saber: la imagen, el movimiento, el sonido…, son cosas importantes para nosotros y van unidas. Somos bastante críticos con las publicaciones y los diseños, llevan años viviendo y trabajando con nosotros. En Mòviment queríamos hacer algo muy físico y personal, que se pueda tocar.

Si os dieran a escoger una sala o festival, ¿con cuáles os quedaríais?

El próximo 6 de febrero tocaremos en Manresa al Vermell. Es una sala que está haciendo muchas cosas, buenas, gratuitas y ruidosas; y el festival Gargall, en el que tenemos ganas de tocar. Siempre nos hemos sentido mejor en pequeñas salas, algunas ya desaparecidas: St. Feliu de Codinas, El Molí de La Roca del Vallés, Xurrut (Euskadi)…

¿Qué debemos esperar de vuestro directo?

Actitud. Eso es lo que tenemos. Siempre hemos tocado sintiendo al máximo lo que hacemos, y eso no quiere decir que acabemos vomitando en el escenario. Nuestro directo tiene potencia y intentamos hacerlo como algo especial, ya no estamos por tocar en todos los sitios y comernos movidas sin ningún sentido, actualmente escogemos los directos y nos los trabajamos para dar lo que queremos… Va más allá de la música.

Entrevista: Maite VQ

Enlace: The Forma Myspace

Hoy en Underdogs entrevistamos a Joan y Rafa, los Pin&Pon Djs, una de las parejas de djs más consolidada y polifacética de la escena independiente española. Sus sesiones no son más que la punta de un iceberg que incluye un programa de radio, varias webs y, sobre todo, una pasión desbordante por su trabajo.

¿Cómo lo habéis hecho para convertiros en los DJ’s más populares y queridos de Barcelona? Todo el mundo os conoce, así que sería más fácil preguntaros quién no os conoce todavía.

Bueno, lo de “populares” será dentro de la escena indie. Respecto a la relación entre Pin&Pon djs y Barcelona, su lugar de residencia, viene muy bien el refrán de “nadie es profeta en su tierra”, ya que precisamente en Barcelona es la ciudad en la que menos pinchamos. También ayuda a que se nos conozca cosas como que estamos unidos a la escena musical por otros lazos aparte del tema djs y también hay que decir que un nombre como Pin&Pon es fácil que se te quede.

¿Cómo os preparáis cada sesión? Imagino que no es lo mismo pinchar en un local pequeño que en un festival. ¿Tenéis alguna canción que no pueda faltar en vuestras sesiones?

No solemos preparar las sesiones, a no ser que estemos ante un acontecimiento tipo FIB o algo así. Constantemente vamos seleccionando novedades o recuperando temas que teníamos olvidados. Lo que sí que tenemos claro es que sea un gran festival o un bar pequeño, el público lo que quiere es divertirse y se trata de hacerlo lo mejor posible en ambas situaciones. Es cierto que a veces en locales más pequeños puedes poner temas que quizás no están tan indicados para la pista de baile, arriesgar un poco más.

En cuanto a temas que no pueden faltar, canciones como “Hit the road Jack” de Ray Charles o el “Respect” de Aretha Franklin nunca fallan, los pones y la gente se pone a bailar fijo.

¿Y qué importancia le dais al equipo? ¿Tenéis algunas herramientas preferidas?

El equipo es principal, la sesión depende en gran parte de ello. Si estás en un local donde el equipo no tiene unas condiciones mínimas te puede arruinar la noche por mucha música que tengas. Claro que esto responde a la necesidad que tenemos y nos imponemos de querer mezclar en gran parte las canciones que componen la sesión, aunque parezca imposible de mezclar.

Nosotros hace tres años nos pasamos al mundo del mp3 y pinchamos con un Macbook, combinado con Serato Scratch Live y últimamente con la controladora Vestax VCI 300. Ahora se nos hace casi imposible volver atrás.

Vosotros que habéis pinchado en numerosas ciudades españolas, ¿notáis diferencias entre “escenas musicales”? ¿Alguna en concreto os ha llamado especialmente la atención?

En general al tratarse de la escena independiente más o menos es igual en todas las ciudades. Sí que notamos que en algunas ciudades la gente baila mucho más, como por ejemplo en Alicante o Sevilla, y lo que sí hemos visto es que el número de adolescentes que acude a las discotecas es mucho mayor que tiempo atrás, será el cambio generacional. Ahora hay veces en los que nos sentimos unos abuelos entre tanto jovenzano.

En todo este tiempo que lleváis pinchando ¿habéis notado cambios en los gustos musicales de vuestro público?

Pues un poco en relación a la anterior pregunta podríamos decir que la gente se limita a unas ciertas décadas, por no decir especialmente a esta última. En algunos lugares y especialmente entre el público muy joven parece que más allá de los Strokes o The Killers no existió más música. Y es una pena, pues aunque tengan estas referencias contemporáneas, no deberían quedarse ahí y tendrían que indagar qué influencias han tenido sus bandas favoritas del momento.

Tenéis un blog, la web Indienauta, el programa Rayos C en tus oídos, presencia en varias redes sociales, etc… ¿De dónde sacáis el tiempo para poder hacer todo esto?

Pues de quitárselo todo a nuestro tiempo libre. Nada más acabar de trabajar empieza la segunda jornada laboral del día: preparar un programa de radio, actualizar una web, editar entrevistas, ir a conciertos, hacer crónicas y reseñas…. como puedes imaginar la pasión por lo que hacemos es la única capaz de hacerte sacar tiempo y ganas de donde a veces no las hay. Ahora tenemos que añadir a todo el management de grupos, así que imagina.

¿Y hay algo más que os gustaría hacer o que tengáis pendiente?

Pues nos molaría poder desarrollar la faceta de productor, de hacer remixes, que la tenemos ahí ahí, pero no terminamos de darle un empujón precisamente por falta de tiempo. Y nos gustaría mucho también no tener que madrugar para nuestros respectivos trabajos, que es otro tema pendiente. Todo llegará.

Texto: Maite VQ