Entre el 29 de abril y el 8 de mayo de 2011, los cinéfilos barceloneses han podido disfrutar de la primera edición de un festival que sin duda está destinado a convertirse en un evento de referencia en la ciudad: el Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona (D’A). La muestra, organizada por Nou Cinemart y dirigida por Carlos R. Ríos, tiene por objetivo difundir en España obras de autor de calidad y en su mayoría recientes que, pese a triunfar en festivales internacionales, a menudo no logran encontrar distribución comercial en nuestro país. El D’A, que ha contado con más de 60 películas en cartel y se ha celebrado presencialmente en los Cines Aribau Club y en la Filmoteca de Catalunya, también ha permitido disfrutar de una versión online paralela, acorde con los tiempos que corren: el D’@, mini-festival de autor online que se ha desarrollado en Filmin de manera simultánea al festival presencial y que hasta el próximo 31 de mayo ofrecerá al público una pequeña programación de autor complementaria a la del D’A. Con ello, la muestra se convierte en la primera en ámbito español en contar con un festival equivalente y sincrónico en la red.

En esta primera edición, la película ganadora del Premio del Público ha sido la norteamericana Meek’s Cutoff de Kelly Reichardt, un fascinante western ambientado en la América de finales del siglo XIX en el que un grupo de familias pone a prueba sus límites. El film triunfador en cuanto a asistencia, sin embargo, ha sido el maravilloso documental en 3D Cave of forgotten dreams de Werner Herzog, cuyo pase especial, pese al elevado precio (9€ en taquilla, 10€ online), agotó todas las localidades. Sorprendentemente, ninguno de los dos films cuenta de momento con distribución comercial en España, pese a tratarse de obras de indudable calidad artística. También la retrospectiva de Guy Maddin, cuya filmografía completa nunca antes se había proyectado en España y que, después de Barcelona, viajará a las filmotecas de Galicia (CGAI) y Valencia (IVAC), ha sido uno de los puntos fuertes de la programación. Y, en general, todos los films proyectados en las distintas secciones (Direccions, Àsies, Autoria Catalana, Promeses de l’Est) han sido coherentes con el principio de autoría cinematográfica de calidad del D’A.

Además de con una muy potente programación, el D’A ha contado con una gran repercusión en medios y una considerable afluencia de público, unas 7.000 personas según la organización, cifra que ha cumplido sus expectativas. Carlos R. Ríos, director del D’A, también ha reivindicado el hecho de que el festival ha nacido y se ha llevado a cabo principalmente gracias a la iniciativa privada, ya que, según él, “la aportación de las instituciones públicas no ha estado a la altura de las necesidades del festival y las subvenciones recibidas suponen solo un 20% del presupuesto.” Y es que, sea eso poco o mucho, el afán por rentabilizar la muestra se ha hecho notar, y la organización ha decidido priorizar la venta de entradas al público por encima de las acreditaciones de prensa, limitando tanto la cesión de acreditaciones a medios como el número de entradas acreditadas por pase. Lejos de juzgar esa decisión, lo cierto es que parece ser sintomática de los tiempos que corren, y no ha sido el D’A el único que ha tenido que tomar medidas para subsanar o compensar la falta de apoyo público: sin ir más lejos, recientemente el Festival SURPAS o el fantástico Blogs&Docs han tenido que redefinir su labor debido a problemas presupuestarios.

En cualquier caso, no cabe duda de que tanto la programación como la organización del D’A han estado a la altura de las expectativas generadas: larga vida al Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona, y larga vida a su doble digital, el D’@, que aún podéis disfrutar hasta finales de mes.

El pasado día 8 de abril, el MECAL 2011 dio su pistoletazo de salida en los míticos Cines Maldà de Barcelona (c/ Pi, 5), con un programa muy completo de diez días de duración que tiene prevista su finalización el próximo domingo 17 de abril y que prevé proyectar más de 300 cortometrajes nacionales y extranjeros. Para los que este año disfruten del festival por primera vez, destacar que en MECAL 2011 no sólo es posible disfrutar de cortometrajes de ficción, sino también de cortos de animación y documentales, y que no sólo se celebra en los Cines Maldà, sino también en otros espacios de la ciudad, como el Arts Santa Mònica, el Institut Francès de Barcelona, el MACBA, el Espai Jove La Fontana o el espacio cultural Caja Madrid. Las fiestas oficiales del festival, por otra parte, tendrán lugar en la Sala Apolo y en Sal Café, siendo este último el local que acogerá la fiesta de clausura el sábado 16 de abril a partir de las 23:30h.

En la presente edición, destaca la considerable presencia de escuelas y autores checos en la programación, así como la existencia de interesantes programas especiales. Durante el fin de semana, por ejemplo, nos encantó el especial ‘Cortometrajes de culto’, en el que se proyectaron algunas piezas para recordar, como el corto documental Isla de las Flores (Jorge Furtado, 12’, Brasil), el corto Foutaises (Jean Pierre Jeunet, 7’, Francia), la insólita pieza de animación Intolerance (Phil Mulloy, 15’, UK) o el hilarante Mirindas Asesinas de Álex de la Iglesia (11’, España). Cerró la sesión el extraordinario Music for one apartment and six drummers (Ola Simonsson, Johannes Stjärne Nilsson, Suecia, 10’), uno de los cortos más aplaudidos (literalmente) por el público.  Otros especiales destacados de los últimos días han sido el programa de cortometrajes de realizadores de videoclips franceses (con piezas de Gondry, Gavras o Sednaoui), la retrospectiva al animador checo Jan Švankmajer o el especial dedicado a la escuela de animación francesa Supinfocom.

De lo que queda por ver hasta finales de semana, y sin olvidar las clásicas secciones Internacional y Obliqua, os aconsejaríamos estar atentos a los especiales ‘Terror y Sexo’ y ‘Lluvia Dorada (Especial Sexo)’ de hoy miércoles 13 de abril (Cines Maldà, a partir de las 22h); el especial ‘Vídeos educativos de los años 50 a los 70’ del jueves 14 (MACBA, 20:30h); los especiales ‘Womart’, ‘Panorama Español’ y ‘Terror’ del viernes 15 (Cines Maldà, a partir de las 17:30h); y los programas ‘Panorama Català’, ‘Star Wars’ y el matinal ‘Infantil’, que se proyectarán durante el fin de semana en distintos espacios de Barcelona. La entrega de los Premios MECAL 2011, por su parte, tendrá lugar el sábado 16 de abril en los Cines Maldà a las 19h.

Os invitamos a consultar el programa en la web oficial del festival y, sobre todo, a no perderos lo que queda de MECAL 2011.

En Barcelona, todavía está en cartelera (escondida pero está) “An education”, una película dirigida por Lone Scherfig (“Italiano para principiantes”) y adaptada al cine por Nick Hornby (“Alta Fidelidad”). El film, que se estrenó en España en febrero de 2010, recibió en 2009 el BAFTA a la mejor actriz (Carey Mulligan) y 3 nominaciones a los Oscar (mejor película, mejor actriz y mejor guión adaptado).

Una película honesta y conmovedora

“An Education” es una de esas películas menores que, con una historia sencilla y muy buenas actuaciones, logran conmover profundamente al espectador. Se trata de un film discreto, honesto y sin pretensiones que logra tocar con acierto un buen número de fibras sensibles, y que en el momento de su estreno constituyó una auténtica perla en la cartelera española, quizá por contraste con los estrenos de febrero y marzo de 2010.

La historia, basada en las memorias homónimas de la periodista Lynn Barber, gira en torno a la lección de vida aprendida por Jenny (Carey Mulligan), una brillante pero ingenua adolescente inglesa que se aventura a entablar una relación con un hombre mayor (Peter Sarsgaard). Gracias a esta relación, Jenny accede a una excitante vida llena de emociones, diversión e improvisación, muy diferente a la ordenada, previsible e insípida existencia de estudiante uniformada que ha llevado hasta entonces.

Al estilo de “Buenos días, tristeza” (“Bonjour tristesse”, Françoise Sagan, 1954), “An education” nos sitúa ante la pérdida de la inocencia de una joven que cree saberlo todo y que es vapuleada por la vida en un momento clave de su crecimiento hacia el mundo adulto. Sin llegar a consecuencias tan dramáticas como en la novela de Sagan, la película nos narra con detalle un doloroso proceso de toma de conciencia maravillosamente interpretado por Mulligan.

Un film imprescindible que celebramos que todavía pueda disfrutarse a toda pantalla en España.

Esta frase fue escrita por una ciudadana neozelandesa en una carta dirigida a astrónomos del Observatorio Astronómico del Monte Wilson (Los Ángeles, California) a principios del S. XX. Fue una época, al parecer, en que gente de todo tipo y procedencia sintió la urgencia de comunicar cuanto sabía sobre astronomía y astrología a los expertos del Observatorio para garantizar la transmisión de su pizca de conocimiento a gente capaz de inmortalizarlo en una catalogación enciclopédica heredable.

Estas palabras, pronunciadas desde la tácita sospecha de que algo se transforma en toda transmisión de conocimiento, son parafraseadas y utilizadas por las artistas María Castelló Solbes y Regina de Miguel para dar título a la exposición conjunta Puede que nadie vuelva a tener el mismo conocimiento, que se inauguró ayer jueves 10 de junio en el espacio artístico Halfhouse (c/ Pere IV, 46, 1º 3º) y que estará abierta al público durante todo este mes.

La fabulación alrededor del objeto museístico

Son conocidos el afán coleccionista y la afición por la catalogación de la naturaleza que emergieron a finales del S. XIX, durante la época victoriana. La era de Darwin presenció el desarrollo de un interés inusitado por el estudio de las ciencias naturales y la recopilación exhaustiva de conocimiento. Fue una época en la que emergieron, como precursores de los museos de Historia Natural, pequeños gabinetes de las maravillas donde lo estrambótico, lo freak y lo extraordinario era catalogado y descrito con tanto detalle, precisión y seriedad como posteriormente lo serían las reproducciones de dinosaurios, dodos y Australopitecus varios que hoy en día podemos disfrutar en cualquier museo de historia natural.

El común denominador entre esos objetos excéntricos y las posteriores reproducciones en museos de seres desconocidos (como los dinosaurios o nuestros propios antepasados) es que ambos objetos, en tanto que piezas de museo, son creados a partir de especulaciones sobre la realidad a la que remiten. Pese a tener voluntad objetiva, el objeto museístico no deja de ser una mera representación material del conjunto de informaciones supuestamente verídicas en las que se basa; representación que tiene la finalidad de hacer llegar ese conocimiento al público de un modo lo suficientemente atractivo para que se produzca un aprendizaje.

Es en esa transmisión del conocimiento a través de la representación donde se produce una fabulación, una especulación por parte de los ‘expertos’ del museo sobre lo que realmente sucedió, que toma forma en ese objeto a través del cual la realidad representada de algún modo se transforma para siempre.

La transformación del objeto privado en obra de museo

La fabulación implícita en este proceso de representación museística es algo que fascina a Regina de Miguel y a María Castelló Solbes, y que ambas han tomado prestado del entorno del museo para aplicarlo a la colección de objetos privados presentes en el espacio mismo donde se expone su trabajo: Halfhouse.

Y es que Halfhouse no es una galería de arte al uso; tiene la peculiaridad de ser mitad hogar, mitad sala de arte: un espacio privado en el que habitan personas reales y que, parcialmente, es empleado como espacio público para mostrar obras de arte. Regina y María parecen preguntarse: ¿qué pasaría si los objetos de los habitantes de Halfhouse, siempre presentes en las exposiciones, fueran convertidos en objetos museísticos por el poder de la fabulación representativa? ¿Qué pasaría si nosotras ejerciéramos de ‘expertos’ y les otorgáramos una ficción que presupusiera una serie de hechos en la realidad que representan? ¿Qué pasaría si creáramos una serie de especulaciones alrededor de lo que pudo dar lugar a cada objeto? ¿Inspirarían en cada uno de nosotros la misma historia, recuerdo o realidad?

Esta es la premisa de Puede que nadie vuelva a tener el mismo conocimiento, un planteamiento sorprendente y muy interesante que os invitamos a explorar este mes de junio.

Por Laia Ordóñez

El pasado mes de abril se estrenó en España Alicia en el País de las Maravillas, una nueva propuesta de Tim Burton inspirada en el clásico de Lewis Carroll.
El nombre del director hizo que muchos pensaran que la película sería una maravilla cinematográfica con toques siniestros y el inconfundible sello Burton. Lejos de serlo, el film es poco más que una colección de elementos visuales en 3D con un guión fiel hasta la exasperación al manual de estilo de la factoría Disney.

Del viaje iniciático a la historia de acción

Quien haya leído el libro de Carroll no podrá dejar de preguntarse por qué una historia iniciática, en la que lo fascinante es contemplar cómo el personaje va creciendo a través de experiencias  aparentemente absurdas, se convierte aquí en una historia de acción con héroe, antihéroe, objetivos, aliados y todos los ingredientes presentados como necesarios para construir el guión perfecto en cualquier manual de guión.
A diferencia del cuento original, en esta nueva versión no hay margen para el desarrollo de situaciones surrealistas o la realización de segundas lecturas: todo está muy claro y, sobre todo, muy bien atado. No hay ni un cabo suelto, y además todo está hilvanado según una fórmula tan manida que lo que sucede en pantalla es previsible a la legua.

Una estudiada aventura Disney

Al estilo de Hook (Steven Spielberg, 1991), en la versión de Burton se nos presenta a una Alicia ya crecida que ha olvidado su paso por el País de las Maravillas y cuyo regreso a ese mundo es detonado por la última disyuntiva en su vida de niña: casarse y depender de un hombre, o ser una mujer independiente.
Esta interesante encrucijada, que sin duda guarda paralelismos con la epifanía que vivió Alicia la primera vez que visitó el País de las Maravillas,  podría haberse utilizado como base para elaborar una nueva historia iniciática, esta vez de pérdida de la inocencia, que hubiera tenido pleno sentido dada la edad de la chica (19 años) y su contexto histórico (época victoriana).
Sin embargo, lejos de obligar a Alicia a plantearse los pros y contras de cada uno de estos caminos vitales, la historia se precipita hacia un final ingenuo que obvia las limitaciones impuestas por la sociedad victoriana a una señorita como Alicia, a la que jamás se le hubieran concedido las libertades que pretende.
Por lo demás, todo en la trama parece estar ahí sólo para dar paso a lo siguiente: Alicia y sus amigos saltan de una escena a otra rapidito y sin profundizar demasiado, para evitar aburrir (hacer pensar) al espectador y correr el peligro de que la película deje de ser apta para todos los públicos.

Una frágil Alicia adolescente

La Alicia con la que nos encontramos poco tiene que ver con la niña lista y despierta del cuento de Carroll. En este film, Alicia es una muchachita pálida y apagada que parece más un títere a merced de las circunstancias que una heroína: no toma decisiones propias ni parece comprender lo que pasa a su alrededor. La chica literalmente se ve arrastrada hacia el rol del héroe, con una misión impuesta por la que no parece sentir gran pasión.
El despertar de la conciencia o aprendizaje que presenciamos es por otro lado irrisorio, y es más un despertar del recuerdo de lo que Alicia aprendió la primera vez que visitó el País de las Maravillas que un aprendizaje nuevo, adaptado a sus circunstancias presentes y aplicable a lo que se le avecina en su inminente vida adulta.

Bellos fuegos artificiales

La Alicia de Burton también tiene puntos fuertes: la puesta en escena es deliciosa y la postproducción impecable, y además es un placer disfrutar del trabajo de excelentes profesionales como Johnny Depp y Helena Bonham-Carter.
Sin embargo, da la sensación de que todo ello no son más que vacíos fuegos de artificio, llamativos artefactos que intentan compensar la debilidad de una historia simplona llena de personajes planos. Esta nueva Alicia es, simplemente, un bonito producto del cine-espectáculo cuyo principal aliciente es que la belleza de sus imágenes puede disfrutarse en 3D.
Pese a que la iniciativa de hacer una película visualmente hermosa es loable, no cabe duda de que la propuesta hubiera ganado, y mucho, si se hubiera optado por una factura guionística menos impecable y más imaginativa, incluso absurda o incomprensible a ratos, que es justamente lo que hace del relato original una pieza única en la historia de la literatura occidental.

Atención: ¡Spoilers!

Se acabó lo que se daba. Lost emitió su último capítulo la madrugada de ayer a las 6:30h (hora española) en Cuatro, y a los pocos minutos de terminar ya podían leerse los primeros comentarios en foros, blogs, tweets y demás. La primera impresión es que la finale no ha gustado, o por lo menos no se ha acabado de entender. ¿Qué ha sucedido en el final de Lost? ¿Estaban todos muertos desde el principio? ¿Se ha confirmado la (temida) teoría del purgatorio que corría ya desde la primera temporada por internet? En absoluto. He aquí algunas de las claves para comprender y valorar el final de la ya mítica serie de la ABC.

La realidad de la isla y la realidad paralela

La controvertida teoría del purgatorio defendía la idea de que todos los ocupantes del vuelo Oceanic 815 morían en el primer accidente y entraban en un limbo representado por la Isla. Pero la finale nos ha dejado claro que los hechos son distintos: los personajes sobreviven al primer accidente, logran salir de la Isla y regresan a ella en el vuelo de Ajira. Han estado vivos todo este tiempo, y todo lo que han vivido ha sido real.

Lo que no corresponde a su vida física es lo que ha sucedido en la realidad alternativa que se ha desarrollado en paralelo a la acción en la Isla durante la sexta temporada. Esta realidad parece ser un purgatorio, limbo o no-lugar al que los personajes van cuando mueren, y en el que viven una existencia que les permite corregir o evitar los errores que cometieron cuando estaban vivos. En este no-lugar, los personajes tienen la posibilidad de redimirse y evitar repetir los malsanos patrones de comportamiento que les perdieron en su vida real.

Perdidos y reencontrados

Ya en la primera temporada, Damon Lindelof apuntó que los personajes de Lost no sólo estaban perdidos en una isla, sino también perdidos en sus vidas personales. Jacob lo corrobora haciéndoles saber que fueron escogidos porque no tenían vínculos sustanciales fuera de la Isla. Siempre han sido, en definitiva, un puñado de personajes a la deriva intentando hacer de sus hazañas una cruzada que diera sentido a sus existencias, una razón de ser.

¿Pero cuál es esa razón de ser? La razón de ser es la salvación proporcionada por los lazos de dependencia que, gracias a la experiencia en la Isla, han establecido entre ellos. Ya no están perdidos, porque se tienen los unos a los otros. Pero más allá de eso, el purgatorio les ha permitido tomar conciencia de aquello que nunca han sabido de sí mismos: su estado real.

En sus vidas, todos los personajes ignoran que están perdidos y, al ignorarlo, se pierden cada vez más. Se encuentran una y otra vez en esa metáfora de la perdición que es la Isla, y comparten aventuras a la búsqueda de un sentido que, en realidad, está en el hecho mismo de haberse encontrado. No comprenden que todos se hallan en un estado común y que en realidad son lo mismo.

Pero entonces, ¿qué pasa con la Isla? Probablemente, la Isla no sea tan importante. O sí, pero sólo como escenario de conquista de la fe (en los demás y en sí mismos) que viven los personajes. ¿Importa que no sepamos qué es la Isla ni dónde está? Seguramente no. Lo que importa es que un grupo de personajes descreídos y sin autoconciencia acaban creyendo en el valor y el sentido de sus propias existencias, en tanto que individuos y en tanto que colectividad.

Es posible que la Isla no sea más que el símbolo de una verdad trascendente que debe ser desentrañada y que los personajes sólo comprenden cuando se reencuentran en el limbo. Porque es sólo en ese no-lugar, en ese reencuentro, donde dejan de estar perdidos: por un lado, comprenden que se tienen los unos a los otros; por otro, por fin toman conciencia de su verdadero estado, común, compartido: no ya la perdición, sino la muerte.

Los cabos sueltos

Eso no quita que muchos fans se hayan sentido decepcionados por el hecho de que muchas tramas hayan quedado abiertas o hayan tenido un final abrupto. Y con todo el derecho. Durante años, se nos han presentado como cruciales un gran número de acontecimientos que al final han resultado ser insustanciales, y es comprensible que como espectadores nos sintamos timados.

Pero es la lógica del show business. Crear tramas innecesarias ha permitido a la ABC mantenernos enganchados durante años y rentabilizar la serie a través del merchandising, los videojuegos y otros productos licenciados. Del mismo modo, un final con cabos sueltos permite atarlos en otros soportes, como por ejemplo en los Extras de los DVD. No olvidemos que Lost ha sido concebida como una máquina de hacer dinero: de algún modo hay que seguir dándole coba al business.

La polémica del final

Puede gustar más o menos que los guionistas hayan decidido dejar incógnitas por resolver, y puede juzgarse esa decisión como fruto de la premeditación o de la necesidad: eso nunca lo sabremos. Pero el desenlace que tenemos es el que hay. Y este final convierte a Lost, de manera quizá inesperada, en la historia de una dilatada epifanía que desemboca en un canto a la fe y a las relaciones humanas como respuesta ulterior al sinsentido de la vida. Habrá quien no esté de acuerdo, pero creo que esa sola reflexión es suficiente para dignificar el infierno que han atravesado los personajes (y nosotros con ellos) durante seis temporadas.