Aprovechando el filón del difunto BAFF, el festival Casa Asia Film Week (CAFW) está celebrando su primera edición del 6 al 8 de junio en Casa Asia y del 9 al 12 en los cines Girona de Barcelona. En total se proyectarán 30 películas, de directores como Chao-Bin Su, Dante Lam, Johnnie To y Li Yo, y se dedicará una retrospectiva a la cineasta Ann Hui.

El festival se divide en dos partes: ‘Portal Asia’ que de lunes a miércoles mostrará actividades culturales y proyecciones de documentales sobre cine español hecho en Asia (con sede en la Casa Asia) y el festival CAFW con las proyecciones de jueves a domingo en los cines Girona.

Ante la extensa propuesta, en Underdogs os ofrecemos diez recomendaciones:

1. Confucio por estar interpretada por Chow Yun-Fat y dirigida por Hu Mei.

2. Space Battleship Yamato por ser una superproducción de Takashi Yamakazi.

3. Don’t go breaking my heart porque su director es Johnnie To y aunque esta vez el tema pinte “pasteloso”, la dirección seguro que es impecable y nos regala algún que otro plano maravilloso.

4. The journals of Musan por ser la ganadora en el Festival de Cine de Pusan y el Festival de Cine de Las Palmas.

5. Aftershock por haber sido elegida candidata a mejor película de habla no inglesa en la próxima edición de los Oscars, por estar dirigida por Feng Xiaogang y por tener 5 Nominaciones a los Asia Films Awards entre los que se encuentran Mejor película y director.

6. A Better Tomorrow para poder criticar este remake de la maravillosa película del John Woo de los 80.

7. Bruce Lee, My Brother porque los hermanos de Lee aseguran en pantalla que este es el biopic definitivo del maestro.

8. Confessions por ser una historia de venganza, por haber encantado a medio Festival de Sitges 2010 y porque fue seleccionada por Japón en los Oscar 2011 en la categoría de Mejor Película Extranjera.

9. I Saw the devil porque es una cinta muy interesante, con sangre e ideal para la maratón del sábado.

10. YoYochu. In the Land of the Rising Sex, por ser un documental sobre el más respetado director de porno nipón, Tadashi Yoyogi (Yoyochu) desde su época de pinku-eiga, nuestro soft core, hasta la actualidad, cuando tiene 73 años y unas 500 películas en sus espaldas. El film muestra las peculiaridades del universo industrial y moral del cine japonés.

Nitoniko es el proyecto personal del valenciano Juanjo Pedro. Con su disco Selva de mar (2010) se ha hecho un hueco dentro de la escena electropop actual tras siete años de conciertos por todo el país y tres maquetas. Hacía años que himnos como Los chicos de ahora se coreaban en las salas españolas pero no ha sido hasta ahora cuando han llegado hasta las casas en formato físico.

Se trata de un álbum muy cortito, de apenas 40 minutos. “Sí, es cortito. Teníamos tres canciones más pero se quedaron fuera”. Es un disco muy positivo, alegre, lleno de amor. Un disco que refleja a la perfección tu personalidad.  “Es un disco que muestra muy bien mi manera de hacer las cosas. Cuando compongo me desnudo completamente.  Es un poco arriesgado porque es muy sincero. Escribo como me sale.  Escribo lo que siento en el momento sin intentar esconderme en las palabras”.

¿Por eso hay frases en catalán en algunas canciones? “Habrán más inmersiones en el catalán, pero no serán mías. En especial, esta frase a la que te refieres es una frase que diría una persona en concreto y la diría en catalán. Es un poco coherente con aquello de expresarme como me siento en cada momento. Si la frase es en catalán, es así.”

Siguiendo el dicho “Nadie es profeta en su tierra”, Nitoniko fue llamado desde México para ficharle. “Nunca me había planteado publicar mis canciones hasta que me llamaron del sello mexicano. Me descubrieron en Myspace y me quisieron para una recopilación en Sudamérica. Entonces decidí grabarlo en serio. Da un poco de rabia que tenga que ser alguien de fuera quien se de cuenta de lo que haces. Es complicado que la gente valore lo que cuesta tu trabajo. Es como Pony Bravo, que siendo sevillanos les han publicado sus discos en Barcelona. En general, los españoles somos bastante reacios a valorar lo que tenemos al lado, aunque el tema es complejo. Por mi parte, estoy contento de que se fijasen en mí en otro continente. No sólo se han fijado en mí en México sino que también he tenido contactos con Argentina, Perú, etc.”

Pero, al cabo de poco, recibiste una llamada de Green Ufos… “Sí. Me llamaron y me dijeron que eran fans desde hacía tiempo y creían que ya tenía discográfica.  Nosotros pensábamos que no cuadrábamos en su perfil pero se ve que sí. En seguida quedamos con ellos para comentar cómo empezar la relación. Como ya tenía discos grabados y caras B, decidimos hacer un nuevo diseño y acabar de decidir el orden de las canciones. Ellos fueron los que quisieron poner la versión de Massiel. Yo tenía una demo y ellos quisieron que continuase adelante.”

Junto al disco, ofreces la descarga gratuita mediante Bandcamp. “Sí, es algo de sentido común. ¿Quién no se descarga discos gratis? ¿Por qué poner una barrera si cualquier web o blog lo hará? La gente a la que le gusta el grupo, compra el disco igualmente. Es un disco de tirada corta con un diseño apetecible que incluye póster y otros materiales atractivos para los fans.” Así, no es raro que se haya vendido casi todo lo editado hasta ahora.

Se ha dicho que tu sonido es electropopnaif. “Bueno… Es difícil saber lo que estás haciendo. La gente siempre lo cataloga antes de que tú mismo lo sepas.  Sí que tenemos un sonido frío y caliente a la vez. La frialdad viene de la programación digital mientras que lo caliente es fruto de la voz, que siempre está muy por delante, y de los muchos arreglos acústicos.”

Aunque Nitoniko es un proyecto personal, en tus conciertos te rodeas de una buena banda. “La necesidad de los directos me llevó a buscar a gente.  La música en directo la debes crear con más personas. Cada viaje nos une más entre nosotros y eso se comunica en el escenario.  Si el grupo está unido, todo es mucho más bonito. Aina Godoy es mi mano derecha. Ella lleva las guitarras. El resto del grupo ha ido variando un poco. Actualmente están Laura Martínez como técnico de sonido,  Paulo Murphy para producir las bases en directo y pulir el sonido, y Víctor López a la batería. En el disco, la batería es pregrabada pero para los directos quería una real.”

“Ahora estamos introduciendo las guitarras eléctricas para ofrecer unos directos más bailables.” ¿Tienes pensado seguir por esta línea? “Sí. Ya tengo muchas canciones nuevas y estamos trabajando en grabar más demos y pulir nuevas canciones para sacar un nuevo disco de cara al 2012. Queremos un disco un poco revolucionario. No queremos un corte, porque lo que hay es mi personalidad y no la cambiaré, pero sí que queremos algo que sea muy pop pero también muy bailable. También me gustaría probar con canciones donde se muestren otros estilos que no sean pop, como por ejemplo, el funky.”

Nitoniko ha tenido vídeos antes que disco publicado. Recuerdo hace años varias presentaciones de algunos de vuestros vídeos en bares y salas pequeñas como previas a los conciertos. Tus videos tienen la firma de Lyona. “Es un placer trabajar con Lyona. Nos entendimos desde el principio. ¡En el último vídeo sudé muchísimo porque la ropa que llevaba no transpiraba! Tenemos la idea de hacer un vídeo que acompañe las remezclas pero está por definir. Sería el último de este disco.”

Así, podemos adelantar que haréis un EP de remezclas del disco antes del verano.  “El tema del EP está muy avanzado. Será una edición digital que estará disponible a mediados de julio. Llevará una versión nueva de Ya no y remixes de otras canciones del disco a cargo de Powlow y Bolmer. Lo anunciaremos todo en la web www.nitoniko.com a finales de junio”

Con el tiempo, surgen las colaboraciones con otros grupos. Habéis tocado con gente a la que admiras como pueden ser Hidden Cameras, Au Revoir Simone o  Hidrogenesse. “Al principio es algo que coges con miedo pero cada vez  se lleva mejor.  Es una experiencia increíble que da mucho respeto pero que es genial”.

¿Te gustaría tocar alguna canción en especial con alguien en concreto? “He tocado con mucha gente de la que soy fan, pero quizá me gustaría mucho hacer una versión de Hyperballad de Björk con Patrick Wolf”.

Grabar es una cosa y el directo es otra. “La parte agradecida de todo esto es poder conocer al público de tu a tu. Es un público que nos apoya muchísimo. Lo valoramos mucho. Llegar a otros sitios no es fácil y que alguien te reconozca el trabajo es muy bonito. También valoro el hecho de que hacer conciertos nos ha permitido conocer artistas que admiramos. Por ejemplo, en Madrid cantamos con Algora, de los que somos muy fans, y con Corazón, una gente muy maja.”

“Vamos haciendo conciertos aquí y allá. Como el disco salió en México y luego en España,  no hemos hecho gira. Vamos tocando y confirmando, a concierto por mes. El próximo concierto es el 11 de junio en el Pop Bar (Sala Razzmataz.. 02:00h), donde trabajaremos un nuevo concepto de puesta en escena en el que colaboramos con la empresa de diseño CO y Roberto Piqueras, pero después de verano confirmaremos más fechas.  En principio, queremos pasarnos el verano preparando canciones nuevas, lo cual no quiere decir que si podemos hacer algo puntual no lo hagamos.”

Animal Kingdom, protagonizada por Ben Mendelsohn, Joel Edgerton, Guy Pearce, Luke Ford, Jacki Weaver, Sullivan Stapleton y James Frecheville, es un drama psicológico enmarcado dentro del crimen organizado. Según el director, la historia se inspira en unos incidentes que pasaron hace 20 años en Melbourne, cuando parte de la clase política era corrupta y había muchas familias enteras dentro del crimen organizado.

La historia empieza cuando el hierático adolescente Joshua ‘J’ Cody (Frecheville) pierde a su madre por sobredosis y se va a vivir a Melbourne con sus tíos y abuela a quienes no había visto nunca. Joshua no tarda en entender que su familia es peligrosa y muy poco convencional. El policía Nathan Leckie (Guy Pearce) quiere que J colabore con él para desenmascarar a policías corruptos, atrapar a los traficantes y alejar al chico del mundo de la violencia y el trapicheo. A partir de ahí, J debe elegir.

Con este argumento, se plantean debates como la capacidad de elección, el aventurarse hacia el bien o el mal o el tema de si la sangre implica amor y/o lazos de lealtad.

La película presenta una atmósfera tensa, seria, sin ironías, llena de historias subyacentes, elipsis bien utilizadas y personajes que emanan pasado sin hablar de él, como el maravilloso personaje de Jacki Weaver, la abuela. Sin duda, el mejor personaje de toda la película. La abuela es el centro de la familia, la cabeza pensante de todo. A medida que avanza la película se va manifestando lo mala y extraña que es con pequeños gestos como, por ejemplo, el tratamiento hacia sus hijos al darles besos en la boca. Jacki Weaver interpreta a una mujer australiana pero bien podría ser una auténtica mamma italiana. Smurf es una mujer que debió ser una femme fatale que hizo y deshizo a su antojo, enamorando y chantajeando a muchos hombres. ¿No parece raro que todos sus hijos sean tan diferentes? Seguramente son de varios padres, victimas o compinches de la mujer dura, manipuladora e inteligente que vemos en pantalla.

Con todo esto y algo más, Animal Kingdom se presenta como una de las operas primas más interesantes de este año. Sin embargo, a pesar de ser una película notable, resulta imposible equipararla a Uno de los nuestros como han dicho algunos críticos. Aún así, vale la pena verla.

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El libro recibe el título del poema que cierra la obra KINGS OF MASTERS: “quizá lamerme los pies me otorgue / un corpúsculo de verdad / infinito será.” Por otro lado, tienes un blog lleno de aforismos con este mismo nombre. ¿Qué significa? ¿Qué relación hay entre el blog y el libro?

La relación entre el blog y el libro es sencilla. Todos los poemas de Infinitos Corpúsculos se escribieron en el blog homónimo. Así que me pareció que así debía llamarse el libro, no sé si por coherencia o porque no podía ser de otra manera. Tampoco sé si lo que hay en el blog son aforismos, son pensamientos breves y a veces contradictorios.

La u minúscula es uno de tus rasgos más característicos y que te podría incluso definir. ¿Qué significa para ti la u minúscula?

Mi válvula de escape, quizá. El no

mbre que me puse a mí misma, también mi vocal favorita, la última. La u verde del poema de Rimbaud, el juego de la sinestesia.  Me gusta si alguien se atreve a llamarme u, pero lo hace muy poca gente, la verdad. Es, desde luego, la personalidad que escribe corpúsculos. O minúsculos. Otras hacen otras cosas.

El poemario se divide en 5 partes claramente diferenciadas: Estadios rudimentarios donde todas las estupideces andan sueltas; Mi condición warholiana; Eg(g)o; Austeridades y Entre púa y punzón. En la primera parte, encontramos una dedicatoria de Deleuxe “trazar una especie de línea de fuga mediante el lenguaje”. ¿Infinitos corpúsculos se trata de eso, de una especie de exorcismo del sujeto poético?

Fuck yeah! Infinitos corpúsculos es una presentación de la u minúscula, que disfruta precisamente de ese tipo de cosas. ¿Estoy hablando en tercera persona, como Aída? Me gusta mucho jugar con las palabras, el lenguaje, con distintos idiomas, con los errores, con lo que se puede crear jugando, quizá. Sin duda exorciza, aunque esto también cuesta. Cuando se publicó el libro me daba mucho pudor, porque quien lea bien puede ver demasiado de mí.

Sin puntuación, versos libres, restructuración, juego con el lenguaje, las palabras y la escritura, mezcla de idiomas (castellano, inglés, catalán, latín), verbos impersonales que se vuelven personales, bailes de mayúsculas y minúsculas, cursivas, mención a la Wikipedia incluida… Vemos una poesía con cierto aire futurista y rompedor.

Es verdad, hay una cita de Wikipedia, pero no sé si eso es rompedor. Necesitaba detallar Zugzwang, y Wikipedia me servía para eso. Es un término del ajedrez, pero que se puede aplicar perfectamente a la vida diaria de cualquiera, el instante en que cualquier movimiento que uno haga va en su contra. Eso sucede a veces, me parece. En cuanto al resto de cosas, la verdad es que muchos de los textos que aparecen en el libro, cuando fueron escritos no tenían una intención poética, es decir yo no tenía una intención poética. Yo escribía, sencillamente.

Se trata de un libro muy intimista con un sujeto poético risueño, vergonzoso, un tanto ingenuo, que conoce sus errores. Aunque se ven momentos tristes, desesperanzados o de pérdida se ve un sujeto positivo que no sabe qué le espera en un futuro pero lo anhela con ganas. Es un sujeto que sabe que ha cambiado, que ha evolucionado y que está ocupando otro lugar en el mundo. Un ejemplo de ello está en “Se fue la fe y la ideología / para poder ser lo que / me imponía el cuerpo”. ¿Cómo es el sujeto de Infinitos corpúsculos?

Un sujeto híper motivado, muy receptivo a los estímulos. También una persona con una historia personal extraña. Ahora tengo 32 años, no estoy casada, no tengo hijos, trabajo mucho, intento disfrutar y, desde luego, hago básicamente lo que quiero, al menos fuera del periódico. Pero esto no ha sido siempre así. Cuando acababa de pasar los 20 ya se habían muerto cuatro personas fundamentales en mi vida, por este orden: mi padre, mi madre, mi abuelo y mi abuela. Todo eso también está ahí, quizá para que a partir de ahora esté menos.

Vemos la importancia de la lectura en toda la obra. Se presenta como evasión en momentos como “luego leo apoyada en una / farola y todo se me pasa / rápido” o “¿alguien tiene a mano algún poema de Picabia?”; o como medio de conocimiento y herramienta para la vida misma. ¿Qué significa para ti la lectura?

Precisamente en esa época de la que te hablaba en la respuesta anterior, mi adolescencia, cuando la gente se moría, es cuando más he leído. O quizá de la mejor forma. Por suerte la casa familiar de los Yanke era una de ésas llenas de libros, que algunos he terminado por conservar yo, y la verdad es que he pasado mucho tiempo leyendo en esos años. Ahora leo de otra manera. Para empezar, más rápido, porque mucho de lo que leo me sirve para el trabajo. Y tengo muy poco tiempo. Leo poca novela, la verdad, me gusta leer poesía y filosofía sobre todo.

¿Las vivencias relatadas en APOCALIPTUS o en OTRA VEZ son reales?

Totalmente reales. Ahora no me pasa porque tengo una amiga que vive cerca de mí y trabaja en el periódico, y suelo ir con ella en su coche al trabajo pero, en el pasado, yo salía de casa más temprano de lo necesario para sentarme media hora o quizá un cuarto, con eso podía bastarme, en algún banco cercano al periódico. Cuando me levantaba, solía ir caminando con el libro y, no sé por qué, pero los Testigos de Jehová pululan por aquí, y me abordaban, me preguntaban siempre si me gustaba leer. Como te lo cuento.

En el poemario se observan elementos clave como los árboles con los que el sujeto poético llega a identificarse o los diferentes conceptos relacionados con el huevo: “oosfera”, “empollando el huevo” e incluso el sujeto proclama: “Soy huevo”. Nos viene a la cabeza lo primigenio, lo que está por nacer, lo que se tiene que empollar (léase acariciar, darle cariño)… ¿Qué ideas querías plasmar con ello?

Tuve una etapa muy huevo, un estado larvario, un proceso evolutivo. Está relacionado con el ego. El huevo y el ego. Y creo que ambos hay que cuidarlos, sobre todo los propios. Y a veces se pelean, incluso.

Lo momificado está muy presente en las tres primeras partes del libro. ¿Qué es para ti lo momificado?

Momificado y modificado. Lo inerte y lo que yo puedo aportar. Incluso momificando. La fotografía, por ejemplo, hago fotos, momifico y modifico. Y si no modifico me modifico yo, y si modifico me momifico yo. Zombies, zombies, que te gustan a ti.

Artaud, Deleuxe, Warhol, Derrida, Boccanera, Ángel González, Breton… ¿Qué influencia tienen en tu vida y en tu poesía?

Algunos tienen una importancia más bien puntual, como Breton, que en realidad no me encanta, o Warhol, que tampoco es uno de mis tops. Pero Artaud, Deleuze y Derrida los he leído mucho y los he leído también a la vez, cosa que lo hace todo aún más loco. Los tres están presentes en Infinitos Corpúsculos. Boccanera fue fundamental para mí en una época muy complicada, al poco de venir a vivir a Madrid. Su poemario Servicios de insomnio iba conmigo un febrero, algunos poemas se quedaron a memoria en mi cabeza. Y en cuanto a Ángel, le echo de menos. Sólo le vi dos veces en mi vida pero antes de esas veces le leí mucho, y me sirvió como él, por suerte, pudo llegar a saber, porque se lo conté todo. Va a pensar usted que estoy loca, Don Ángel, le dije. Y él respondio: que hable la loca. Y me invitó a fabes con almejas.

La edición de tu libro tiene detalles preciosos como por ejemplo la paginación. ¿Cómo se te ocurrió?

Es preciosa, ¿verdad? ¿Te refieres a la u boca abajo sobre las páginas, no? Lo mejor de todo es que no es cosa mía, es algo que tiene toda la Colección Puerta del Mar. Cuando lo vi en uno de los pdf definitivos que me enviaron casi me vuelvo tarumba.

***

Un libro que aunque a pesar de tener toques tristes y ver cómo el sujeto poético se siente perdido también posee humor como, por ejemplo, en el poema MENUDO CUADRO o erotismo como en IMVAGINARTE (O VORÁGINA).

Un poemario llamado Infinitos corpúsculos que habla de a una mujer que aunque se defina con una u minúscula debería hacerlo con la mayúscula.

Entrevista por Patricia Salvatierra

En un L’Alternativa que más que alternativo fue social, destacaron muestras de cortos y algunas piezas sueltas como la que nos presentan el Colectivo Los Hijos con Ya viene, aguanta, riégueme, mátame y Los materiales.

Los hijos, Natalia Marín Sancho (Zaragoza, 1982), Luis López Carrasco (Murcia, 1981) y Javier Fernández Vázquez (Bilbao, 1980), es un colectivo audiovisual afincado en Madrid, fundado en 2008. Éste nace con la intención de experimentar con la forma fílmica, el proceso de creación de una obra, y ahondar en el estudio del discurso de la no-narración. Sus trabajos documentales son un soplo de aire fresco dentro de nuestras fronteras, respiran libertad, cinefilia y gusto por la experimentación. En sus trabajos muestran imágenes sin iluminación, casi sin sonido, sin personajes principales, dejando la cámara desnuda ante el paisaje que enfoca. Los hijos encuentran un interés en los brutos de lo filmado. Una de las características más interesantes de su obra es la presencia de los autores en ellas. En algunas obras les vemos y oímos (leemos) mientras graban.
En su filmografía encontramos los cortos El sol en el sol del membrillo (12′; 2008) y Ya viene, aguanta, riégueme, mátame (9′; 2009). En El sol sobre el sol del membrillo moldean la obra de Erice tomando un supuesto lienzo de Antonio López, objeto del documental El sol del membrillo, exponiéndolo a las inclemencias del tiempo campesino.
En Ya viene, aguanta, riégueme, mátame recrean escenas célebres del cine español de películas como El Espíritu de la Colmena (Erice), La Ley del Deseo (Almodóvar), Amantes (Aranda) e Historias del Kronen (Armendáriz). Los hijos se sitúan exactamente en los mismos lugares, filmándolos con los mismos planos ya envejecidos por el paso del tiempo y citando, sobreimpresos, los diálogos originales de los films.

Sus largos son Los materiales (75′; 2009) y Circo (71′; 2010). Los materiales se centra en la historia reciente de Riaño (León) marcada por la traumática construcción del embalse que anegó el pueblo original en 1987. Junto con él, siete pueblos más del valle fueron también cubiertos por las aguas. Javier, Luis y Natalia pasarán un año explorando la zona. La cinta es una especie de diario de viaje en el que los autores experimentan explícitamente con las posibilidades del acercamiento audiovisual a la representación del paisaje y la geografía además de mostrarnos otras historias mediante sus propios diálogos subtitulados. La cinta está llena de cinefilia y aunque aparentemente parezca pretencioso por el intelectualismo que emana no lo es en absoluto ya que también está lleno de humor. Los materiales se llevó el Premio Jean Vigo al mejor director en Punto de Vista y obtuvo una Mención Especial del Jurado en el FID Marseille.

Circo es su obra más “al uso”, más concreta, donde se muestra un día en la vida de una familia que regenta un circo. Es un documental hecho de planos largos con cámara fija que propone temas como la ética del documentalista o el trabajo.

Los hijos vienen pegando fuerte, aireando el panorama documental español con experimentación y críticas inteligentes. Mientras esperamos su próximo trabajo, se podrá ver Los materiales en el País Vasco con una proyección especial en el Museo Guggenheim de Bilbao en el marco de Zinebi el 27 de noviembre a las 18.00 horas.

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La celebración de los 25 años de la compañía Mudances de Àngels Margarit concluye este fin de semana con la reposición de algunos de sus mejores espectáculos en el Mercat de les Flors. Los espectáculos que la llevaron a los escenarios de todo el mundo y le han convertido en un referente de la danza de nuestro país: Kolbebasar (1988), Corol·la (1992), Solo por placer (2005), Larandland (2006) y el trabajo Cartografies #2 AAA en colaboración con Agustí Fernàndez y Andrés Corchero. Junto a ellos han tenido lugar diferentes actividades paralelas como charlas, actuaciones musicales, talleres de plástica y movimiento para toda la familia y proyecciones audiovisuales.

La compañía Àngels Margarit / Cia. Mudances se creó a raíz del espectáculo Mudances que Àngels Margarit estrenó en 1985. Dedicada a la creación contemporánea, centra su interés en la danza y en el espacio, y en la investigación de un lenguaje y una poética propias que incluye la interrelación con otras disciplinas artísticas como la música, la fotografía y el video.

Los pasados 11, 12 y 13 de noviembre se repuso Corol·la, un solo de danza estrenado el año 1992 en la Biennale de Lyon y actualmente interpretado por Roser López. Corol·la es una de las obras más emblemáticas y que más ha representado Margarit; con la que ha recorrido más de treinta ciudades europeas y americanas hasta 1999. Elogiada por la crítica internacional, esta pieza de danza es considerada como el centro de la trayectoria creativa de Margarit y, por ella, el año 1993 recibió el Premio Ciutat de Barcelona d’Arts Escèniques. Corol·la es simplemente una delicia para los sentidos, un compendio de emociones que impactan al espectador.

Este fin de semana, se repondrá Larandland, estrenada el año 2006, un trabajo estético y abstracto que habla de la ciudad inabarcable, como un organismo vivo dividido en tres partes. La primera, Palimpsest es un trabajo de composición con siete bailarines; la segunda, Siamesos es un fragmento intimista donde se suceden diferentes duetos; y la tercera, Track, la pieza más enérgica que parte de la velocidad, el riesgo y el trazo.

Por Patricia Salvatierra
Imagen (c) David Ruano

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