Por Patricia Salvatierra

Dos enigmáticas niñas inspiradas en El resplandor son la imagen del nuevo cartel del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, nuestro Festival de Sitges de cada año. La próxima edición, la 43, tendrá lugar del 7 al 17 de octubre.
Pero no sólo se homenajean los 30 años de El resplandor (The Shining) ofreciendo un pase de la versión estadounidense con 30 minutos más de duración sino que también se recuerdan los 25 años de Regreso al futuro (Back to the future) de Robert Zemeckis. Además, se rendirá tributo al inigualable Paul Naschy con la proyección del documental El hombre que vio llorar a Frankenstein donde varias personalidades hablan sobre la persona y trayectoria del hombre lobo español, y se celebrarán los 50 años de la genial Psicosis (Psycho), de Alfred Hitchcock.

Del programa mostrado hasta ahora llaman la atención los temas nuevos y originales como la crisis inmobiliaria en Dream Home (Pang Ho-Cheung) o Rubber (Quentin Dupieux), sobre un neumático abandonado asesino. Por otro lado, presentarán película nombres clave como Kitano con su Outrage que, según dicen, es su película más violenta muy en la línea de Saw; Trash Humpers, del controvertido Harmony Korine o la rarísima Kaboom de Gregg Araki, un film indie norte-americano de buen gusto donde se mezcla comedia y terror.

El festival cada año se abre más al documental y este año facilitará títulos como The People vs. George Lucas (Alexandre O. Philippe) sobre el fenómeno fan de Star Wars; La bocca del lupo (Pietro Marcello) un film mitad ficción–mitad documental en torno a una historia de amor con pinceladas homosexuales que sucede en varias líneas temporales al estilo Terence Davies, y el mockumental Vampires (Vincent Lannoo). Dentro de NV-Ficción se podrán ver títulos interesantes como Sound of Noise (Johannes Stjärne Nilsson y Ola Simonsson); Red, White and Blue (Simon Rumley), visión inquietante que recuerda al cine de Haneke; La Doppia Ora (Giuseppe Capotondi) donde por fin Italia vuelve a la ola con una fascinante combinación de thriller onírico y de una construcción fílmica en los límites del género. Dentro de NV-Discovery se presentarán obras jóvenes e independientes como Tony (Gerard Johnson), sobre un serial killer ultra realista en las calles de Londres.
De nuevo el cine asiático de calidad tiene cabida en este festival con films como Dream Home (Pang Ho-cheung), la película asiática más radical de los últimos tiempos; Ip Man 2 (Wilson Yip), segunda parte del filme ganador de la edición pasada de Casa Asia, y también se descubrirá la nueva cinematografía de Vietnam con el superhit Clash (Le Thanh Son).

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Por Patricia Salvatierra

El Festival Grec de Barcelona nos trae cada verano una oferta variada y actual de música, danza y teatro. En él  también se abren camino nuevos artistas con los programas dirigidos a jóvenes promesas. Una de las propuestas más interesantes de este año fue la magnífica pieza Miniatura, de Roser López Espinosa, situada dentro del programa de jóvenes creadores del Grec.

Roser López es una excelente bailarina que ha colaborado con directores de la talla de Àngels Margarit o Iago Pericot, por citar dos ejemplos. Además de trabajar para otros, Roser apuesta por la creación propia. Algunos de sus trabajos anteriores han sido reconocidos: la sugerente The lizard’s skin obtuvo el Primer Premio del Certamen de Solos de 11MASDANZA. Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias 2006 y el virtuosismo de Còncau, II obtuvo el Segundo premio de Nuevas Tendencias del Certamen Coreográfico Internacional Burgos – Nueva York 2008. Miniatura es su nueva creación, donde esta vez también dirige a otra excelente bailarina, María Campos Arroyo.

Miniatura estuvo el pasado fin de semana en la sala La Caldera, aunque no dudo que tengamos la oportunidad de volver a verlo en otras. Según Roser, “Miniatura es un mundo de cosas pequeñas, de retratos, manipulaciones y mecanismos. Las miniaturas son retratos y figuritas a pequeña escala. Unas y otras son fácilmente manipulables y eso les hace muy frágiles y a la vez versátiles. Miniatura es un engranaje de manipulaciones con todos los elementos que entran en escena: el cuerpo, la danza, el vídeo, la música y el espacio escénico. Nos convertimos en objetos y en cuerpos que manipulan, en retratos y en artífices, en paisajes imaginarios donde las dimensiones reales se modifican a través de las perspectivas. Nos pondremos en la piel de las muñequitas de cajitas de música y de las mujeres de mirada sobria e impactante de los retratos antiguos. Bailaremos el detalle y le haremos un lugar de honor a todo aquello pequeño que puede ser tan grande como la mirada.” Seguir leyendo »

 

La historia del arte contemporáneo no sería la misma sin esas oportunas asociaciones de creadores que, a modo de movimientos, evitan que ciertas aguas se estanquen. Las más viscerales e inquietantes tienen en la Eat Meat Raw Gallery un templo donde peregrinar y recuperar la fe, un pequeño paraíso expositivo en el corazón del barrio barcelonés de Gràcia que apuesta por la cara menos amable del arte, la que fascina e impresiona por igual. La cara carnívora.

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Proust creó ‘En busca del tiempo perdido’ a partir del recuerdo de una magdalena con té y The doors escogieron su nombre inspirándose en un poema de William Blake: ‘There are known and unknown things between the doors’. Así, ¿Cómo surgió la idea de crear Eat Meat? ¿Por qué este nombre?

El nombre nos remite a la carne del espíritu y a la esencia del arte ‘en crudo’ que hacemos y que nos conmueve. Eat Meat nos pareció un concepto suficientemente eufónico y gamberro que definía nuestro gusto y lo que pretendemos enseñar bien por exceso o por defecto de carne…  La terminación .cat de nuestra web nos llevó a un chiste 2.0: eat meat cat. Ja Ja.

Sabemos que Eat Meat cuenta con varios fundadores. ¿Quién integra Eat Meat? ¿En qué grado están vinculados al arte?

El núcleo duro y original lo formamos los que convivíamos en los talleres de la calle Alzina nº 20, nuestra sede: Katy Vives Phipps, alma mater de lefreak y creadora difusa, y Rai Escalé, pintor. Inmediatamente, se incorporaron Riot Über Alles, poeta y pintor, además de grafista oficial de Eat Meat; Fritz Gnad, videoartista y nuestro webmaster; Magda Redondo, socióloga, y nuestra pacificadora interna; y Carles Galindo, window dresser y nuestro agitador permanente… Artistas de la vida todos.
Por otro lado, durante estos meses se han ido acercando y acoplando multitud de colaboradores de una manera natural y a través de muchas vías: proximidad física, mental, espiritual, facebook… la lista completa está en nuestra web y son legión ya. Sin ellos no seríamos nada. Es este crecimiento horizontal, transversal y universalista lo que ahora mismo nos alimenta.

¿Cuáles son las bases de la filosofía Eat Meat y sus objetivos a largo plazo?

Nuestro Programa/Manifesto dice:

“Eat Meat es una asociación cultural sin ánimo de lucro cuyos objetivos son fomentar, desarrollar y divulgar proyectos artísticos locales e internacionales desde su sede en el barrio de Gràcia de Barcelona.
Como plataforma de divulgación estética pretendemos sintonizar con frecuencias artísticas que interpreten el pensamiento y la realidad contemporáneas. Mutaciones formales y esenciales, hibridaciones, nuevas ingenierías visuales, la enfermedad del alma, otros rituales, lo monstruoso, el transgénero y las alteridades son algunas de las obsesiones que trataremos.
El programa de exposiciones es bimensual aunque su carácter abierto nos permita realizar otras actividades (expositivas o no) que vayamos decidiendo.”

Se trata de un programa lo suficientemente abstracto como para poder presentar cosas formal y conceptualmente dispares y a la vez concreto como idea unificadora.

La mayoría de exposiciones se basan en autores que muestran, a priori, cierta inquietud y desasosiego. ¿Por qué este tipo de arte?

Es el arte que nos emociona… Es el tipo de inquietud y desasosiego que nos gusta sentir y nos transmuta. Sólo hay que mirar alrededor y ver que es un tipo de arte no amable –cárnico, descarnado, frío y a veces brutal– que sintoniza con lo que está sintiendo la gente actualmente.

Aun así, estas expresiones artísticas son muy populares entre la gente y cuentan con gran proyección comercial. ¿Es Eat Meat para el arte lo que los antiguos Circos de Monstruos para el espectáculo de masas?

No lo pretendemos desde luego… Además, estas expresiones artísticas son más populares entre artistas que entre el público, y nos pareció que en Barcelona no había ningún espacio dedicado a mostrarlas integrando un programa específico. Por otro lado, no creemos que nuestra propuesta llegue jamás a ser masiva… Vaya, no es la idea, aunque nunca se sabe…
Lo que sí intentaremos presentar siempre serán propuestas de alto nivel estético de una manera preciosista y a veces oblicua.

Una pregunta tan tópica como «¿qué es el arte?» alcanza nuevas dimensiones bajo vuestro punto de vista. ¿Qué es el arte para Eat Meat?

En la asignatura ‘Teoria del Arte’ de la facultad de Bellas Artes, que lleva todo un curso, nunca se resuelve la incógnita… Se ha convertido en un Expediente X, principalmente porque formalizar lo sagrado es imposible según nuestro parecer. Para nosotros arte es todo aquello que hace trascender nuestra humanidad. El mundo está lleno de arte, sólo hay que tener ojos para verlo en los sitios más insospechados y en los formatos más alejados de lo que se colgaría en un museo…

En Underdogs tenemos una curiosidad… En vuestra web situáis un gráfico con el contenido artístico del sitio (link). Resulta curioso ver el elevado índice budista o taoista si pensamos en las exposiciones que hemos ido viendo, ya que la mayoría tienden hacia las tinieblas emocionales. ¿Podríais explicarnos un poco en qué os basáis para crear este gráfico?

Es un gráfico picado de una página yanqui, ya nadie lo recuerda exactamente, pero estaba puesto con el mismo ánimo iconoclasta. Está sólo para quitarle hierro al manifiesto, que quizás nos quedó demasiado hermético… Una boutade para remarcar que no hay que tomarse nada demasiado a pecho… y menos el arte. También queríamos mantener el tono humorístico y naïf que no queremos perder.

Por Patricia Salvatierra & Bill Jiménez
Imágenes proporcionadas por la galería.

Enlace: Eat Meat Raw Gallery

 

Por Patricia Salvatierra

Me cito con Sònia Moya en la estación de tren. Se presenta una chica sencilla y alegre, con ganas de explicarme los entresijos de Gramàtica de l’equilibri, un poemario que le ha llevado a ganar el XLVI Premio de Poesía Amadeu Oller, dirigido a jóvenes poetas inéditos menores de 30 años. Además del orgullo que comporta ganar este premio, la editorial Galerada ha publicado su poemario en una edición sencilla, preciosa y dulce como su autora.

Sònia nació en Cerdanyola del Vallès en 1981. Se licenció en filología hispánica por la Universitat Autónoma de Barcelona (UAB) y trabaja como profesora de lengua y literatura en Manresa (Barcelona) de unos niños a quien ama y no duda en intentarles llevar al mismísimo Luís García Montero para que les de una charla. En esta misma ciudad, colabora en el ciclo ‘Tocats de lletra’ y también ha participado en recitales poéticos como ‘Còdols’ (2009),  ‘Sensuals’ (2008), Casserres Poètic (2009) o ‘Transgressors’ (2009). Pertenece al corpus de Quark Poesia y, además, fue poeta del mes de la revista Ciutat Oci. También ha traducido el ensayo Vincles de Àngels Torras y Míriam Tirado. Seguir leyendo »

 

Por Patricia Salvatierra

Kowasa Gallery presenta, hasta el próximo 31 de julio, la primera exposición individual en España del fotógrafo suizo Jacques Pugin (Bulle, 1954). La muestra cuenta con un conjunto de veinte fotografías de medio y gran formato que ofrecen un recorrido por las series más recientes de este artista, entre las que figuran “Sacred Site 1-2″ (2001-2009), “Paysages greffés” (2005-2008), “La montagne s’ombre” (2005-2009), “La Namibia” (2007) y “Ethiopie, Algérie, Islande” (2008-2009).

Pugin busca lugares que expresen la relación compleja entre el hombre y la naturaleza. Modelado por las culturas, las ciencias o las religiones, su mirada se centra en el mar, los desiertos y las montañas. En esos lugares es donde captura las esencias, los colores brutales y la belleza mientras inmortaliza los ambientes.

Las fotografías expuestas muestran algunos paisajes hostiles donde la huella del hombre está presente pero también encontramos paisajes prácticamente vírgenes con una belleza primitiva de la naturaleza. La mayoría de las imágenes plasman una sensación de magnitud inabarcable.

Recomiendo especialmente aquellas fotografías que muestran desiertos rojizos abismales de Namibia y, muy especialmente, los paisajes fríos y helados de las montañas glaciares de Islandia. Todas ellas muestran mundos infinitos, casi inaccesibles, donde el espectador se puede sumergir y adentrarse en la inmensidad de la naturaleza en estado puro.

Enlaces: Kowasa | Jacques Pugin

 

Por Patricia Salvatierra

Desde que los Lumiére salieran a la calle a filmar secuencias de la vida cotidiana de los parisinos hasta lo que entendemos hoy por documental ha llovido mucho. Definir el documental es una ardua tarea que no voy a hacer ahora, pero sí puedo comentar qué parece estar sucediendo con él.

Hace ya un tiempo que el documental se ha desarrollado, llegando a nuevos relieves y temas. Incluso el público lo concibe de otra manera. En las últimas décadas, ha dejado de ser carne de televisión en canales autonómicos de segunda, para pasar por canales especializados (Discovery Channel, Animal Planet o People & Arts) y llegar a la gran pantalla en casos como El viaje del emperador, Rize, El mundo silencioso de Cousteau o La pesadilla de Darwin, por no hablar del sensacionalista Michael Moore, Al Gore con su verdad incómoda o la experiencia de campo de Morgan Spurlock en Super size me. Por supuesto, el siguiente paso después de la gran pantalla es el de la venta en DVD de dicho producto,y por otro lado, cada vez más, el documental se vale de la red para ser difundido. Así, no es raro que el documental de los canadienses Arcade Fire se pudiese ver durante una semana en Pitchfork, aunque ya estuviese a la venta desde hacía algunos meses.

Como vemos, existe otro género de documental alejado de los animalitos, las denuncias sociales y los intereses propagandísticos: el musical. Muchas son las bandas que se prestan a ser seguidos cámara en mano durante sus giras para mostrar a su público una nueva faceta, el backstage de su grupo favorito. Algunos de los ejemplos más recientes son Under Great White Northern Lights que documenta el tour que realizaron The White Stripes en Canadá durante el 2007; Anvil! The Story of Anvil rodado durante la última gira del grupo Anvil, y Miroir Noir, que muestra la última gira de conciertos de Arcade Fire a la vez que da a conocer parte del proceso de grabación de su segundo álbum, Neon Bible.

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