Por Juanjo Pizarro

Como público podemos plantearnos en qué medida un músico sabe que ha llegado a una cierta plenitud en su trayectoria, a una culminación en el desarrollo de su expresividad como artista. El mallorquín afincado en Barcelona Steven Munar ha hallado ese momento en el cual la calidad de sus canciones es tan elevada como su sinceridad, y en La Produktiva Records lo saben. El sello barcelonés dirigido por  Nando Caballero y Miguel Zanón ha publicado “The Language Of The Birds” (2010) de Steven Munar & The Miracle Band, el reciente y mejor trabajo del que fuera líder del finalizado proyecto The Tea Servants, banda responsable de cinco interesantes álbumes incluyendo el brillante “Travel West” (2003). En el 2007 debutó en solitario con “Miracle Beach”, un disco de renacimiento artístico, más intimista y sereno que lo ofrecido hasta entonces con el antiguo conjunto y que, a pesar de las excelentes críticas, no tuvo quizá la resonancia que merecía. La grabación corrió a cargo de Francisco Albéniz -responsable de La Búsqueda, banda muy considerada, también original de Mallorca-, que ahora ha masterizado el álbum que nos ocupa.

“The Language Of The Birds” nace bajo el signo de las trascendentes vivencias de su autor en la época en que gestó las canciones, siendo el nacimiento de su hija lo que más ha influenciado en el espíritu de vitalista armonía, de plácida plenitud, que florece en la totalidad del disco, colmado por el insólito talento para imaginar melodías pop de Steven Munar. El sello inconfundible de las viejas grabaciones, la espontaneidad y frescura en forma de vinilo que las antiguas bandas mostraban, se encuentra en el álbum, grabado por Marc Tena, donde la impronta del sonido en vivo realza las canciones al mismo nivel que exhibe The Miracle Band en sus directos.

La pieza que da título al trabajo ejerce de apertura, en la que una jovial melodía sirve al cantante para entonar sobre la traición a la naturaleza y la esperanza de un cambio, de una revolución panteísta en la sociedad. Sincera canción de amor es el single “Travelling”, escogido por el sello del Reino Unido Lakeland Records para su referencia “Compilation Object CD 02”. La capacidad de invocar naturales espacios abiertos que posee el folk rock americano nos llega, como en gran parte del disco, en “And If You Want My Records”, entrañable declaración de amor paternal que ha gozado de un especial agrado entre la crítica. Además de una de las más contagiosas canciones pop del año, “God Has Helped (Hallelujah)” es un manifiesto de optimismo, de elección instintiva, de recuperación espiritual, como lo es también la sensible y humanista “Keeping The Sadness Away”, en la que destaca Miguel Pérez -excepcional guitarrista que siempre ha acompañado a Steven Munar- interpretando el Pedal Steel en esta ocasión. Con las raíces del más franco country el autor escribe con añoranza en memoria de su padre la canción “The Sun” y el viso crepuscular, reflexivo, de la música de “No Future, No Past”, ennoblece las estrofas que expresan la necesidad de vivir el instante, de abandonar las ataduras de momentos pasados.

“Strength” sería la isla más bella del archipiélago que forman las catorce piezas del álbum. De  cálida melodía, nos llega en su mitad uno de los momentos más poéticos del trabajo, con un  inspirado arpeggio de guitarra  envuelto en un ritmo marcial que, a modo de metáfora, asociamos a la fortaleza a la que hace referencia el título. En su letra se vislumbra una voluntad de superación y equilibrio, de búsqueda del autoconocimiento y de lo esencial, de unión con el todo a través del amor, que nos podría evocar a la magnífica novela “Siddhartha” (1922) de Hermann Hesse.

Ante las puertas de recolectar el inevitable éxito que hace años merece, y sea consciente o no de su actual apogeo como artista, Steven Munar no se detiene, y en sus conciertos por el país ya incorpora en su repertorio media docena de nuevas canciones que imaginamos pronto ofrecerá en forma de  nuevo disco. Como  declaró el prestigioso compositor Ígor Stravinski: “Sé que todavía hay música dentro de mí. Debo darla. No puedo vivir una vida que sólo recibe.”

Enlaces: Steven Munar | La Produktiva Records

El dúo de Baltimore se estrenaba en el año 2006 con un disco homónimo, cuya singular propuesta no pasó desapercibida entre el sector de la música independiente. Esquemáticas cajas de ritmos activadas en el modo relajación, taciturnos y envejecidos órganos y unas guitarras steel hawaianas servían de séquito a la voz intemporal, andrógina, de la cantante gala Victoria Legrand, protagonista de un sonido envolvente y nostálgico afín a descoloridas filmaciones caseras en 8 mm. El debut tuvo como prolongación el álbum Devotion (2008), donde repitieron con la pequeña discográfica Carpark, y en el que Gila tomaba el relevo de canciones destacadas del primer trabajo como Master of None, claros ejemplos del carácter único y cautivador del grupo.

El nuevo disco titulado Teen Dream (2010) supone una evolución que va más allá del ingreso de la banda en un sello discográfico tan reconocido como Sub Pop. Si las tonalidades sepia dominaban antes el teatro mágico de Beach House, el escenario donde desfilan las canciones es ahora una gama de refulgente multicolor. Las notas agudas y campanilleantes ganan en relieve con la producción a cargo de Chris Coady (TV on the Radio, Yeah Yeah Yeahs) y el halo romántico de las melodías se torna más irreal, si cabe, con una confitura de idealismo que aísla al oyente hasta el último corte de la grabación. Silver Soul, Used to Be o, sobre todo, el luminoso 10 Mile Stereo, son modelos del inmejorable dream pop que enarbola el dúo en un disco colmado de potenciales singles, de temas dignos de representar la excepcionalidad de un trabajo en el que la pieza más bella sea quizá Lover of Mine, clara heredera de los hallazgos del grupo Cocteau Twins. Como final nos llega Take Care, una personal interpretación de las raíces del folclore americano, similar al modo en el que la banda The Walkmen modela la imaginería de Bob Dylan.

Aunque la publicación de Teen Dream sea muy reciente, el álbum ya forma parte de la más selecta oferta musical del año y en ella Beach House nos convida a dejarnos abandonar por una saudade imaginada, una dulce añoranza de vivencias que tan sólo existieron en nuestro corazón.

Texto: Juanjo Pizarro

Enlaces: Myspace | Web Oficial

Poco antes de la aparición de Valentina, el escritor y filósofo Umberto Eco reivindicaba el arte del cómic con la publicación de ‘Apocalípticos e integrados’, un ensayo que situaría la disciplina en el nivel artístico que merecía. La búsqueda de vías alternativas para relatar sus historias llevó al autor a romper con muchos de los ordinarios protocolos estéticos que ofrecían los cómics. El montaje en el cine de vanguardia y la experimentación en el uso de metáforas visuales como lenguaje narrativo nutren el lápiz de Guido Crepax, quien, asimismo, descubre en el análisis del subconsciente una fuente ilimitada de recursos con los cuales sorprendernos. Los sueños de Valentina, sus deseos pasionales más íntimos, son tan significativos como los sucesos que protagoniza en sus aventuras. El inconsciente desatado, libre de culpa y moral, ajeno a las convenciones sociales, se une a la querencia por las pautas del fetichismo y las fantasías sadomasoquistas que se ocultan en la psique de Valentina para deleitarnos con un erotismo elegante y alejado de modos explícitos, donde se venera el cuerpo femenino como súmmum de belleza. El original uso del ensueño, de la ilusión onírica, convierten las páginas de Valentina en una suerte de poemas visuales que nos sugerirán diferentes motivos y nuevos alcances cada vez que retornemos a sus historias, que nos perdamos de nuevo en su voluptuosa imaginación.
El presente volumen comienza con un tríptico integrado por las historias “La fuerza de gravedad”, “Valentina con botas” y “Marianna va a la montaña”, en las que un argumento de thriller de ciencia ficción es apto para que Guido Crepax erija una reflexión sobre la identidad, el deseo de ser otro o sobre un concepto tan literario como lo es la figura del doble. En “El niño de Valentina”, una vieja mansión y un cuadro con una misteriosa dama  son el eje central de un relato donde los sueños de Philip Rembrandt, el amante de Valentina, se diseminan de manera paralela a los de la heroína, y terminan por confluir en uno de los desenlaces más trascendentales para el devenir del personaje. Destacaríamos por último “Manuscrito”, una aventura con leve tono de comedia sin componentes surrealistas, clara alusión al férreo control de la libertad de expresión en la desaparecida Unión Soviética.
El talento de Guido Crepax nos ha legado a la bella Valentina, mujer soñadora y romántica, cariñosa y sexualmente libre, que sentimos como epítome de la parte más seductora e irresistible del carácter femenino; y ante la invitación de acompañarla en el segundo volumen de sus aventuras… no vamos a ser los primeros en decirle “que no”.

Enlace: Norma Editorial

Texto: Juanjo Pizarro
Imagen: (c) Guido Crepax

“2001: Una odisea del espacio” (1968), la obra maestra de Stanley Kubrick, alineó el género en la más distinguida consideración, estatus que anteriormente habían alcanzado en el medio literario novelas como “1984” (1949) de George Orwell o “Crónicas Marcianas” (1950) de Ray Bradbury. A finales de los setenta todavía se realizó algún film excepcional, tanto desde una condición artística y poética –“Stalker” (1979) de Andréi Tarkovski- como de éxito y repercusión -“Encuentros en la tercera fase” (1977) de Steven Spielberg-. Posiblemente, la última película magistral de ciencia ficción sea “Blade Runner” (1982), adaptación de una novela de Philip K. Dick dirigida por Ridley Scott, que, junto al alegato ecologista “Naves misteriosas” (1971) de Douglas Trumbull, es homenajeada en “Moon”, al recuperar algunos de sus elementos y enfocarlos desde un prisma nuevo, sencillo y honesto.

En la actualidad el cine de anticipación no discurre por su mejor época. En Hollywood, en la mayoría de las ocasiones, tan sólo ejerce de coartada para saturar al espectador con efectos visuales (cada vez más cercanos al videojuego), donde el actor estrella de guardia defiende reiteradamente a la humanidad. En este contexto “Moon” se convierte en un proyecto inusitado desde su génesis. El director, determinado a recuperar el olvidado espíritu artesanal de las películas hechas con maquetas, cuyas tesis bebían directamente de la literatura de especulación científica, concibió el argumento en el cual se basa el guión de Nathan Parker.

Sam Bell es un astronauta cuya solitaria misión en la Luna está a punto de finalizar después de tres años. De su esposa e hija tan sólo puede recibir vídeos grabados, y su única compañía es una computadora llamada “Gerty”, que posee la voz de gentleman del actor Kevin Spacey. A escasos días de su vuelta a la Tierra, y cada vez más agotado por la soledad, la repentina visión de una joven desconocida desencadenará todo tipo de alteraciones en su rutina diaria.

El actor Sam Rockwell, que sustenta todo el peso de la cinta, se muestra como el intérprete idóneo para generar empatía en el espectador gracias a su franqueza y naturalidad. Su encarnación del solitario astronauta logra algunos de los pasajes más conmovedores, y a la par contenidos, del reciente panorama cinematográfico.

“¿Había estado ciego y sordo, o había sido necesaria la severa luz del desastre para encontrar mi verdadera naturaleza?”, escribió el periodista Jean-Dominique Bauby unas semanas previas a su fallecimiento por causa del “síndrome de cautiverio”; cuestión que se podría formular el protagonista de “Moon”. Y es que, como en la más inspirada ciencia ficción, el film reflexiona sobre nuestra esencia y nuestro espíritu. Con su primer trabajo, Duncan Jones plantea con sutileza la posibilidad de la existencia del alma y su capacidad para vincular a los seres humanos más allá de las limitaciones físicas. El resultado es una película que siembra un recuerdo indeleble en el espectador. Mas tal vez en el futuro, quizá en el presente, contemplando las distantes estrellas, podamos hallar nuestro sentido y medida, nuestro propio destello.

Duncan Jones
“Moon”, 2009

Texto: Juanjo Pizarro
Imagen: (c) Sony Pictures

El segundo disco tras la reaparición, “The Obliterati” (2006), se distingue por refinar el punk-rock hasta extremos de calidad nada frecuente. Un aplastante y soberbio trabajo que ya tiene sucesor en el 2009: “The Sound The Speed The Light” (Matador). Repite Bob Weston (Shellac) como productor en una grabación donde la puntería del trío firmando canciones ha perdido en precisión ganando en rapidez. Los doce golpes que forman el álbum se dividen en cuatro suites de tres canciones cada uno, en las cuales el grupo ha deseado reflejar diferentes estados de ánimo -o contradictorios pensamientos-. Arranca el primer segmento con el irresistible single “1, 2, 3, Partyy!”, despilfarro de insolente y ágil power-pop. El título del disco es extraído del tema “SSL 83”, en el que hierve ese pop crujiente hecho de recoser mil trapos que ofreció en su día otra genial banda de Boston llamada Pixies. En el último set “Good Cheer” es un martillazo en el que se turnan las guitarras de ambiente tétrico con las estrofas del más ebrio punk rocker.

El seis de octubre salió a la venta la nueva guía para jóvenes de los catedráticos Mission of Burma, cuya habilidad y experiencia sólo son superadas por su abrumadora y tenaz vitalidad.

Mission of Burma
“The Sound The Speed The Light”
Matador, 2009

Autor: Juanjo Pizarro
Imagen: Archivo

Tras participar en las giras de Radiohead, TV On The Radio y Feist, el conjunto comenzó a componer la que seguramente será la obra que les lanzará a la cumbre del éxito más elitista y que tal vez condicione su futuro: Veckatimest. Ideado en la solitaria isla de Massachusetts que da nombre al álbum, el tercer larga duración de Grizzly Bear supone una evolución hacia un sonido menos experimental pero no por ello carente de personalidad, ambición y exigente creatividad.
Todo parece confeccionado de manera meticulosa en la grabación, incluyendo la elección del joven y aclamado compositor de música contemporánea Nico Muhly (autor de la banda sonora del film The Reader y colaborador de Antony and the Johnsons y Björk, entre otros), como responsable de los inspirados arreglos de cuerda, más las partituras que interpretan los miembros del Brooklyn Youth Choir.

El numen de Grizzly Bear han sido los estilos olvidados por el gran público que reinaron en las radios de madera, iluminadas en su interior como pequeñas fábricas de sueños, en la América de posguerra. Glenn Miller con sus hits para parejas enamoradas, y los cantantes de jazz que brillaron en las populares big bands, se fusionan al entramado indie folk ambiental ya conocido del grupo, lo que da lugar a una apuesta exclusiva, un ejercicio de singular valor. Para ello es determinante el dominio vocal del cuarteto, que ha alcanzado su cenit en el aspecto coral.

Con todo, sorprende que, al recomendar este trabajo, se suela advertir de su difícil escucha, debido a la elaborada producción y al sonido homogéneo que pueden atenuar el interés del oyente. Veckatimest no es un álbum de música pop lleno de singles y temas pegadizos, pero es asequible, y recompensa a corto plazo su elección.
La primera sorpresa nos llega en Southern Point, donde el jazz y el swing (que bañan todo el disco) son inesperadamente invadidos por un eufórico ritmo brasileño. Seguidamente, en el efectivo single Two Weeks, reaparece la influencia del más actual que nunca -y exprimido- Brian Wilson, con una canción doo wop paradigma en su género y enriquecida con la aportación de Victoria LeGrand (Beach House).

El jazz con halo enigmático titulado All We Ask culmina en una coda de barniz oldie, y es oportunamente encadenado a la pieza Fine for Now, de nuevo un jazz cubierto de vapor psicodélico y coros espectrales liderado por una voz crooner, que posee el desenlace más exaltado e intenso del álbum. Cheerleader es una agradable balada que remite a una América quizá sólo existente en la publicidad de los primeros años sesenta, donde las playas eran paraísos y la juventud no tenía fin. En la segunda mitad del disco un vals es el leitmotiv de Ready, Able, en cuyo ecuador descubrimos uno de los momentos más bellos de Veckatimest; y en About Face el cuarteto simula el tictac de un reloj, para darle ritmo a una canción de sensible melodía que nos mece suavemente evocando desaparecidas tiendas de juguetes. Estas dos últimas composiciones son las preferidas del que esto suscribe, de un total de doce canciones con el denominador común del refinamiento y la elegancia, de quietud nocturna y misterio, de búsqueda de emotiva evasión: la obra de aplicados orfebres.

Enlaces:  Sitio oficial | Myspace

Grizzly Bear
Veckatimest
Warp/PIAS

Autor: Juanjo Pizarro