Helen Clegg (psicología), Daniel Nettle (ciencias del comportamiento) y Dorothy Miell (ciencias humanas y sociales) han recurrido a las matemáticas, y en concreto, a los logaritmos, para determinar por qué unos artistas “ligan” más que otros hasta el punto de ubicarse en las antípodas de los primeros. Su informe, titulado “Estatus y éxito en las relaciones de los artistas visuales” ha aparecido en el diario científico Frontiers in Psycology y sus resultados se han servido de las experiencias de 236 artistas.

Pese a todo, no es un estudio de sesudas cifras. Informa que “la distribución del número de parejas sexuales entre los participantes fue muy desigual, con un mínimo de cero y un máximo de 250. A partir de ahí, los datos fueron convertidos a una escala logarítmica.”

La primera conclusión es que la mitad de los artistas tuvieron más de 10’67 amantes (la media) y el resto una cifra inferior, pero aún así no explicaba cómo compensar la escasez de unos y el exceso de otros. Los logaritmos, en cuyos aspectos más técnicos no entraremos, son de gran utilidad para comparar elementos a través de vastas escalas, grandes o pequeñas. Así, los artistas de vida sentimental más agitada, recibían una cifra logarítmica elevada, digamos que 2, y los de menos, una más modesta o directamente el cero. El estudio confluye en lo que el trío de investigadores llamó “índice estratégico de apareamiento”, en el que “cada lío de una noche ganó un punto, cada relación de un mes dos puntos, y luego cada relación de 10 años o más, ganó 8 puntos. El número total de puntos por cada persona se sumó y dividió posteriormente por el número total de relaciones.”

Después de analizar todos los casos y datos reunidos, se llegó a la conclusión de que sí, el éxito es determinante en la vida sexual del artista varón. La estabilidad de sus relaciones es directamente proporcional a su fama. Por otra parte, las mujeres dieron resultados más equilibrados, lo que hace pensar que sacarle provecho carnal a la influencia o el poder es, para bien o para mal, una cosa de hombres.

Fuente: When art breeds success in the bedroom

Me fui del Festival de Cine de San Sebastián muy orgullosa del cine patrio que había visto, y debo decir que, a priori, no confiaba demasiado. La Concha de Oro a Isaki Lacuesta y la de Plata a María León como Mejor Actriz, confirmaron mis sensaciones… Lástima de Coronado, que se quedó sin. He aquí mi resumen:

Empezaremos, pues, por la ganadora. “Los pasos dobles”, de Isaki Lacuesta, que se inscribe en ese abismo de etiquetas en el que cualquiera sirve y ninguna es la correcta. Cine documental, falso-documental, de aventuras, tragicomedia… A mí me gustó, porque es una película diferente, que te hace reír y emocionarte, que presenta una historia apasionante, con unos personajes originales y auténticos, con un Miquel Barceló grandioso y una banda sonora que resume a la perfección mis sensaciones sobre el film: entre el pasodoble y el spaggetti western, con toques de música clásica…

“No habrá paz para los malvados”, de Enrique Urbizu, es una película de género magistralmente bien hecha. Cine Negro con más de una pincelada de Thriller. Emocionante, repulsiva, con grandes dosis de intriga y de acción, realista, con un gran ritmo en la narración y un guión atado y bien atado… ¡Ah! Y con un José Coronado increíble. Si no le dan el Goya, es que alguien se lo roba.

Eso sí, por favor, que Helena Miquel se dedique a hacer música, porque está claro que lo de actuar, no va con ella… Mi absoluta devoción a Javi de “Verano Azul”, el  policía de España.

“Intruders”, de Juan Carlos Fresnadillo, da miedo. Miedo al miedo a tener miedo… Y así, eternamente. Una película sin grandes pretensiones, ni grandes presupuestos, pero muy efectiva. Con dos historias paralelas, muy diferentes pero muy iguales, que se entrelazan en un giro de guión bastante bien ocultado hasta el final. La mezcla de idiomas se lleva bien, la ambientación es estupenda y los actores también. Eso sí, si no te gusta el cine de misterio y fantasía, más vale que te quedes en casa…

Y mi preferida, “La Voz Dormida”, de Benito Zambrano. Reconozco haber llegado al cine con mucho miedo y expectación, porque adoro el libro de Dulce Chacón y temía, aunque también dudaba, que Zambrano no hubiese sabido estar a la altura. Miedo infundado, por supuesto. Puedo asegurar, y aseguro, que “La Voz Dormida” es la película más bonita que he visto en meses, que tooooooooodo el Kursaal en pleno salió llorando de la sesión (hombres, mujeres, viejos, no tan viejos, jóvenes y no tan jóvenes… ¡todos!), que el guión adaptado es magnífico, que la inocencia y la pureza de la protagonista  me hicieron envidiarla  y que si no vas al cine a verla, estás cometiendo un error enorme. Mi más entusiasta aplauso a las dos protagonistas (a las dos, que conste) y a todos los secundarios. Nada ni nadie chirría. Los actores, la cámara, la sensibilidad en la mirada, en las palabras, la historia… Maravillosa.

La liberación de Ai Weiwei la semana pasada fue, aparte de un alivio, una obligada reflexión acerca del fracaso de la libertad de expresión en China. Es cierto que los siguientes movimientos del artista serán claves a la hora de determinar el peso político de lo ocurrido y qué medidas tomará el coloso asiático para acallar al artista una vez agotada la excusa de sus delitos económicos. En cualquier caso, Ai Weiwei no es el único creador amenazado por el gobierno de su país, y como descubría en una interesante entrevista de la revista británica Frieze, ser artista en China puede ser duro, pero no tanto como en Afganistán.

Aman Mojadidi es una rara avis en su tierra, un hombre dividido entre una joven formación en Estados Unidos y la represión de su Afganistán de origen y actual residencia. Sus costumbres son demasiado musulmanas para encajar en Occidente y su liberalismo es en exceso peligroso para el gobierno de su país, una tierra sacudida por los intereses políticos, la corrupción y la violencia yihadista.

“Vótame, hice la Yihad y ahora soy rico”, rezaba en uno de los carteles electorales que sembraron Afganistán durante las pasadas elecciones parlamentarias, una acción misteriosa en la que un candidato de rostro oscurecido posaba sobre un segundo eslogan que decía: “Inserta aquí tu lema yihadista favorito”. Tamaña provocación sólo podía venir de Mojadidi, que no era la primera vez que hacía público su descontento.  Dicen que, cuando él y sus cómplices fueron interrogados al respecto, ya se habían librado de toda evidencia y, como mucho, les delataban sus manos llenas de cola. En cualquier caso, salvó el pellejo y se evitó dar una explicaciones que habrían enfurecido a su tío, el precario colchón que le ha evitado caerse en varias ocasiones. Político influyente, ha declarado que la actitud de su sobrino le terminará metiendo en un buen lío.

El principal mérito de Aman Mojadidi es haberse creado un personaje que le permite interactuar con su sociedad, ya sea política o artística. Sus tatuajes y barba tupida, poco frecuentes entre su gente, más los elementos adaptados de la cultura gangsta (la pistola de oro que le cuelga de una cadena) son una tarjeta de presentación de lo que él llama “Conflict Chic”, una irónica forma de exhibir su trabajo en la que entra en juego la guerra y la moda y que, a su vez, denuncia las contradicciones que envuelven a muchos yihaidistas que, pese a su supuesta devoción por el Islam, beben y se dejan arrastrar por una violencia sin sentido.

Estas ironías son un ejemplo de que, pese a la distancia y las diferencias culturales, la clase política de Afganistán no es muy diferente a la de otros países. Si en el nuestro un candidato corrupto puede obtener la mayoría absoluta, allí la gente asume sin problemas que sus representantes son delincuentes por naturaleza y, algunos de ellos, incluso responsables de las muertes de otros compatriotas.

Como mejor ejemplo de los riesgos que Mojadidi asume en sus acciones, tenemos el vídeo “Payback”, en el que, haciéndose pasar por un policía local (recurso sencillo que hasta los terroristas utilizan para sus atentados), estableció en una carretera un peculiar punto de control en el que, todo aquel que se detenía, recibía un par de dólares por dejarse inspeccionar, lo contrario a las prácticas corruptas de los agentes de la Ley en Afganistán. Naturalmente, el vídeo termina en detención, quizá el mejor resultado al que Mojadidi podía aspirar si tenemos en cuenta que, aparte de civiles, el artista pudo detener el vehículo de un terrorista y desatar una reacción que habría terminado con su vida.

Confrontación. Una de las claves en la carrera de uno de esos artistas que, si bien no buscan el cambio político a través de su obra, siembran el germen del descontento en aquellos que confían en la existencia de mundos mejores pero que, por conformismo o miedo, no se atreven a explorarlos.

Aunque a nuestro país llegara casi de forma anecdótica y sin ninguna vinculación con el mundo del arte, al otro lado del charco, con una visión distinta de las tendencias, la aparición de un nuevo concepto para denominar a un viejo formato levantó alguna que otra ampolla entre artistas, críticos y otras gentes respetables.

Lo bautizaron como cinemagraphs cuando, qué fácil es engañarse, no son más que sofisticados GIFs animados. Sí, habéis leído bien, GIFs animados, ese formato tan antiguo como los primeros sistemas operativos que, pese a la competencia que han tenido durante años, ha sobrevivido hasta la actualidad y se han revalorizado hasta extremos peligrosos para lo que llamamos arte.

Y lo primero que nos viene a la cabeza cuando nos hablan de GIFs (Graphics Interchange Format, por si a alguien le interesa) son esos coloristas e insufribles banners con los que la primitiva publicidad en Internet nos machacaba o, en un ejemplo igual de dramático, las firmas y avatares que pueblan foros y sistemas de blogging como Tumblr, donde la publicación y difusión de GIFs animados roza el integrismo.

Pero si nos alejamos del consumo industrial e imprudente, descubrimos que algunos artistas se plantean muy en serio experimentar con este formato. Aparte, gente consagrada de la escena curatorial neoyorkina como Paddy Johnson (la crítica de arte tras el influyente blog Art Fag City) se atrevió a comisariar una exposición basada en estos archivos y proclamar a los cuatro vientos que el pasado 2010 fue el año del GIF animado. Por otra parte, donde hay interés público hay negocio, como han demostrado organizaciones como Rhizome. Lauren Cornell, su directora ejecutiva, ofrecía estas obras desde una pantalla de ordenador, asegurando entre otras cosas, y con toda la razón del mundo, que el comprador se lleva una obra única. Algunos se lo pueden tomar a broma, pero, sabiendo cómo funcionan ciertos mercados, apuesto a que tampoco deben faltarle clientes.

La cuestión es que, a este ritmo, y con un poco de cara dura, este movimiento terminará integrándose en el sistema. Primero en la red gracias a proyectos como ANI GIF, una suerte de exposición mensual con obras de alto nivel o, ya fuera de lo virtual, la Bienal del GIF Animado que se está planteando para 2012.

En cualquier caso, y como en todos los debates, el tiempo tiene la última palabra y lo que parece una broma de mal gusto para el mercado del arte no sea más que una avanzadilla de lo que disfrutaremos en las próximas décadas. Al igual que arte plástico entró en la red gracias a las galerías y museos virtuales, la red invadirá las salas gracias a las animaciones artesanas de gente como Paul Robertson o los interesantes trabajos de artistas como Sara Ludy y Françoise Gamma.

+info: A Guide To Enjoying (And Making Your Own) GIF Art

Estaban condenados a entenderse. Ferrán Adriá y Enric Ruiz-Geli han desarrollado una labor creativa en campos académicamente dispares: cocina y arquitectura. Pero al fin y al cabo, labor creativa, y en común, altamente experimental.

La reconversión del restaurante elBulli en elBullifoundation prevista para el 2014 provocó la alianza. elBullifoundation se pretende un lugar de encuentro para cualquier disciplina creativa que comparta el entusiasmo por la experimentación de la cocina de Ferrán. El modelo no será una escuela, más bien un work in progress, un punto de encuentro físico para el intercambio de ideas. Anualmente, el trabajo de elBullifoundation se divulgará a través de todo tipo de medios y soportes (conferencias, libros, blogs, vídeos…).

Supongo que Ferrán no se iba a contentar con una construcción tipo masía-de-la-costa-de-Roses para su fundación, así que aquí aparece Enric, con poca obra construida, con más patentes que edificios, el arquitecto bajo el influjo de las teorías empáticas, del trabajo y del hidrógeno (y unas cuantas más) de Jeremy Rifkin.

En una sociedad extasiada y saturada de los términos ‘sostenible’, ‘verde’, ‘ecológico’, acompañados en el campo de la arquitectura de propuestas inocentemente, y las más de las veces, bucólicamente verdeadas, sorprende ver las propuestas de Cloud9, la oficina de Enric, reivindicar estos mismos conceptos traducidos en sus proyectos hipertecnológicos (que no high-tech). Green New Deal, como lo llama él.

Los edificios de Cloud9 van más allá de los intercambios pasivos con el entorno, su propuesta es activa: provocar relaciones energéticas mediante nuevos procesos creados a través de la innovación tecnológica, con el apoyo fundamental de la industria, con la que gusta de aliarse para crear sus patentes, que convierten sus edificios en un ensamblaje de partes, en una distribución de recursos que realiza las funciones oportunas con el medio exterior para ser los más verdes sin siquiera aparentar ser verdes.

Como ejemplos, su Villa Nurbs, aún en construcción, o el recientemente inaugurado Media-Tic, en el distrito 22@ de Barcelona, que junto al resto de su obra, goza de las misma cantidad de defensores que de detractores, rasgo que lo une a Ferrán Adriá.

La arquitectura de elBullifoundation será un ensamblaje de componentes distribuidos por la parcela: ideario, archivo, brainstorming/cine, y experiencias. Todas nuevas construcciones, a excepción de los comedores existentes, que se convertirán en el archivo histórico.

Cada uno de estos componentes recibe una formalización singularizada. La coherencia global no es formal ni compositiva, sino energético-conceptual: todas serán construcciones de emisión 0, para lo cual utilizarán la energía del viento, del sol, de las olas o la geotermia. Incluso habrá un pequeño paisaje marino, una pequeña piscina a modo de huerto de algas como biomasa alternativa para crear energía renovable, siempre y cuando Ferrán no meta todas las algas en sus ollas.

Otro rasgo compartido de los componentes, cómo no, será la experimentación tecnológica, a través del uso de sistemas de fabricación digital, que partirán, por citar un ejemplo, de la comparación formal y evolutiva con algunas de las existencias del Cabo de Creus. Y así, el espacio de Brainstorming/cine (semienterrado, tipo búnker), aplica la configuración estructural de los corales, con perforaciones en el cascarón para dejar entrar la luz y enfocar las vistas; otro tipo de coral es el punto de partida de las salas de ideario (que por otra parte se asimilan igualmente a porrones de vino), cinco espacios para cinco formas diferentes de comer y pensar unidos en el exterior por una red común a modo de filtro y almacén de energía solar.

elBullifoundation: work in progress, arquitectura-plató permanente, creative energy lab, riesgo-creatividad-libertad, sin rutinas-sin horarios-sin reservas. Toda una serie de conceptos y retos lanzados por sus creadores, muy ambiciosos. Ahora queda esperar tres años para ver (y saborear el que tenga suerte) el resultado, y en especial, comprobar que la arquitectura no se agota en los compromisos energéticos, y aporta ese algo más que la convierte precisamente en eso, en arquitectura.

Por el momento las reacciones al Art Project son positivas. Algunos creen que aumentará la afluencia de público en los museos. Lo que se ha visto en Internet se querrá disfrutar en persona. Pero también hay voces que se han sentido ofendidas con la propaganda de Google, vendiendo su creación como si fuera lo mejor que le ha ocurrido a la museística en lo que va de milenio. Por suerte, tras la tormenta de marketing volvió la calma y, desde la propia dirección del proyecto se ha dicho “que nada superará a la experiencia en primera persona”, lo cual es un consuelo pero no resulta más tranquilizador, porque, aparte de engordar su ego tecnológico, ¿qué saca Google de este proyecto? Y, no menos importante, ¿qué beneficio (económico) obtendrán los museos?

Algo me dice que ni con una cámara de 7 gigapíxeles lo descubriremos.