Primero fue el arte contemporáneo el que dejó de mirar como a un hermano pequeño a la producción latinoamericana, y ahora, de forma tan progresiva como imparable, la escena urbana se quita el sombrero ante varias generaciones de artistas callejeros que, entre sus muchos logros, se han ganado el reconocimiento de importante museos como la Tate o la Fondation Cartier.
Y esa mezcla de técnica, espontaneidad y apego por las raíces y el folklore de sus respectivos países ha conducido a Maximilliano Ruíz a editar una “biblia” de 256 páginas en la que se explora la obra de unos cien artistas urbanos de centro y sudamérica, estilos y discursos para todos los gustos que nos ayudan a comprender los antecedentes y el camino que han recorrido en las últimas décadas. Pero Nuevo Mundo: Latin American Street Art, también nos permite analizar los derroteros que recorren las nuevas generaciones e intuir la dirección que tomarán sus propuestas en un futuro cercano.
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Por Elisenda N. Frisach
La última película de Brillante Mendoza ha pasado, o pasará, como un suspiro por nuestra cartelera. ¿La razón? Primero: adscribirse al siempre minoritario cine de autor; segundo, venir firmada por un realizador que, pese a contar con un premio de dirección en Cannes por Kinatay (2009), carece de amplio reconocimiento entre la cinefilia, seguramente por pertenecer a una cinematografía tan ignota como la filipina y dado el carácter ecléctico y a contracorriente de sus anteriores propuestas, y, tercero, por el hecho de que las protagonistas de su última pieza sean dos ancianas, no precisamente el sector con más “gancho” entre los espectadores.
Sin embargo, Lola –“abuela” en filipino– es el filme más accesible de Mendoza, nada difícil de comprender y de disfrutar para cualquiera acostumbrado a un ritmo asiático de narrar, esto es, contemplativo y pausado. De hecho, cuenta una historia clásica de crimen y castigo, sólo que su desarrollo y su final, como no podía ser de otra forma, eluden los convencionalismos. A la postre, la cinta termina por constituirse en un sensible relato sobre el amor y el perdón, el sacrificio y la rabia, el dolor y la esperanza, el paso del tiempo y el olvido. Seguir leyendo »
Cuando vi por primera vez la obra de Guim Tió Zarraluki me dejé llevar por la fascinación. En esos momentos no me preocupaba técnica y discurso, estaba atrapado por la vacuidad de sus personajes y esas miradas que “ven sin ver”. Belleza distorsionada por un estilo reconocible y más cercano a la realidad de lo que pueda parecer a simple vista. Y ahora, el público de Madrid tiene la oportunidad de ver esa concepción alternativa de los cánones clásicos en la colectiva “Pasen y Vean”, una talentosa unión de fuerzas que estará hasta el 13 de junio en Tipos Infames (c/ San Joaquín, 3).
Háblanos un poco de tu formación y motivaciones para hacerte artista.
Siempre me ha gustado pintar, pero no fue hasta los 19 años que hice la prueba de ingreso a la Universidad de Bellas Artes de Barcelona, donde estoy haciendo mi última asignatura este año. Creo que la mayor motivación que tengo es que me gusta. Poco a poco voy avanzando y tengo muchas ganas de aprender, ¡aún soy muy joven!
Uno de los recursos más interesantes de tus obras son las expresivas miradas de tus personajes, en muchos casos de ojos desorbitados. ¿Tratas de reflejar cierta insanidad o es más un recurso estético?
Hay una intención clara de querer potenciar la expresividad (o en muchos casos la inexpresividad) de los personajes. El hecho de que todos tengan ojos similares hace que no haya muchas distinciones entre ellos, pero sí que es cierto que como me gusta el resultado y creo que funciona, se ha ido convirtiendo en un recurso estético. Pero, en este caso, hay un porqué detrás. Seguir leyendo »
Gabón, Qatar, Angola, Francia y España son cinco emplazamientos clave en la vida de Jerome Zaroslinski, un artista de origen francés que, tras iniciar su carrera en la fotografía, dejó que las circunstancias y su curiosidad le condujeran a otras formas de expresión. A sus proyectos paralelos (MadreJoe y Epileptic Choice) se suma Snow Mist, una serie de obras que sorprenden por las técnicas empleadas, tan opuestas como desafiantes.
El momento en que te diste cuenta de que querías ser artista:
Pienso que nunca me di cuenta y no creo que lo haga. No pienso que eso ocurra realmente. Sólo las pocas personas que nunca necesitarán trabajar pueden despertarse con la bonita y absurda idea “quiero ser artista”. Por lo demás, acabas siendo artista por una necesidad imparable de expresarte. Es la decisión de empezar una investigación de ti mismo y ofrecerla al público.
Artistas a los que admires o que te hayan influido:
Nunca conseguí admirar a alguien. Siempre me ha sonado a algo divino. Pero digamos que podré tener esa admiración por todos los artistas que consiguen mantener un diálogo permanente entre él y su público a través de la obra y sin caer en la locura o el egocentrismo… durante toda su vida artística. Eso sí me impresionaría.
Los artistas que me han influido y que siguen influyéndome son seguramente todos los que se equivocan. Una obra que no me emociona, que no me “gusta”, me influenciará más que una que voy a considerar como buena. Simplemente porque lo veo como el resultado de una investigación que no funcionó y intentaré entender porqué. Seguir leyendo »
Por Elisenda N. Frisach
Pintora, dibujante, ilustradora, escultora, artista urbana y hasta escritora, la malagueña María Bueno lleva más de un lustro dedicada a difundir su creación artística, inscrita dentro de un estilo que podríamos denominar (de forma sin duda generalista) naïf y, por tanto, llena de una frescura y una emoción propias del entusiasmo, la ilusión, la espontaneidad, la naturalidad y la autenticidad de los niños.
Semejante afirmación, empero, no debe llevarnos al prejuicio de suponer que sus trabajos son meras improvisaciones o que su producción sea ajena a cualquier contenido trascendente o dramático. Más bien, todo lo contrario; creadora infatigable y concienzuda, se dedica diariamente a su obra de forma disciplinada y honrada, consciente, como ella misma afirma, de que sólo así puede ir creciendo artísticamente y, por tanto, ofrecer lo mejor de sí misma. Además, sus creaciones tienen una expresa raíz autobiográfica. En ellas, hilvana historias a medio camino entre la ficción y la realidad, a través de las cuales llegar al punto de revelación significativa, de instante recobrado y purificado de todo lo accesorio; bien sea ello una estética preciosista, amanerada o realista, bien un materialismo feroz, acrítico y globalizado, que olvida el sentido inmanente de la vida y desdeña las raíces étnicas y folclóricas del arte y de la cultura: la verdad universal de comunión humana subyacente en nuestro corazón y nuestra mente. A este respecto, vale la pena citar su primera exposición en solitario, El día que me murieron (2006), con pequeñas joyas como “El trenzado” o “La luciérnaga”.
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CRISTOBAL TORAL
GALERÍA JUAN GRIS
DEL 28 DE ABRIL AL 11 DE JUNIO
Uno de los aspectos más llamativos de la exposición de Cristóbal Toral en la Galería Juan Gris, resaltados por el propio artista en el texto que abre el catálogo de la muestra, es el hecho de que “esta exposición no estaba planificada”. Afincado durante décadas en el óleo, su descubierta pasión por las acuarelas iba, en principio, a mostrarse al otro lado del charco, pero un cambio de parecer nos ha permitido disfrutar de esta alternativa pictórica y en ciertos aspectos un punto de inflexión frente a sus lienzos realistas. Seguir leyendo »
La AJG Contemporary Art Gallery presentaba el pasado 11 de mayo la primera exposición individual en Espala del artista chilencio Joaquín Cociña (Concepción, 1980), una colección de obras divididas en dos series titulada Fantasmas, unos notables trabajos en carboncillo, herramienta vinculada por tradición a las obras abocetadas y que, en sus manos, adquiere una trascendencia [...]
