Lo primero que me llamó la atención de tus collages es que, en cuanto a dimensiones, impera la contención y los pequeños formatos. ¿Preferencias minimalistas o desafío personal?

Las piezas comenzaron siendo muy pequeñas, es cierto, y la verdad es que no sé porqué. Con ellas se originó un lenguaje poco flexible al inicio, sin embargo, su simplicidad y elasticidad han permitido, poco a poco, que las piezas se hagan mayores y se racionalicen.

Debo admitir que el desafío, en cambio, ha sido conseguir que crecieran rápidamente, forzado por condicionantes externos. Algo que sin embargo, me ha llevado a resultados muy satisfactorios.

¿Qué te condujo a una técnica como el collage?

Una nulas aptitudes para el dibujo tal vez, el material y, sobre todo, que es una técnica que mantiene intactas las características originales de cada una de las superficies, permitiendo que los materiales se sumen unos a otros —color, procedencia, antigüedad, fibras— y que de la conexión entre ellos surja el lenguaje, la transformación del cual es el verdadero objetivo.

¿De dónde obtienes los materiales que componen tus obras? ¿Has desarrollado una predilección concreta por alguno de ellos?

En su mayoría es material con el que me he encontrado. Material viejo, desechado. Principalmente papel y cartón unido por medio de cola, hilo, alambre o grapas. Últimamente he comenzado a utilizar madera. Me interesa cualquier material que haya envejecido con dignidad.

Si algo tienen en común estas obras es que no sueles jugar con formas y líneas perfectas. ¿Son la fractura y el deterioro indispensables?

El deterioro, la fractura y las consiguientes cicatrices fueron indispensables, y más que eso: fueron el origen inconsciente. Sin embargo, creo que la idea de la transformación es más importante que la de la reconstrucción. La herida, cerrada o no, puede ser motivo de aprendizaje, la cicatriz a menudo no es más que un recordatorio.

Más allá del mérito del acto creativo, ¿cuál es el discurso tras tu producción? ¿Buscas una continuidad en tus series?

Cada pieza es, lógicamente, producto de lo que ha ocurrido en la anterior, tanto en el plano técnico como en el terreno conceptual. La producción seriada forma parte del proceso de adaptación del lenguaje. A menudo las series se terminan cuando se acaba el material que las originó, otras veces es una de las piezas la que hace que el idioma se quiebre y tome otra dirección, alterando la técnica y el formato.

¿Tienes algunos collagistas como referente o huyes de la contaminación (para bien o para mal) que suponen las influencias externas?

Las referencias son siempre muy diversas y llegan de todas partes. —Me gustaría mencionar a Landon Metz—.  Sin embargo, hablando de collage, últimamente me ha impactado especialmente el trabajo de Jessica Bell.

¿Tu experiencia como diseñador gráfico ha sido beneficiosa para esta faceta artística o piensas que cada disciplina debe recorrer su propio camino?

Supongo que es imposible separar una cosa de la otra, aunque me resulta muy difícil determinar donde están los puntos en común. Actualmente trabajo en piezas grandes (85x55cm, por ejemplo) y he construido retículas en algunas de ellas, un recurso que supongo que con los años he ido interiorizando de forma inconsciente.

Más información sobre Albert Ruiz: Collage /Diseño

Alexandre Madureira, “Killing in the name”

“Son pinturas que, por un motivo u otro, me gustan mucho y admiro. Pero también intenté elegir obras que tuvieran mucho que ver con la memoria colectiva. Quería que cualquier persona, no sólo los entendidos en arte, mirara a los cuadros y pudiera extraer una lectura de ellos. Son cuadros muy públicos, no es necesario pertenecer al mundo del arte. Algunos son más asequibles que otros, como por ejemplo Las Meninas, que casi todo el mundo conoce.”

Pero la experiencia museística va más allá de la elección de las obras, porque uno de los elementos más vistosos de sus lienzos son las franjas blancas en las que figura el nombre del cuadro y otra información relevante. “Yo, con 35 años, y gracias a los libros e Internet, conozco más pintores que Picasso en su época. Muchos de ellos sólo los he visto impresos. Por eso, si cierras los ojos y piensas en un cuadro, te viene a la cabeza la obra con el margen blanco y toda la información.”

Alexandre Madureira, “Foi por vontade de Deus”

Información que, en su caso, surge de frases y títulos de canciones, desde Cyndi Lauper a Rage Against The Machine. Influencias que abarcan su infancia y adolescencia y que beben del cine, la música y los videojuegos, como por ejemplo, las barras de energía que flotan sobre su personal visión del Venus y Marte de Botticelli, en una clara referencia al clásico Street Fighter II. Ya sea de forma explícita o sutil, Alexandre es un artista que da gran importancia al concepto y al mensaje, escondiendo siempre alguno entre sus obras.

Aficionado al gran formato, llegar a un resultado final implica por lo general tres meses de trabajo en los que “está todo pensado. No hago esbozos, todo está en la cabeza. Sé cómo va a quedar y la única sorpresa que puede surgir es la elección de un color. Es una idea casi cerrada y un trabajo que sigue un programa.” Aunque, en ocasiones, hace “ataques” a otros estilos y su procedimiento cambia radicalemente. “En esas obras hablo de pintura en un sentido más libre y placentero, pincelada sobre pincelada, donde nunca sabes cómo va a salir.”

Alexandre Madureira, “Girls Just Wanna Have Fun”

Y ahí es donde comienza su nuevo proyecto, la serie Do the windows have my signature?, una colección de obras que “es un progreso natural de Museo Imaginario, donde sigo indagando en el mundo del arte sin interpretar el cuadro completo. Ya no respeto la composición como en los anteriores. En este caso, voy robando y uniendo elementos en una composición propia”. Otro de los elementos que diferencian estas obras de las anteriores es la técnica, más expresiva y decidida a ser algo más que color plano y línea negra.

Do the windows have my signature se plantea como una serie abierta, no como Museo Imaginario, que “desde el inicio tenía claro un número limitado de cuadros.”

Más allá de su obra pictórica, Alexandre ha cosechado éxitos en el mundo de la ilustración. Aun así, “no me considero un ilustrador. Básicamente, porque complico siempre demasiado las cosas. Yo creo que un buen ilustrador dice muchas cosas con poco. Yo estudié Bellas Artes en Portugal y un postgrado de Ilustración en Barcelona. Son dos mundos distintos. Los ilustradores son más rápidos, menos pretenciosos, y sobre todo, muy creativos. Su forma de producir fue contagiosa.”

Alexandre Madureira, “Oh My lover”

Reflexionando acerca del procedimiento español al portugués, Alexandre llega a la conclusión de que “en la universidad de Portugal todo era demasiado conceptual, todo se discutía, ya fuera entre colegas o profesores. Llegaba un momento en que se producía poco y se pensaba mucho. La ilustración fue una liberación: trabajar sin darle tantas vueltas. Y de ahí pasé a la pintura. De todos modos, sigo de cerca a mis colegas de generación. De mi universidad salió gente muy buena”.

Esa productividad queda reflejada en su blog, una ventana a su colorista y mordaz imaginario, pero no la única de sus inquietudes, porque Alexandre también ha demostrado interés por la producción audiovisual. “El video fue algo que hice especialmente en el último año de la universidad y lo dejé por una simple cuestión económica. Sé que es algo que tengo parado pero que volveré a retomar en un futuro. Con el video trabajo de forma completamente distinta, procurando ser más intimista, entrando en el mundo de las personas, de los sentimientos, al contrario que la pintura, más fría y cerebral.”

+info: Blog / Dossier Museo Imaginario (pdf)

Tras su último proyecto en la ciudad Condal, los chicos de Penique productions siguen apostando fuerte por el arte efímero, sorprendiéndonos por su ambición en el desfile BAU de este año. Y tras el espectacular making of del evento, una magnífica forma de aunar moda y arte, se nos presentó la oportunidad de realizar una pequeña entrevista en la que nos contaran los cómos y porqués de esta incombustible, y cada vez más interesante, iniciativa.

¿Cómo llegan cuatro artistas de distintas inquietudes individuales a un proyecto colectivo tan definido?

Porque primero surgió el proyecto y después se formó el equipo de artistas que lo iban a llevar a cabo.

¿Hay una historia tras el nombre Penique?

Te paseas por la vida diciéndote: cuando tenga un perro le llamaré Tal, cuando tenga un hijo le llamaré Cual, me gustaría tener una tienda y llamarla Pascual… Esto empezó y Sergi se acordaba de una de estas.

¿Cuál es la peor parte de trabajar con materiales hinchables? Si es que existe, naturalmente.

Bueno, los materiales no son hinchables en sí mismos. El plástico permite crear formas susceptibles de ser hinchadas. La peor parte, por buscar alguna, es que corre el riesgo de deshincharse.

¿Cuál ha sido hasta el momento el más ambicioso de vuestros proyectos?

Palo Alto. Por tamaño y complejidad de montaje.

¿Creéis que el concepto “efímero” es factible en la actualidad cuando existen tantas formas de inmortalizar una obra (fotografías, vídeo, etc.)?

Por supuesto. Creamos mucho material grafico, tanto en video como en fotografia que pretenden ser documentales pero, al final, ofrecemos una experiencia a la gente. No puedes comparar el ver una imagen por espectacular que resulte con entrar en uno de nuestros globos y experimetarlo por ti mismo.

¿Estáis interesados en instalaciones más duraderas?

No estamos obsesionados con poner una fecha limite a cada una de nuestras obras. Simplemente las hacemos específicamente para cada emplazamiento. El día que ese lugar deja de ser para Penique productions y hay que darle otro uso es cuando esa obra se va para siempre. Si un museo nos quiere dar una sala con nuestro nombre permanentemente tendremos que tachar el concepto “efímero” al presentarnos.

¿En qué dirección queréis llevar el proyecto? ¿Existe una meta final?

Nosotros intentamos renovarnos aunque sea un poquito en cada instalación. Supongo que la meta final es que no haya final y sigamos produciendo.

David Méndez es, aparte de Misterthefreak, un joven artista con una identidad plástica muy definida. El color, los símbolos y el uso de materiales tan llamativos como el fieltro ubican sus obras en un punto intermedio entre el low-brow y la experimentación técnica de artistas como Joseph Beuys.

¿Existe diferencias creativas entre David Méndez y Misterthefreak o forman parte de un todo?

Misterthefreak es ese personaje extraño que nace por la noche. Es un alter-ego un poco macarra. Una necesidad de esconderte bajo otra identidad cuando nadie te entiende ni comprende tu trabajo. David Méndez es el nombre que aparece en mi DNI.

Entre tus predilecciones está el trabajar con símbolos, en ocasiones independientes pero en muchas otras combinados. ¿Andas a la búsqueda de un lenguaje concreto? Y en ese caso, ¿qué temas te dejan más satisfecho o crees que cuentan con más posibilidades artísticas?

La simbología me acompaña siempre. Es un lenguaje que no necesita bagaje cultural, todo el mundo puede reinterpretar, o construir su propia historia. No olvidemos que el arte es un lenguaje, y yo quiero acercar a mis espectadores y no alejarlos. Por ello, intento construir un lenguaje abierto. Los temas que más me interesan son aquellos que nadie me ha sabido explicar, las cosas raras y lo que aún no tiene cabida en un circuito artístico.

Perteneces a una generación que reivindica el imaginario de décadas como los ochenta y principios de los noventa, así como sus iconos más subculturales. ¿Qué piensas de que esta especie de arqueología tenga tanta aceptación entre el público y qué representa para ti y tu obra?

Se trata de un lenguaje muy cercano a los espectadores, una fibra sensible que todos hemos vivido. Una sensación humana que nos hace sentirnos más cerca a una obra de arte. Es algo que hemos experimentado por nuestra cuenta, por tanto nos identificamos con esta nostalgia. Es indispensable la identificación de la gente con una obra, estoy a la búsqueda constante de empatía. Respecto a mí, soy una persona que siempre mira al pasado, que intenta recordar momentos que me hicieron sentir algo especial en mi interior. Algo que intenta ir más allá de los placeres sensoriales del arte.

En la expo “We are the outsider division” disfrutamos de tus trabajos con fieltro. ¿Cómo llegas a esta técnica y qué virtudes le encuentras?

Bueno, lo primero es una técnica que me aporta identidad como artista. Mi forma de trabajar con colores planos me ayuda a conseguir el acabado que quiero. Es el material que usaba Beuys, un claro referente en mí. Respecto a cómo llegue a él, pues fue de una manera intuitiva, observar las posibilidades que tengo, investigar y buscar. Creo que el fieltro me está llevando por un buen camino.

Aparte del fieltro, en tu producción también destaca la pintura, la escultura y otras tantas técnicas que indican una necesidad de experimentación. ¿Con qué te gustaría trabajar en el futuro?

Me gustaría seguir teniendo la necesidad de contar muchas cosas, sea de la manera que sea. Las técnicas solo son formatos y modos. No le doy más importancia de la que tiene.

Aunque los artistas resisten (y algunos ya asumen con tristeza que una época ha pasado), ¿cómo ves el acoso y derribo que sufre el arte urbano? ¿En qué grado te han afectado a ti las prohibiciones?

Por desgracia, no vivía en Barcelona antes del 2005. Actualmente las leyes de Barcelona prohíben que cualquier artista pueda desarrollar su trabajo en la calle. No se supo gestionar esta explosión cultural y la mayoría de la gente que utilizaba ese soporte como medio de expresión,  se acabó marchando. Es triste ver como ocurre. Personalmente, esto me afecta de forma que no puedo pintar en la calle. Pero es algo que siempre estará ahí.

+info: Web Oficial

Desde el pasado viernes día 3 la galería barcelonesa Espai [b] ofrece las obras de la artista cántabra Laura López Balza, un “bestiario” colorista protagonizado por animales y  parajes rurales que podremos disfrutar hasta el próximo 25 de junio.

Nacida en Arena de Iguña, un pequeño pueblo del interior de Cantabria, su estilo apuesta por el color y la experimentación, pasando de las excelencias técnicas de las primeras vanguardias a extremos postmodernos, naïfs y transvanguardistas. Pero si hay algo que siga influyéndole, es el arte infantil y la ilustración contemporánea.

“Bestiario” es sin duda un título bastante explícito para una exposición pero necesario si tenemos en cuenta que en la mayoría de obras presentadas el protagonista es un animal. “Los animales son los protagonistas de esta ultima colección. Empecé a trabajar con animales como protagonistas porque me parecían muy potentes, expresivos  y sugerentes”.

Así, podemos encontrar desde majestuosos gallos a inocentes cerdos, un casting orwelliano que no tiene nada de casual. “No me sirve cualquier animal, busco que tengan fuerza formal o simbólica. Me parece interesante y gracioso jugar con ellos, sugerir narraciones en los que apareciesen hieráticos, casi como recortes, en escenarios que han sido alterados por el hombre. Si introduces un animal en un espacio ‘humano’, la historia que surgirá es diferente a si le das el protagonismo a una persona”.

Y esa historia despierta numerosas lecturas, entre ellas, sólidas críticas a la relación del hombre con la naturaleza. “Sí, mis obras esconden cierta crítica, pero también algo de humor y de delirio… No quiero cerrar significados o interpretaciones”.

Volviendo al escenario, y repasando los que aparecen en sus cuadros, descubrimos una predilección por lo exótico y lo rural, así como un claro distanciamiento de las grandes ciudades, como si éstas no tuvieran cabida en su mundo pictórico. “Cuando pinto, recurro a imágenes o recuerdos que me sean cercanos, que me digan algo. Tengo presente lo rural porque es mi mundo, y a pesar de haber vivido los últimos años en ciudades me siento mas cercana a él. Muchos artistas toman  la ciudad como temática o referente. A mi me interesa los lugares casi olvidados, no tan actuales. Los pueblos, los lugares exóticos o imaginarios son atemporales, me gusta lo que sugieren, lo que representan, otra alternativa, incluso una huida de lo contemporáneo”.

La obra de Laura tiene varios elementos técnicos que llaman tanto la atención como su discurso. La composición y el color son los más llamativos, pero como ella misma comenta, “dedico mucho tiempo a la creación (todo el que puedo) y el procedimiento compositivo es más bien instintivo. Me interesa y divierte investigar y crear con las posibilidades de la materia pictórica. Lo tomo como un juego y me produce mucha satisfacción ver que algunas de estas pruebas tienen su encanto”.

Un proceso creativo concienzudo y caracterizado por la variedad de técnicas y materiales implicados. “Realizo obras sobre papel, cartón, tabla o lienzo partiendo de una idea  que quiero tratar. Recojo las imágenes claves y necesarias para comenzar las obras y empiezo a construir directamente sobre el soporte con diversos materiales tanto de pintura (óleos, acrílicos, témperas…) como de dibujo (lápices, ceras, lápices de colores, rotuladores…). Realizo un  dibujo esquemático de manera directa sobre el lienzo. Una vez realizada la composición sobre el cuadro, dispongo los colores, trabajando de manera libre, lúdica e instintiva, dejándome llevar por lo que los tonos y la imagen me sugieren o piden. Hay un verdadero dialogo entre la obra y el artista. A través del color llevo a cabo la expresión personal”.

Respecto a los colores empleados, destacan por su calidez y viveza, por sus contrastes e integración total entre figura y escenario, transmitiendo una sensación positiva que también cuenta con un estudio y experimentación anterior. “Mi interés por el color ha estado siempre presente y se ha mantenido por encima de la diversidad temática o estilística. El color en mis obras toma relevancia, se va independizando y se expresa de manera muy particular. Busco maneras de entender el color, como un lenguaje plástico con el que poder expresarme, afín a la realidad pictórica que vivimos y a mis planteamientos personales. Creo que tiene una capacidad expresiva innata muy particular, que trato de enlazar con una esfera interior, más personal. El resultado suele ser una obra de carácter surrealista, ingenua, onírica o fantástica, debido quizás, a lo espontáneo y a la  asociación de colores e imágenes de diversos tipos que aparecen en las obras”.

Todas las imágenes (c) Laura López Balza. Imágenes cedidas por la galería.

Nitoniko es el proyecto personal del valenciano Juanjo Pedro. Con su disco Selva de mar (2010) se ha hecho un hueco dentro de la escena electropop actual tras siete años de conciertos por todo el país y tres maquetas. Hacía años que himnos como Los chicos de ahora se coreaban en las salas españolas pero no ha sido hasta ahora cuando han llegado hasta las casas en formato físico.

Se trata de un álbum muy cortito, de apenas 40 minutos. “Sí, es cortito. Teníamos tres canciones más pero se quedaron fuera”. Es un disco muy positivo, alegre, lleno de amor. Un disco que refleja a la perfección tu personalidad.  “Es un disco que muestra muy bien mi manera de hacer las cosas. Cuando compongo me desnudo completamente.  Es un poco arriesgado porque es muy sincero. Escribo como me sale.  Escribo lo que siento en el momento sin intentar esconderme en las palabras”.

¿Por eso hay frases en catalán en algunas canciones? “Habrán más inmersiones en el catalán, pero no serán mías. En especial, esta frase a la que te refieres es una frase que diría una persona en concreto y la diría en catalán. Es un poco coherente con aquello de expresarme como me siento en cada momento. Si la frase es en catalán, es así.”

Siguiendo el dicho “Nadie es profeta en su tierra”, Nitoniko fue llamado desde México para ficharle. “Nunca me había planteado publicar mis canciones hasta que me llamaron del sello mexicano. Me descubrieron en Myspace y me quisieron para una recopilación en Sudamérica. Entonces decidí grabarlo en serio. Da un poco de rabia que tenga que ser alguien de fuera quien se de cuenta de lo que haces. Es complicado que la gente valore lo que cuesta tu trabajo. Es como Pony Bravo, que siendo sevillanos les han publicado sus discos en Barcelona. En general, los españoles somos bastante reacios a valorar lo que tenemos al lado, aunque el tema es complejo. Por mi parte, estoy contento de que se fijasen en mí en otro continente. No sólo se han fijado en mí en México sino que también he tenido contactos con Argentina, Perú, etc.”

Pero, al cabo de poco, recibiste una llamada de Green Ufos… “Sí. Me llamaron y me dijeron que eran fans desde hacía tiempo y creían que ya tenía discográfica.  Nosotros pensábamos que no cuadrábamos en su perfil pero se ve que sí. En seguida quedamos con ellos para comentar cómo empezar la relación. Como ya tenía discos grabados y caras B, decidimos hacer un nuevo diseño y acabar de decidir el orden de las canciones. Ellos fueron los que quisieron poner la versión de Massiel. Yo tenía una demo y ellos quisieron que continuase adelante.”

Junto al disco, ofreces la descarga gratuita mediante Bandcamp. “Sí, es algo de sentido común. ¿Quién no se descarga discos gratis? ¿Por qué poner una barrera si cualquier web o blog lo hará? La gente a la que le gusta el grupo, compra el disco igualmente. Es un disco de tirada corta con un diseño apetecible que incluye póster y otros materiales atractivos para los fans.” Así, no es raro que se haya vendido casi todo lo editado hasta ahora.

Se ha dicho que tu sonido es electropopnaif. “Bueno… Es difícil saber lo que estás haciendo. La gente siempre lo cataloga antes de que tú mismo lo sepas.  Sí que tenemos un sonido frío y caliente a la vez. La frialdad viene de la programación digital mientras que lo caliente es fruto de la voz, que siempre está muy por delante, y de los muchos arreglos acústicos.”

Aunque Nitoniko es un proyecto personal, en tus conciertos te rodeas de una buena banda. “La necesidad de los directos me llevó a buscar a gente.  La música en directo la debes crear con más personas. Cada viaje nos une más entre nosotros y eso se comunica en el escenario.  Si el grupo está unido, todo es mucho más bonito. Aina Godoy es mi mano derecha. Ella lleva las guitarras. El resto del grupo ha ido variando un poco. Actualmente están Laura Martínez como técnico de sonido,  Paulo Murphy para producir las bases en directo y pulir el sonido, y Víctor López a la batería. En el disco, la batería es pregrabada pero para los directos quería una real.”

“Ahora estamos introduciendo las guitarras eléctricas para ofrecer unos directos más bailables.” ¿Tienes pensado seguir por esta línea? “Sí. Ya tengo muchas canciones nuevas y estamos trabajando en grabar más demos y pulir nuevas canciones para sacar un nuevo disco de cara al 2012. Queremos un disco un poco revolucionario. No queremos un corte, porque lo que hay es mi personalidad y no la cambiaré, pero sí que queremos algo que sea muy pop pero también muy bailable. También me gustaría probar con canciones donde se muestren otros estilos que no sean pop, como por ejemplo, el funky.”

Nitoniko ha tenido vídeos antes que disco publicado. Recuerdo hace años varias presentaciones de algunos de vuestros vídeos en bares y salas pequeñas como previas a los conciertos. Tus videos tienen la firma de Lyona. “Es un placer trabajar con Lyona. Nos entendimos desde el principio. ¡En el último vídeo sudé muchísimo porque la ropa que llevaba no transpiraba! Tenemos la idea de hacer un vídeo que acompañe las remezclas pero está por definir. Sería el último de este disco.”

Así, podemos adelantar que haréis un EP de remezclas del disco antes del verano.  “El tema del EP está muy avanzado. Será una edición digital que estará disponible a mediados de julio. Llevará una versión nueva de Ya no y remixes de otras canciones del disco a cargo de Powlow y Bolmer. Lo anunciaremos todo en la web www.nitoniko.com a finales de junio”

Con el tiempo, surgen las colaboraciones con otros grupos. Habéis tocado con gente a la que admiras como pueden ser Hidden Cameras, Au Revoir Simone o  Hidrogenesse. “Al principio es algo que coges con miedo pero cada vez  se lleva mejor.  Es una experiencia increíble que da mucho respeto pero que es genial”.

¿Te gustaría tocar alguna canción en especial con alguien en concreto? “He tocado con mucha gente de la que soy fan, pero quizá me gustaría mucho hacer una versión de Hyperballad de Björk con Patrick Wolf”.

Grabar es una cosa y el directo es otra. “La parte agradecida de todo esto es poder conocer al público de tu a tu. Es un público que nos apoya muchísimo. Lo valoramos mucho. Llegar a otros sitios no es fácil y que alguien te reconozca el trabajo es muy bonito. También valoro el hecho de que hacer conciertos nos ha permitido conocer artistas que admiramos. Por ejemplo, en Madrid cantamos con Algora, de los que somos muy fans, y con Corazón, una gente muy maja.”

“Vamos haciendo conciertos aquí y allá. Como el disco salió en México y luego en España,  no hemos hecho gira. Vamos tocando y confirmando, a concierto por mes. El próximo concierto es el 11 de junio en el Pop Bar (Sala Razzmataz.. 02:00h), donde trabajaremos un nuevo concepto de puesta en escena en el que colaboramos con la empresa de diseño CO y Roberto Piqueras, pero después de verano confirmaremos más fechas.  En principio, queremos pasarnos el verano preparando canciones nuevas, lo cual no quiere decir que si podemos hacer algo puntual no lo hagamos.”