Teniendo Valencia (su actual residencia) como base de operaciones, sus obras han recorrido con notable éxito prestigiosas galerías de Londres (POW) y Estados Unidos, como la Carlmichael Gallery de Los Angeles o la Luis Adelantado en Miami. Aparte, es un habitual en las publicaciones del medio, destacando el recién editado Beyond the Street. 100 leading figures on Urbanart.

Su secreto, más allá de la técnica y contenido, es mimar el formato, tratar con el respeto que se merece a la superficie. Escif reivindica el uso de la ciudad como herramienta de trabajo, asumiendo en todo momento su naturaleza efímera. En Contra la pared, la muestra que la Montana Gallery ofrece a partir del próximo 30 de julio, Escif nos desafía a dejar de un lado la lógica y las linealidades en beneficio de un pensamiento abierto caracterizado por la trascendencia del concepto sobre la forma; un discurso que sabe ser crítico y a su vez poético sin perder la contemporaneidad que el arte urbano representa.

Enlace: Montana | Escif Flickr

Para empezar, Pat Andrea es un ilustrador y pintor figurativo que lleva años sorprendiendo al público con la calidad y complejidad de sus propuestas. Parecía lógico y hasta necesario que un día apostara por la magna obra de Lewis Carroll, un artista con el que, salvando las distancias generacionales, comparte perspectivas. Porque aunque nos digan lo contrario, lo grotesco, absurdo y surreal sigue siendo una de las asignaturas pendientes de la sociedad moderna, una forma de expresión que en el caso de Andrea pasa por el antropomorfismo, la sensualidad y la violencia. No se necesita al puritano público del siglo XIX para obtener rostros de inquietud y sorpresa.

El viaje ‘a través del espejo’ comienza en la planta baja del Arts Santa Mònica, el museo barcelonés que alberga la exposición ‘Pat Andrea y Alicia’, cuarenta y ocho obras en gran formato a las que se llega siguiendo una de las ilustraciones que, in situ, el propio Andrea dibujó para la ocasión en las paredes del recinto, una de las muchas Alicias que, en este caso, obliga al visitante a seguir su largo cuello hasta la primera planta, donde podemos encontrar más ejemplos de esta acertada simbiosis artístico/literaria.

Pero llegar hasta este punto no ha sido una tarea sencilla. El proyecto se inició muchos años atrás y sufrió otros tantos parones creativos. Asfixiantes pausas que finalmente dieron veinticuatro frutos basados en El país de las maravillas y otro par de docenas inspirados en A través del espejo, un conjunto donde la protagonista siempre es la mujer, representada por una Alicia que el propio artista identifica con algunas de las mujeres que han pasado por su vida. Toda la curiosidad, intrepidez y magia de la niña del libro se ve reflejada en las distintas versiones que pueblan la muestra, algunas atemporales, otras siniestras, pero en resumidas cuentas, todas fascinantes.

Enlace: Arts Santa Mònica

Los Angeles es una ciudad de contrastes como cualquier otra, con una resplandeciente y playera cara pública y otra menos llamativa basada en gente anónima, diferencias sociales e indigencia. Naturalmente, para un artista, es esta última donde se encuentra la sustancia de su producción, como en el caso de Marco Zamora (Los Angeles, 1981), un californiano licenciado en Bellas Artes que, a partir de la fotografía y un posterior lavado de cara pictórico, ha desarrollado un estilo de impactantes posibilidades.

Su modus operandi es tan sencillo como decidir el formato en el que va a trabajar, comprar los materiales necesarios (habitualmente paneles de madera y papel) y lanzarse a una cacería fotográfica por el downtown donde reside. En ese hervidero de pasiones urbanas, la paciencia y la observación le propician las escenas que más tarde protagonizaran sus cuadros, trabajos en tinta y acuarela de gran realismo y crudeza. Pero, aparte de denuncia, la obra de Zamora también posee esperanza; la locura de la ciudad y las miserias de la clase obrera cuentan a su vez con un contrapunto bello y tierno.

Sensory Overload es el título de la exposición que trae a Marco Zamora a nuestro país, en concreto a la galería barcelonesa Miscelänea, un conjunto de obras en gran formato que ahonda en la experiencia, en la memoria y en el poder simbólico del objeto, un viaje a la rutina diaria y a la jungla del urbanismo de la mano de un artista que ve más allá de los estereotipos.

Enlaces: Marco Zamora | Miscelänea

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Proust creó ‘En busca del tiempo perdido’ a partir del recuerdo de una magdalena con té y The doors escogieron su nombre inspirándose en un poema de William Blake: ‘There are known and unknown things between the doors’. Así, ¿Cómo surgió la idea de crear Eat Meat? ¿Por qué este nombre?

El nombre nos remite a la carne del espíritu y a la esencia del arte ‘en crudo’ que hacemos y que nos conmueve. Eat Meat nos pareció un concepto suficientemente eufónico y gamberro que definía nuestro gusto y lo que pretendemos enseñar bien por exceso o por defecto de carne…  La terminación .cat de nuestra web nos llevó a un chiste 2.0: eat meat cat. Ja Ja.

Sabemos que Eat Meat cuenta con varios fundadores. ¿Quién integra Eat Meat? ¿En qué grado están vinculados al arte?

El núcleo duro y original lo formamos los que convivíamos en los talleres de la calle Alzina nº 20, nuestra sede: Katy Vives Phipps, alma mater de lefreak y creadora difusa, y Rai Escalé, pintor. Inmediatamente, se incorporaron Riot Über Alles, poeta y pintor, además de grafista oficial de Eat Meat; Fritz Gnad, videoartista y nuestro webmaster; Magda Redondo, socióloga, y nuestra pacificadora interna; y Carles Galindo, window dresser y nuestro agitador permanente… Artistas de la vida todos.
Por otro lado, durante estos meses se han ido acercando y acoplando multitud de colaboradores de una manera natural y a través de muchas vías: proximidad física, mental, espiritual, facebook… la lista completa está en nuestra web y son legión ya. Sin ellos no seríamos nada. Es este crecimiento horizontal, transversal y universalista lo que ahora mismo nos alimenta.

¿Cuáles son las bases de la filosofía Eat Meat y sus objetivos a largo plazo?

Nuestro Programa/Manifesto dice:

“Eat Meat es una asociación cultural sin ánimo de lucro cuyos objetivos son fomentar, desarrollar y divulgar proyectos artísticos locales e internacionales desde su sede en el barrio de Gràcia de Barcelona.
Como plataforma de divulgación estética pretendemos sintonizar con frecuencias artísticas que interpreten el pensamiento y la realidad contemporáneas. Mutaciones formales y esenciales, hibridaciones, nuevas ingenierías visuales, la enfermedad del alma, otros rituales, lo monstruoso, el transgénero y las alteridades son algunas de las obsesiones que trataremos.
El programa de exposiciones es bimensual aunque su carácter abierto nos permita realizar otras actividades (expositivas o no) que vayamos decidiendo.”

Se trata de un programa lo suficientemente abstracto como para poder presentar cosas formal y conceptualmente dispares y a la vez concreto como idea unificadora.

La mayoría de exposiciones se basan en autores que muestran, a priori, cierta inquietud y desasosiego. ¿Por qué este tipo de arte?

Es el arte que nos emociona… Es el tipo de inquietud y desasosiego que nos gusta sentir y nos transmuta. Sólo hay que mirar alrededor y ver que es un tipo de arte no amable –cárnico, descarnado, frío y a veces brutal– que sintoniza con lo que está sintiendo la gente actualmente.

Aun así, estas expresiones artísticas son muy populares entre la gente y cuentan con gran proyección comercial. ¿Es Eat Meat para el arte lo que los antiguos Circos de Monstruos para el espectáculo de masas?

No lo pretendemos desde luego… Además, estas expresiones artísticas son más populares entre artistas que entre el público, y nos pareció que en Barcelona no había ningún espacio dedicado a mostrarlas integrando un programa específico. Por otro lado, no creemos que nuestra propuesta llegue jamás a ser masiva… Vaya, no es la idea, aunque nunca se sabe…
Lo que sí intentaremos presentar siempre serán propuestas de alto nivel estético de una manera preciosista y a veces oblicua.

Una pregunta tan tópica como «¿qué es el arte?» alcanza nuevas dimensiones bajo vuestro punto de vista. ¿Qué es el arte para Eat Meat?

En la asignatura ‘Teoria del Arte’ de la facultad de Bellas Artes, que lleva todo un curso, nunca se resuelve la incógnita… Se ha convertido en un Expediente X, principalmente porque formalizar lo sagrado es imposible según nuestro parecer. Para nosotros arte es todo aquello que hace trascender nuestra humanidad. El mundo está lleno de arte, sólo hay que tener ojos para verlo en los sitios más insospechados y en los formatos más alejados de lo que se colgaría en un museo…

En Underdogs tenemos una curiosidad… En vuestra web situáis un gráfico con el contenido artístico del sitio (link). Resulta curioso ver el elevado índice budista o taoista si pensamos en las exposiciones que hemos ido viendo, ya que la mayoría tienden hacia las tinieblas emocionales. ¿Podríais explicarnos un poco en qué os basáis para crear este gráfico?

Es un gráfico picado de una página yanqui, ya nadie lo recuerda exactamente, pero estaba puesto con el mismo ánimo iconoclasta. Está sólo para quitarle hierro al manifiesto, que quizás nos quedó demasiado hermético… Una boutade para remarcar que no hay que tomarse nada demasiado a pecho… y menos el arte. También queríamos mantener el tono humorístico y naïf que no queremos perder.

Por Patricia Salvatierra & Bill Jiménez
Imágenes proporcionadas por la galería.

Enlace: Eat Meat Raw Gallery

A Jorge Rodríguez-Gerada (Cuba, 1966) se le quedan cortos los formatos convencionales. Su especialidad requiere de superficies gigantescas para sobrevivir, de lienzos tan ‘mundanos’ como la fachada de un edificio o, como en el excepcional caso de su proyecto ‘Expectation’, una hectárea de playa arenosa en la que plasmar el rostro del ahora presidente de los Estados Unidos, Barack Obama.

Al margen de estos arrebatos políticos, el cubano-neoyorkino no hace concesiones y concede protagonismo al ciudadano de a pie, resaltando la importancia del individuo frente a las fuerzas sociales que pretenden dominarlo. A partir de un retrato hiperrealista, el muro y la persona anónima se convierten en belleza, efímera, pero belleza en el fondo. El carboncillo pasa a ser indispensable y la superficie irregular en una de las fuentes de las que emana la vida de sus proyectos, repartidos la gran mayoría por España y New York, ciudades en las que reside. Es en la Gran Manzana donde el público y los medios se pusieron más de su parte, pues Rodríguez-Gerada es uno de los impulsores del movimiento culture jamming, una corriente ruidosa e intervencionista que sacudió a comienzos de los noventa las calles de New York; guerrilleros del arte enfrentados a la manipulación corporativa y el poder de las marcas. Porque la lucha por la identidad es tan vieja como el establecimiento de la sociedad.

Enlaces: Web JRG | Galería N2

Una amplia selección de la obra de Jorge Rodríguez-Gerada se expone hasta el día 20 de octubre en la Galería N2 de Barcelona.

Paris Match es una de esas publicaciones icónicas que todo país civilizado que se precie tiene en sus quioscos. Nacida en 1949, podría decir tantas cosas de ella que finalmente me alejaría del objetivo de esta reseña: sus ejemplares editados a lo largo de los años cincuenta.

¿Y por qué esta década en concreto? Pedro García Villegas tiene la respuesta, y es tan sencilla como usar sus páginas de materia prima. Sus obras se nutren de recortes que, combinados y pintados con acierto, dan vida a un retrato que va más allá de lo pictórico y del collage. Un mosaico que se viste de historia cuando sus protagonistas son celebridades de la talla de Marilyn Monroe, el matrimonio Kennedy o un sonriente y joven Fidel Castro. Pero tras esta hoguera de las vanidades hay dos lecturas claramente diferenciadas: por un lado la superficial, la composición en sí; y por el otro los elementos que la conforman, esa letra pequeña que construye facciones de gran fuerza plástica.

El juego de planos permite a García Villegas hacer de la ironía una herramienta más y ofrecer unas obras que, ni caen en mensajes sublimes, ni tratan de confundir al público. Lo que ven es lo que hay, el resto queda en manos de su percepción. Algunos podrían llamarlo pop-art, otros, simplemente, como el título de la exposición, arte ‘políticamente incorrecto‘, una producción que sigue la estela, tanto en calidad como expectación, de sus anteriores propuestas en la ciudad Condal, y que se podrá disfrutar hasta el 14 de septiembre en la Galería Montcada de Barcelona.

Enlaces: Galería Montcada

Mientras la música y el cine llevan años exigiendo un cambio en las viejas fórmulas de distribución, el mundo del arte, aficionado a pasar de puntillas por la sociedad, lleva el mismo tiempo reinventándose y explorando territorios que, si bien no son nuevos, sí demuestran claridad de ideas y devoción por una causa que vive constantemente amenazada por numerosos avatares sociales, políticos y económicos.

E invocar la figura del alemán Konrad Fischer (Düsseldorf, 1939-1996) resulta más que oportuno si tenemos en cuenta que uno de sus méritos (aparte de una sólida carrera como pintor) fue reinventar el espacio expositivo, ofreciendo a la vanguardia de los años sesenta y setenta un rincón en el que desarrollarse y convertirse en uno de los movimientos culturales más importantes de la época. Gracias a ese pasadizo de diez metros de largo por tres de ancho, Düsseldorf pasó de ser una ciudad ajena al arte a un punto de peregrinación cultural que el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) ha querido homenajear con una exhaustiva exposición. Ésta incluye unas 300 obras vinculadas al propio Fischer y a los artistas que presentó en sus «Bei Konrad Fischer» (En casa de Konrad Fischer), nombre genérico por el que se conocieron sus rupturistas propuestas. Fischer siempre estuvo en contra de la palabra «galería» y uno de los aspectos que más cultivó fue la relación humana entre el galerista/comisario y los artistas colaboradores, un espíritu que ha sobrevivido al cambio de siglo y a la superpoblación creativa que vivimos en la actualidad.

Porque, pese a la abundancia de galerías y salas de arte, el crecimiento de éstas no ha sido exponencial a la oferta, obligando a los creadores a buscar cobijo en territorios alejados de los circuitos convencionales.

Los centros cívicos y los locales de ocio ceden espacio al arte; en las pequeñas tiendas de ropa de barrios como el de Gràcia siempre hay un rincón para los ilustradores afines; por no hablar de las numerosas exposiciones efímeras que surgen de la nada gracias a iniciativas privadas. Son muchos, cada día más, los feudos comerciales que utilizan el arte como reclamo, entre ellos casos tan solemnes como el de algunas vinaterías o el espacio Mercè Sala, abierto dentro de las instalaciones del Metro de Barcelona.

La solidaridad en algunos casos se confunde con el oportunismo si tenemos en cuenta que muchos de esos artistas no pueden vivir de su obra y, habitualmente, se tienen que rendir ante condiciones expositivas (y en ocasiones monetarias) no del todo favorables. En cualquier caso, el artista nunca estará solo: arrimarse al mundo del arte no deja de ser un dulce que, en lo cultural, vendría a ser como la mano que estrecha un político durante las elecciones: una ilusión conveniente.

La industria artística (por muy sacrílego que suene), ha perdido parte de la chispa que tuvo en tiempos de Fischer o Warhol (por poner un ejemplo más trendy), o quizá sólo esté en fase de adaptación hacia unos tiempos mejores, un futuro con menos distribuidores o, a ser posible, más cercanos.

Enlaces: MACBA | Galería Fischer

Las fotografías de Fernando Bayona (Linares, 1980) son un ejercicio de amor y honestidad. Amor como motor de las relaciones humanas y honestidad al renunciar a la continuidad que se espera de un artista con una trayectoria tan sólida.
En su presente exposición, los muros de la galería 3punts albergan dos series de fotografías que, en la tradición de David LaChapelle, apuestan por la escenografía y las narraciones abiertas, instantes de ambiciosa producción en los que el tiempo se detiene y hasta el más mínimo detalle y se convierte en un elemento más de una historia trascendente, pero a su vez, inspirada en la cotidianidad. Así, en Circus Christi, el artista recurre a estereotipos sociales para narrar su propia interpretación de la vida de Jesucristo, un personaje incombustible que se mueve entre escenarios a medio camino del kistch y el barroquismo, una forma de  mostrar con atrevimiento y seducción contemporánea el mensaje del mito original. Como nota curiosa, resaltar la polémica desatada al paso de la exposición por la Universidad de Granada, un polvorín de quejas y amenazas que finalizó con su clausura y una publicidad gratuita gracias a los sectores más retrógrados de la sociedad.

En Once Upon a Time la narración es menos estructurada, pero igual de provocativa. A lo largo de las dieciocho obras presentadas, todas ellas autosuficientes en lo narrativo, nos adentramos en un mundo de ficciones inquietantes, un cuento de hadas oscuras vestido de Freak Show. En él predomina la teatralidad y las carencias físicas y emocionales de los protagonistas. Once Upon a Time podría verse como un puzle fotográfico de múltiples lecturas.

En conjunto, la muestra pasa del notable y nos permite juzgar los recursos de un fotógrafo en alza, fiel representante de una corriente tan poco explotada como la escenográfica. Once Upon a Time y Circus Christi demuestran que, con los argumentos adecuados, este estilo puede ir más allá de las páginas de las revistas de moda y tendencias.

Enlaces: Fernando Bayona | 3punts