Existen grupos muy buenos que se estrellan en lo comercial y grupos menos grandes que, ante todo, saben venderse. Es el caso de Napoleón Solo, un ejemplo más de la cantera pop que es Granada y cómo la actitud puede suplir cualquier carencia técnica. Con esto no quiero decir que estemos ante un disco malo, flojo o de fórmula predecible, pero visto el listón tirando a alto con el que la música nacional empezó el año, el presente disco se rebela ligeramente inferior y a la sombra de las expectativas generadas. La parte buena, porque existe y se impone sobre la mala, es que estamos ante un gran debut, con trece pistas tan cambiantes como la voz de Alonso Díaz, (orgulloso) aficionado a los falsetes.
El resto de la banda la componen Miguel, Jaime, José y Eric, el mismo Eric Jiménez que, para los que no lo sepan, es uno de los baterías más importantes de la música independiente de este país, miembro, en distintos momentos de su carrera, de grupos tan importantes como Lagartija Nick y Los Planetas. Siendo el paralelismo con estos últimos doble al figurar en la producción del disco otro nombre eminente: Fino Onoyante.
Lo que muchos llamarían «tener las espaldas cubiertas».

Curiosidades profesionales al margen, En la ópera es un buen disco, cargado de energía, alegre, alocado en algunos momentos, disperso en otros, pero rico en su conjunto. La apuesta que hace de un sello como El Volcán Música una fuente constante de referencias de calidad.

Enlaces: Web | El Volcán Música

Can Xalant, aparte de ser el resultado de un convenio entre el Ayuntamiento de Mataró y la Entidad Autónoma de Difusión Cultural del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, pretende ser un lugar en el que ofrecer a los artistas los recursos necesarios para que puedan desarrollar sus propios proyectos en el ámbito de las artes visuales.

Este viernes 23 de julio se convertirá en algo más que un centro de creación y pensamiento, será el día escogido para que tenga lugar la quinta jornada anual y efímera de puertas abiertas. Como cada año, los artistas residentes mostrarán su obra, esta vez lo harán en la exposición Casa Tomada: una experiencia literal (referencia directa a un cuento de Cortázar). En ella podremos encontrar trabajos de Roser Caminal, Laura Marte, Álvaro Icaza & Verónica Luyo, Jean-Philippe Peynot y Joan Navarro, entre otros.

También habrá lugar para Modelo para armar: Apropiación, collage y parodia en el videoclip contemporáneo, donde Daniel Pitarch y Marcel Pie Barba han reunido videoclips recientes que tienen como denominador común trabajar y mezclar imágenes de diferentes orígenes rozando lo paródico. Alguno de éstos son Planta carnívora de ZA! (Albert Alcoz, 2009, fotogramarrojo, venuspluton!com), Tot Torna a Començar de Mishima (Luís Cerveró, 2010) o L.A. de Mujeres (Lope Serrano, 2010).

Y el broche final a esta jornada lo pondrá el Efímer Club, que en anteriores ediciones ha contado con las actuaciones de Matt Elliot, Howe Gelb, o Standstill. Este año no van a ser menos y contarán con el ex líder de American Music Club, Mark Eitzel, que vendrá en formato acústico a presentar su último trabajo: “Klamath” (Decor Records, 2009). A parte, también estarán Joan Colomo, Za! y dos artistas sonoros como son Ayankoko y Noish.

Sin duda, ésta es una buena oportunidad para conocer el arte que se hace más allá de los circuitos comerciales.

Enlaces: Can Xalant

No sé hasta qué punto tendrá que ver su sonido con el nombre que los representa, aunque la gracia del asunto es hacerse la pregunta tras escuchar su disco. A partir de ahí te dejas los prejuicios atrás y descubres que es una de las propuestas más interesantes en lo que va de año. 3Mellizas, zaragozanos de sangre, barceloneses de residencia, ofrecen en su disco homónimo diez temas que se debaten entre el intimismo y unas estridencias que, por poner algún ejemplo, recuerdan al noise de principios de los noventa defendido por bandas como Sonic Youth. Pero esto no quiere decir que el disco sea media hora de ruido, también cuenta con sus pausas y conectores melódicos, la clásica atmósfera de post-rock que te conduce al terreno que mejor se les da: el rift sucio y sin concesiones.

‘Apótheke’, ‘Punteico’, ‘Rediminuit’…, son sin dudarlo algunos de sus temas estrella, de lírica mínima y apuesta permanente por las guitarras. Virtud que, junto a su compenetración, reflejan los siete años de asociación entre Jorge, Juan y Pedro, unas tablas que ahora, gracias al sello (también zaragozano) Naked Man Recordings, pasan a otro nivel y pueden disfrutarse en directo y en festivales de la talla del pasado Primavera Sound.

Competencia sana en el mundo de las distorsiones en un disco abalado por Javier Ortiz y automáticamente mimado por la crítica. Y no sorprende.

Enlaces: MySpace 3Mellizas | Naked Man

Entre las propuestas pop más recomendables de lo que llevamos de 2010 vale la pena recordar el ‘Vértigo y Euforia‘ de los Montevideo, una banda llena de buenas intenciones y mejores resultados. Escogieron el pasado 26 de marzo para volver a conquistarnos con un disco de estribillos eficaces y unas melodías que, por momentos, nos transportan a comienzos de los noventa, cuando el indie español era un bebé en pañales, heredero de bandas míticas como Nacha Pop o Family.

Pero ‘Vértigo y Euforia’, aparte de una sutil mutación en el estilo de la banda, también ha supuesto algunos cambios logísticos, como la entrada de tres nuevos miembros y el cambio de sello discográfico. Recordemos que Montevideo, más que grupo, nació como dúo, el compuesto por Damiana Dubatti y Manu C. Villalba, y aunque siguen siendo el alma mater del equipo, rodearse de otros músicos les ha permitido conducir su sonido hacia otros niveles, mejorando, o más bien adaptando, una percusión y guitarras a sus nuevas e impuestas necesidades. Así, su fórmula mantiene su dulzura y calidez, pero a su vez se convierte en un producto digerible e intenso, con más afinidad hacia el hit y la remezcla. Y no lo digo en vano, porque aparte del elepé, también ha aparecido un CD single de ‘Orillas Plutonianas’ con remixes de, entre otros, David Kano, Pin&Pon djs y Fizz Moon.

En resumen, ‘Vértigo y Euforia’ es una sorpresa de las buenas, un excelente punto y aparte tras los discos editados en el sello Jabalina. Ahora, respaldados por El Genio Equivocado, abren un nuevo camino que, sin problemas, puede ubicarlos entre las bandas más importantes del pop nacional.

Por Bill Jiménez

Enlaces: MySpace Montevideo | El Genio Equivocado

Dicen que la geometría es una constante en el universo, y aunque mis nociones sean bastante básicas, al menos sé distinguir entre triángulos, cuadrados y círculos.

Triángulo, el de Amor Bizarro, un grupo girando en la actualidad por media España, y cuyos conciertos sirven de excusa para analizar (con descarado entusiasmo) su último disco, caracterizado por lo que un crítico decente llamaría ‘evolución’.

Cuadrado, por los vértices que lo conforman en la actualidad, surgidos tras unas cuantas sacudidas a su formación original; un discreto baile de músicos que, en lugar de resentir el conjunto, lo ha consolidado, permitiendo a este ‘Año Santo’, adoptar una última forma: el círculo.

‘Año Santo’ es un disco redondo, y en cierto sentido desconcertante al no ser más de lo mismo, ni tampoco algo en exceso distinto. Si bien se aleja de la cara más pop de su debut y se sumerge sin complejos en sus habituales estridencias, logra que esta dicotomía resulte saludable y atractiva.

Porque Triángulo de Amor Bizarro es un grupo de muchos encantos sonoros, la mayor parte rendidos al ruido y a la velocidad, un sonido oscuro y sofocante que ha cedido cierto terreno ante la producción y que, si resulta sucio, ya no es por casualidad.

Su apartado lírico tampoco tiene desperdicio. En ‘Año Santo’ hay mucha crítica escondida entre líneas, referencias políticas y religiosas y algún que otro (siempre efectivo) alegato romántico que hace de la escucha de esta media hora una satisfacción doble. Por un lado la musical, y por el otro, la emocional: Triángulo de Amor Bizarro han sobrevivido a un segundo asalto, y con la cabeza muy alta. Ahora, a disfrutarlos en concierto.

Por Bill Jiménez

Lo que más preocupa cuando un artista genera expectativas es estar a la altura a la hora de la reválida. El caso de Toundra es de los positivos, teniendo más mérito del habitual al moverse por géneros, por tradición (que no por público) minoristas en nuestras tierras.

Al otro lado del famoso charco, el segundo disco de Toundra, escuetamente titulado ‘II’, entraría en el saco del post-rock, uno crudo que, pese a generar atmósferas íntimas, recurre a constantes crescendos entre guitarras para marcar su ritmo. Oficialmente lo llamaríamos rock instrumental, y aunque sea cierto, lo suyo es resultar progresivos sin traicionar a esta etiqueta tan clásica.

‘II’ se esfuerza en ser un disco sólido, compacto, con siete temas de variada duración y cadencia salpicados de influencias arabescas y ocasionales momentos de piano y violonchelo; pero lo importante, el rift, el elemento que convierte este disco en una ambiciosa y digna continuación de su debut, demuestra vigor, contundencia y capacidad de contentar por igual a los adictos a los paisajes sonoros como a aquellos que buscan intensidades sin tregua.

Sin duda, el segundo disco de estos madrileños es un nuevo acierto de Aloud Music, una discográfica atrevida en su oferta y forma de distribución, que aboga por la descarga gratuita como una herramienta de propagación de sus referencias, aunque eso implique enfrentarse a los caprichos de una industria en constante mutación.

En cualquier caso, el ‘II’ de Toundra es una excelente evolución e ubica a la banda entre los grupos nacionales más importantes de este género.

Por Bill Jiménez

Enlaces: Aloud Music | Toundra

Furguson son jóvenes, rebeldes y del Gurb, un municipio catalán que, si bien no es Manchester, tiene ese punto industrial que tan bien sienta al currículum de una banda independiente. Ubicado en la comarca de Osona, convive con esa ciudad de arraigada cultura musical que es Vic, la del Mercat de Música Viva y otras pirotecnias mainstream.

Y una sombra tan pronunciada necesita de alguien que caliente el ambiente, un grupo que demuestre el potencial de la escena local y ejerza de emisario en terrenos tan exigentes como el Primavera Club o teloneando a artistas como Oxford Collapse.

Porque uno de los puntos fuertes de estos chavales, –todos rondan la veintena–, es su directo, una demostración de cómo reciclar un exceso de energía juvenil en música bailable y gamberrismo sonoro. Sus herramientas clave: el sintetizador, los gritos y, sobre todo, el ruido, todo el que haga falta.

Primero llegó La mort del bonminyó, su maqueta, una declaración de intenciones que llamó la atención de un sello tan sibarita como La Castanya. Ellos dejaron a estos garageros revolucionarios en manos de Santi García, un tutor de reconocido prestigio, y de la asociación saldría una joya de, aproximadamente, 25 minutos llamada My friends are my culture: más electrónica y guitarras sucias, de esas que agitan por ley. No es una obra maestra, ni un diamante en bruto, ni cualquier otro tópico que se nos pase por la cabeza; lo importante es que se disfruta, tiene algo de indomable y nos permite especular alrededor de esta banda y una carrera que no ha hecho más que empezar.

Por Bill Jiménez

Links: Myspace | La Castanya

El año pasado “Visitor” supuso la vuelta de O’Rourke tras un largo hiato de su carrera en solitario, aunque siempre activo en diferentes proyectos como lo demuestra también el regreso con sus compañeros de improvisación electrónica con Fenn O’Berg. Su disco fue acogido con muy buenas críticas pese a ser un completamente instrumental, cortando con “Eureka” e “Insignificante” las dos últimas entregas que le dieron prestigio como compositor de canciones pop. Este disco tributo a Bacharach sirve para contentar a todos los que agradecemos la producción pop melancólica y dulce de este señor (aunque su vertiente folk instrumental también sea reverenciada).

El amor por el cancionero de Bacharach y Hal David no es nuevo, aparte del afecto como arreglista, si recordamos aquella magnífica versión del “Something Big” que contenía “Eureka”. Para este disco decide juntarse con amigos y autores japoneses (fruto de su traslado a Tokio) para reverenciar al gran maestro. El resultado, desprende amor por los cuatro costados. Desde el inicio, con el icono Harumi Hosono (una mezcla de Bacharach y Van Dyke Parks japonés, que a muchos les sorprenderían algunos de sus discos en los 70) nos embelesa con “Close to You”, que está cerca de “Please Patronize Our Sponsors” de “Eureka”. La aparición de Thurston Moore en “Always Something There to Remind Me” con un registro cercano a Belle & Sebastián, por ese ritmo marcado por el piano, se convierte en toda una suerte de revelación.

Kahimi Karie se encarga de un papelón tremendo al tratar de encarnar a Dionea Warwick en “Do You Know the Way to San Jose”. Obviamente, es imposible imitar la exhuberancia de esa voz, por lo que optan por un enfoque minimalista y otoñal que también funciona. “Trains and Boats and Planes”, es la que el bueno de Jim elige interpretar, consiguiendo una sinergia perfecta entre los dos mundos. Los aires bossa, también funcionan cuando Donna Taylor ataca el mítico “Walk on By” y cierra el disco. No todas las versiones funcionan del mismo modo a nivel vocal, ya que hay que tener en cuenta que no dispone de voces tan tremendas como las originales, aun así la detallada y cuidada producción es un aliciente de sobra para todos los amantes de Jim y demás luminarias pop como Stereolab, The High Llamas, Mice Parade o  The Sea & Cake. Qué bien hubiera quedado este disco con la Sadier, O’Hagan o Sam Prekop interpretando alguna de estas canciones… pero siempre podemos esperar a un volumen dos teniendo en cuenta que el repertorio de Bacharach es amplio y excelsamente mágico. Con todo lo dicho, bienvenido.

Por Fran Martínez

Desde que los Lumiére salieran a la calle a filmar secuencias de la vida cotidiana de los parisinos hasta lo que entendemos hoy por documental ha llovido mucho. Definir el documental es una ardua tarea que no voy a hacer ahora, pero sí puedo comentar qué parece estar sucediendo con él.

Hace ya un tiempo que el documental se ha desarrollado, llegando a nuevos relieves y temas. Incluso el público lo concibe de otra manera. En las últimas décadas, ha dejado de ser carne de televisión en canales autonómicos de segunda, para pasar por canales especializados (Discovery Channel, Animal Planet o People & Arts) y llegar a la gran pantalla en casos como El viaje del emperador, Rize, El mundo silencioso de Cousteau o La pesadilla de Darwin, por no hablar del sensacionalista Michael Moore, Al Gore con su verdad incómoda o la experiencia de campo de Morgan Spurlock en Super size me. Por supuesto, el siguiente paso después de la gran pantalla es el de la venta en DVD de dicho producto,y por otro lado, cada vez más, el documental se vale de la red para ser difundido. Así, no es raro que el documental de los canadienses Arcade Fire se pudiese ver durante una semana en Pitchfork, aunque ya estuviese a la venta desde hacía algunos meses.

Como vemos, existe otro género de documental alejado de los animalitos, las denuncias sociales y los intereses propagandísticos: el musical. Muchas son las bandas que se prestan a ser seguidos cámara en mano durante sus giras para mostrar a su público una nueva faceta, el backstage de su grupo favorito. Algunos de los ejemplos más recientes son Under Great White Northern Lights que documenta el tour que realizaron The White Stripes en Canadá durante el 2007; Anvil! The Story of Anvil rodado durante la última gira del grupo Anvil, y Miroir Noir, que muestra la última gira de conciertos de Arcade Fire a la vez que da a conocer parte del proceso de grabación de su segundo álbum, Neon Bible.

Aunque sean documentales sobre bandas musicales, no todos tienen ni los mismos formatos ni la misma finalidad, aunque en el fondo busquen acercarse al público. Mientras que Under Great White Northern Lights y Miroir Noir muestran su interés en mostrar muchos temas en directo en diversos conciertos, para ver Anvil! no tienes que ser un aficionado al heavy metal. No se trata de un documental sobre un grupo metalero, sino más bien una road movie documental sobre la superación, la amistad y la lucha por alcanzar un sueño.

El pasado viernes pudimos ver en pantalla grande Miroir Noir gracias a la primera edición de la Mostra de Cinema del Québec. Miroir Noir ha sido dirigido con maestría por Vincent Moon y Vincent Morisset. A través de 70 minutos de un collage hecho de temas en directo, lives en ascensores, improvisaciones en el backstage, retales de grabaciones, trocitos de canciones en modo karaoke y voces en off de llamadas de admiradores, Moon y Morisset consiguen llegar al público, llenarle de emoción y hacerle sentir dentro de un concierto de Arcade Fire. Era imposible que las butacas no se balancearan tímidamente y las cabezas dejasen de moverse. Después del pase, el público deseaba que Arcade Fire volviesen a Barcelona y revivir el maravilloso concierto que disfrutamos en el 2005 como gira de su maravilloso Funeral. Si os gusta Arcade Fire, no dudéis en ver este documental, ya que refleja a la perfección el espíritu de la banda y la magia de sus directos.

Y ahora que lo pienso, los tres documentales musicales que he citado están fuertemente relacionados con Canadá. Además, la Mostra de Cinema de Québec programó Miroir Noir como película inaugural. ¿Será esto síntoma de algo? Bueno, eso será motivo de otro debate.

Enlaces: Miroir Noir

El arte de la guerra, de Sun Tzu, es, aparte de un libro con 25 siglos a sus espaldas, uno de los tratados de guerra más completos que ha conocido la humanidad. Al igual que otros textos de naturaleza similar, las nuevas generaciones adaptaron su contenido a las circunstancias, universalizando sus consignas hasta aplicarlas a cualquier contexto donde un conflicto estuviera presente. Y si tenemos en cuenta que al ser humano le encantan los enfrentamientos, no es extraño que el librillo en cuestión se haya convertido en un best-seller y una referencia para estadistas, hombres negocios o, en el caso que nos ocupa, psicólogos. Para Robert Greene, el protagonista de este artículo, Sun Tzu es el dios de los estrategas, siendo los demás expertos en el tema simples mortales o semi dioses que viven bajo su sombra. Pero, ¿quién es este Robert Greene que interpola el mundo de la guerra con el de los románticos mitos griegos? En esencia, un psicólogo y escritor especializado en el poder en todas sus facetas: conseguirlo, mantenerlo y defenderse de él. Sus obras rozan la autoayuda, pero terminan en las estanterías de política. Sus méritos: no andarse por las ramas y llamar a las cosas por su nombre, aunque aquellos que defienden lo políticamente correcto le acusen de una total falta de escrúpulos y cierta demagogia. La verdad es que, una vez leídos sus libros, uno descubre que la cosa no es para tanto, que la polémica nace de la inagotable doble moral de la sociedad estadounidense y su incapacidad para asumir las verdades que la han convertido en una súper potencia.

En sus «leyes», Greene habla de aprovecharse de los demás, de aplastar enemigos y usar las apariencias para crecer laboral y personalmente; cita exhaustivamente a gente como Maquiavelo y Baltasar Gracián; y encuentra un público voraz en la comunidad afroamericana, que convierte sus libros en útiles herramientas para combatir a los trucos del «hombre blanco».
Y de entre todos ellos, la figura del rapero es la que más se beneficia de su mensaje, un personaje atrapado entre los clichés y los contratos de las discográficas que decide, con el cambio de milenio, tomar el control de su inmensa fortuna y multiplicarla como panes y peces. Nas, Jay-Z y 50 Cent son ejemplos de artistas que, en algún momento de sus respectivas carreras, se han acogido a las leyes de Greene, siendo el último, 50 Cent, el que más ha promovido su mensaje e influencia. Y como Dios los cría y ellos se juntan, rapero y escritor tuvieron la oportunidad de intercambiar impresiones y trabajar juntos en la La ley número 50, un volumen que analiza a través de la convulsa vida del artista (tráfico de drogas, prisión, nueve balas que casi le matan…) las fórmulas que los grandes de la historia han usado para combatir al principal enemigo de las sociedades modernas: el miedo. Curtis (50 Cent), tuvo que decidir si vivir en ese miedo o enfrentarse a la vida, reinventándose en estrella de hip hop, ocasional actor y emprendedor (con negocios que ingresan más dinero que sus discos).

Anticipación, subterfugio, valentía… Conceptos recurrentes en la obra de Greene que actualizan un mensaje que ha corrido paralelo con nuestra historia.

El círculo se cierra: Sun Tzu saluda al Gangsta.