Path to Hocma es la conceptual propuesta del músico y productor donostiarra David Pisabarro, también llamado 413, un LP de incontables matices cuyos mayores atractivos son su gestación al margen de los estudios y un trabajo de composición, interpretación y grabación que el propio David ha asumido en un gesto de valentía musical. Más independencia, imposible.

***

¿Qué es Hocma y cómo llegar a ella? ¿Qué hilo argumental sostiene este LP?

Hocma es un concepto que he utilizado en esta historia porque el significado previo se ajustaba muy bien a lo que quería ir explicando. Sin embargo he de decir que el significado concreto de Hocma dentro de este proyecto es algo que se irá desvelando con el paso del tiempo y más entregas.
Respecto al hilo argumental, se podría decir que el disco es un pequeño prólogo en el que se explican, de un modo u otro, ciertos lugares y arquetipos que, al igual que Hocma, irán apareciendo gradualmente. Algo así como una pequeña pieza dentro de un puzzle más grande.

¿Qué vino antes: los temas o el concepto que los unifica?

Sin duda el concepto que los unifica. Fue la base desde la que cimentar la musicalidad propia de cada paisaje o personaje.

Sin amplificadores, guitarras y ni tan siquiera el apoyo de un estudio, ¿cómo decides enfrentarte a un disco tan desnudo de medios convencionales?

Fue algo bastante gradual, la verdad. Vi que iba acumulando bastantes ideas y decidí tomármelo más en serio para poder darle un acabado con el que pudiese sentirme cómodo en todos y cada uno de los aspectos. Sobre todo componer y creer en tu proyecto, pensar continuamente en cómo mejorar el sonido de cada elemento del que dispones y cuidar cada detalle por ínfimo que sea. En cuanto al hecho de que no haya amplificadores o que no haya decidido entrar a un estudio a grabar podría tener varias respuestas, pero la principal es que la economía nunca ha sido algo que haya estado de mi parte, así que con lo poco que tenía a mi alrededor hice (y hago) lo que pude.

¿Y qué puedes decir a favor del bajo eléctrico, la estrella de Path To Hocma?

Es un instrumento maravilloso y con mucho más rango de acción del que se le suele achacar. Siempre me he sentido muy cómodo con él y la verdad es que me ha incitado mucho a investigar sus posibilidades. Creo que podría dar mucho más de sí en el panorama musical actual y que no debería limitarse únicamente al rol al que suele estar encasillado.

Seguir leyendo »

 

Desde hace años el grupo gallego Nadadora se encuentra en esa lista de grupos a los que hay que seguir con atención. Las prometedoras maquetas, su magnífico EP de debut Aventuras dentro de cajas (Jabalina, 2004), así como su primer largo, Todo el frío del mundo (Jabalina, 2005), mostraban a un cuidadoso y compacto grupo con unas exquisitas referencias basadas en el dreampop con los británicos Slowdive a la cabeza. Con largos desarrollos instrumentales y nostálgicas atmósferas nos encontrábamos frente a un grupo que, aunque compartía rasgos con otros del panorama nacional, consiguieron rápidamente un sonido reconocible y propio.

En el segundo disco, Hablaremos del miedo (Jabalina, 2007), el rumbo cambió ligeramente y, a pesar de sus aciertos, fue a peor. Se mantenía la intensidad en las emociones y, además, éstas quedaban más claras con unas letras menos difusas, pero se perdía en las melodías y en la instrumentación. Con esto se lograba que las canciones fuesen más inmediatas pero se perdía uno de sus rasgos más característicos en un esfuerzo por llegar a un público más amplio.

Con este tercer disco, Luz, oscuridad, luz (Ernie Producciones, 2010), Nadadora parecen, por suerte, haber encontrado el equilibrio perfecto entre los logros de sus anteriores trabajos. Se ha mantenido, en algunos casos, los estribillos reconocibles y fáciles que exploraron en ocasiones anteriores, pero profundizando en las ideas del inicio. La sugerente voz de Sara Atán se entremezcla con potentes tramos instrumentales cimentados en sólidos muros de guitarras para encontrarse con la carismática voz de Gonzalo Abalo en esos duetos que ya se han convertido en una de las señas más reconocibles del grupo. Claro ejemplo de esto es Una nueva vida que, con una estructura repetitiva de emocionantes subidas y bajadas guiadas por las guitarras, el teclado y una muy buena melodía de batería, va tejiendo una retorcida declaración de amor. A destacar también los hits  1987 y Deshazte de mí, en la que la vista hacia un sonido más pegadizo obtiene un efecto absolutamente incontestable.

Seguir leyendo »

 

Aprovechando que este noviembre estarán girando por media España y se dejarán caer por el festival Fusiònica, os hablaré de una banda que, a mi modesto entender, representa la esencia de lo independiente: Action Beat.

Beatings, su último trabajo, supone la evolución y refinamiento (aunque suene a contradicción) de un sonido caracterizado por el ruido y las distorsiones, una constante improvisación de la que se jactan y a la que alimentan en directo con una cifra indeterminada de instrumentos y músicos. Porque lo de Action Beat es pasión, unir fuerzas con todo artista afín a su propuesta y sumarlo a unas giras caracterizadas por el colegueo. Les gusta tocar, reconociendo que si de ellos dependiera, lo estarían haciendo cada día, Navidades incluidas (aunque tampoco sería algo nuevo). Pero la banda es mucho más que una reunión circunstancial de músicos. Su núcleo duro marca el ritmo que los invitados siguen, un sonido influenciado por los Sonic Youth de Confusion is sex, Glenn Branca, The Ex y otras bandas inevitables cuando tiendes al punk, el noise y los sonidos más garajeros.

Beatings reúne todas esas influencias, las amasa con un toque progresivo y las condimenta con cierta psicodelia. Les edita Truth Cult y les mueve una pasión como pocas veces se ha visto. Saben que la música no les hará ricos pero, en lugar de renunciar a ella y llevar una vida normal (que les reportaría más beneficios pero les impediría salir de gira día sí, día no), se lanzan a acumular conciertos y kilómetros en la carretera.

Dios los bendiga.

Enlaces: Fusiònica | Action Beat

 

Si existiera una guía para conocer a The Lady Sounds, recomendaría escuchar primero su primer EP y, luego comparar ese sonido tan auténtico y roquero con las fotos que tienen colgadas en su MySpace. Una vez asumida su juventud y las posibilidades que se les presentan por delante, daría una oportunidad a su directo, defendido en terrenos tan agrestes como el Indiependent, una plataforma que pretende dar a conocer a nuevas bandas por medio de una serie de batallas musicales: Un desafío ideal para un grupo que puede dar mucha guerra.

■■

¿Cómo llega una banda con base en Barcelona a ese sonido tan southern rock?
Algunos de nosotros siempre hemos sido unos amantes del blues americano más sureño de los años 10 y 20. Pero será que al fin y al cabo, estamos en el sur de Europa.

¿The Lady Sounds es vuestro primer proyecto o habéis tenido más experiencias musicales?
Bueno, el hermano del primo de nuestro mejor amigo tocaba el triángulo en la banda de su colegio. ¿Cuenta?

¿Preparados para que os etiqueten como “jóvenes con talento”, “artistas revelación” o parecido?
Siempre es agradable oír los halagos de la gente, menos cuando lo dicen por decir, porque se nota y no mola demasiado. Por suerte ya estamos acostumbrados; todos tenemos unas abuelas maravillosas. Pero preferimos que nos llamen “parecido”, sin duda.

Echándole un vistazo a vuestro MySpace uno descubre que, si algo no os falta, es actitud, descaro y ganas de encandilar a las chicas. ¿Vuelven las poses de rock star?
Hasta ahora nuestras poses de Rock Star sólo han conseguido encandilar a los chicos. Y no es broma. Pero seguiremos intentándolo.

Volviendo al MySpace, leía que vuestro género es el Tropical/Blues/Garage. Tras el desconcierto que genera la parte tropical, me preguntaba qué límites os habéis puesto con vuestro sonido. ¿En qué dirección pensáis llevarlo y qué es lo que nunca haréis?
Hasta hace poco nuestros límites estaban marcados por las guitarras cañeras y el ritmo contundente, pero nos dimos cuenta de que es absurdo ponerle barreras a nuestro sonido. Ahora nuestro estilo cambia con cada canción. Ni Rock ni Pop ni Jazz ni Indie. Y es que los humanos tenemos una fe ciega en las definiciones que da asco. Nuestro estilo no se define, ni que queramos.

Las comparaciones con Pink Floyd dicen mucho a favor vuestro. Más que preguntar si halagan o molestan, me intriga saber si os interesa la experimentación y la psicodelia que ellos defendían.
Lo único bueno –o lo peor- que tenemos es que nos interesa todo. No le decimos que no a nada. Incluso nos hemos planteado hacer Dubstep. Vamos probando cosas nuevas, y si nos mola nos lo quedamos. Somos errantes y en ocasiones erráticos, pero nos da igual.

¿Existe algún músico o banda a los que señaléis y digáis: «nosotros queremos sonar así»?
Los Panchos. Siempre los señalamos y suenan chachi.

¿Qué tal la experiencia del IndiePendent?
Increíble. El mundo necesita más propuestas así. Estoy convencido de que si el IndiePendent hubiera existido desde la prehistoria, no hubiera habido guerras mundiales ni vendría el Papa a Barcelona a gastarse nuestro dinero. Además, los que lo llevan nos tratan de puta madre y tienen acentos graciosos.

Un EP con cinco canciones que a muchos sabrán a poco. Pregunta tópica e inevitable: ¿Para cuándo el disco?

Un día de Luna llena seguro. Ahora mismo estamos buscando apoyo –económico y espiritual- para poder grabarlo y lanzarlo al espacio sideral. Esperemos que pronto, ¿Eh?

Contadnos algo de este EP, en especial de su producción. A mi parecer tiene muchos momentos impecables.
Este EP, que en realidad es maqueta, lo grabamos y masterizamos en 3 días en un estudio especializado en Death y Doom Metal de Rubí: Moontower Studios. Nos salió gratis –por razones desconocidas- y la producción es inexistente. Así de chulos somos.

¿Será 2011 el año The Lady Sounds?
Sí. No. Tal vez. Lo único que es seguro es que 2011 será el año del Tigre y que no será capicúa.

Foto 1 (c) Bernat Rueda
Foto 2 (c) Melanie Manneville

Enlace: MySpace TLS

 

Por Miguel Gil

«Todo lo que no es tradición es plagio», decía Eugeni d’Ors, y Los Claveles tienen la lección bien aprendida. Sergio (batería), Marcos (guitarra, voz), Jordi (guitarra, voz) y Santos (bajo) son los integrantes de este grupo que tiene como base de operaciones Madrid, una ciudad convulsa y siempre en tránsito. Sus canciones se mueven en los márgenes, en el límite de la canción pop, con aquella sabia intuición de que todo se puede acabar en el siguiente acorde. Como Holden Caulfield, viven atentos al campo de centeno de las emociones, siempre preparados para despeñarse por un acantilado.

Aprovechamos un descanso durante un ensayo para charlar con ellos. (Marcos) “Las canciones que hago yo las suelo cantar yo, por la letra, porque es algo más personal. El otro cantante es Jordi. Hay letras que se ajustan más a mí que a Jordi por la temática y por cosas que digo, son más personales, más íntimas… Hago los acordes, Jordi hace los arreglos, Sergio mete la batería, Santos el bajo…”(Jordi) “Pues yo igual. Como el grupo es bastante caótico en general y hay bastantes handicaps, por así decirlo, trato de traer ideas bastante claras de estructura, que tengan un soporte, como un esqueleto básico.” Antes, durante el ensayo, trataban de sacar adelante un blues, o más bien una variación sobre ese tema. (Jordi) “Buscar tu propia manera es difícil. Lleva tiempo, eso de buscar tu propio lenguaje.” (Marcos) “Tu sonido propio…” (Jordi) “Y tu sonido propio que se acople a ti, que se ajuste, que no sea una cosa hecha que tú mimetices, si no que intentes interiorizarla.” (Marcos) “También las letras son importantes…” Marcos habla de partir de una idea para hacer una canción, y le pido que me explique un poco más detenidamente a qué se refiere. (Marcos) “Una idea musical… por lo general lo que muchas veces hago son los acordes y meto la letra después. O a veces se me ocurre una melodía de voz, que es un estribillo a lo mejor, y luego otra melodía para la estrofa y a partir de ahí ya intento meter acordes o arpegios para sacarla adelante.  Jordi trae la estructura más cerrada, la canción más completa. En cambio yo muchas veces pregunto la opinión a Santos, que me ayuda, o a Jordi.” Todos en el grupo se sienten herederos de una tradición, pero no únicamente de una década en concreto. (Marcos) “Creo que nos encuadran en la época de los ochenta y no entiendo muy bien por qué. Bueno, a lo mejor es porque la música que se ha hecho en España en los noventa me parece un vacío…” ¿No te interesa ningún grupo de los noventa? (Marcos) “Bueno, Patrullero Mancuso…” (Sergio) “Hombre, hacemos versiones de Ciudad Jardín, de Gabinete Caligari…” (Jordi) “Generalizar los ochenta me parece un gran error ¿Qué son los ochenta? Hay que definirlos. Hay un montón de bandas que no tienen absolutamente nada que ver en el fondo unas con otras.” (Marcos se gira hacia Jordi) “Si, pero yo me refiero en España. Había menos artificio que en los noventa, y menos clichés también. En los noventa había mucho de «no quiero hablar de estos temas porque es viejo, está pasado…».” (Jordi) “Los ochenta eran más libres, había una espontaneidad…” (Marcos) “Más natural…menos pedales, menos chorradas.” (Jordi) “No es una cuestión de pedales, si la tecnología la hubieran tenido, a lo mejor la hubieran usado, tenían los medios que tenían, pero querían contar cosas. La gente le echó bastantes huevos y los que pudieron salieron adelante… pero ¿Qué tienen que ver Kortatu con Gabinete Caligari? No tiene nada que ver, son mundos muy personales, los une una época y un momento y un salir afuera y contar cosas.” Como ejemplo de algo totalmente alejado de ese sonido ochentero, les propongo la versión que realizan de The Red Krayola, ‘Hard on through the summer’, transformada por ellos en ‘Polla dura en verano’. (Marcos) “Nuestro discurso es abierto, podemos hacer una versión de The Red Krayola o de Eskorbuto o de cualquier grupo que nos guste…no tiene por que ser un grupo que tenga nuestro sonido…”

Seguir leyendo »

 

Por Helena Martínez-Alonso

Muchos han sido los grupos que han aprovechado las influencias de la década de los ochenta para gestar buenos (y malos) discos. Parecía, incluso, que ya no se podía exprimir más, puesto que las propuestas habían abarcado desde los sonidos más oscuros hasta los más bailable-festivos. Y es aquí donde el dúo Hurts, formado por los  mancunianos Theo Hutchcraft y Adam Anderson, viene a decirnos que estábamos equivocados. Había algo más por explorar.

Meses antes de que el disco fuera una realidad se empezó a hablar de ellos por el tema colgado en myspace Wonderful Life. Su cuidada estética y lo pegadiza que resultaba la canción provocaron cierto interés. El lanzamiento oficial del single Better than Love en mayo de este año dejaba intuir que lo que se avecinaba podía ser grande, pero la sensación inicial de euforia quedaba empañada por un descafeinado estribillo que impide que el tema se convierta en el rompepistas que promete.

Una campaña de promoción muy bien orquestada en facebook, twitter y -más tradicionalmente- radios, acompañó a estas canciones, así que las noticias al respecto del grupo han sido casi constantes durante estos meses. Con las actuaciones promocionales, que a menudo incluían canciones inéditas, se empezó a revelar que la promesa de “algo más” se cumplía.
Con el lanzamiento de Happiness (2010) se ha confirmado lo que al inicio era una intuición. Hurts opta por una recuperación de la balada típica y elegante del synth pop, lo cual hace que su sonido se distancie un poco de las referencias más obvias. El ejemplo más claro de este acierto es la colaboración con Kylie Minogue, Devotion. Con una letra de orientación trágica, nos transporta a un diálogo entre dos amantes que se debaten entre separarse o no ante a la posible traición de uno de ellos. La música iguala a la letra en intensidad y dramatismo con un final emocionante. Ojalá esta colaboración pudiera presenciarse en todos los conciertos del dúo.

Seguir leyendo »