Uno puede advertir muchas cosas en las ilustraciones de Nader Sharaf, como ese trazo limpio y elegante que le permite imprimir infinitos detalles a sus personajes o los tonos tostados con los que unifica el conjunto. Los amigos de las etiquetas verán algo indie, o puede que folkie en sus trabajos, pero también rigor histórico cuando se mueve entre épocas, ya sea replicando las estéticas estadounidenses de los años cincuenta o los largos pliegues del Medievo.
Porque la historia es tan importante cómo las formas de contarla. Sus personajes son actores de una función cotidiana. Dependen de su vestuario, de elementos de atrezo que hablan de su personalidad y función social (apostando en ocasiones por la simbología y el surrealismo) y unos escenarios parcos en detalle que ambientan sin hacerse protagonistas absolutos. Seguir leyendo »
La artista destacada de esta semana es Nuria Arfa (Madrid, 1960), una creadora cuya producción recorre infinidad de disciplinas, ya sea pintura, collage, escultura y diseño de mobiliario con piezas industriales recicladas. Aunque reciclar no sería la palabra exacta. Nuria cree más en la transformación, en la redención del objeto perdido y su mutación en obra de arte o pieza de intención decorativa o funcional. Así, entre sus creaciones encontramos copas, jarrones, lámparas de diseño y hasta collares, así como una llamativa predilección por la figura del nido (resultado de dos años de coleccionismo) y del cuervo, esa lúgubre ave vinculada en el mundo occidental a la muerte y el mal agüero aunque, por otra parte, un símbolo de la perspicacia y amor familiar para los pueblos de Oriente.
Inspirada por corrientes tan divergentes como el Arte Povera, el Op Art y el Brutalismo, sus creaciones también confían en los artificios naturales de la taxidermia o la esencia estilística del diseño industrial. Y aunque por lo general trabaje en hierro y madera, su proceso creativo no se cierra únicamente a estos materiales. Si tenemos en cuenta que muchos de ellos los obtiene de piezas abandonadas en desguaces y que de camino al resultado final hay una investigación exhaustiva y un trabajo metódico, podemos decir que el conjunto de la obra de Nuria es su nido, un territorio que alberga talento y experiencia. Seguir leyendo »
Fernando Halcón Ruiz es un director de arte e ilustrador freelance con un amplio currículum basado en el mundo editorial y los estudios de diseño. Pero, ante todo, es un artista con una imaginativa habilidad para aunar figura y concepto, recurriendo en muchos casos al collage, al fotomontaje y cualquier otra técnica que, sumada a sus conocimientos pictóricos, le permita deconstruir la esencia y mutarla en beneficio de la narrativa.
Así, Fernando nos habla del individuo y su evolución en grupo, trasladando sus y nuestras inquietudes a un diálogo que habla de miedos, poder económico y sexual, y todos esos motivadores sociales que no tenemos claro adonde nos dirigen pero que condicionan nuestra existencia. Seguir leyendo »
“La totalidad imposible” de Rui Macedo.
Hasta el 11 de septiembre en el IVAM.
Que el artista esté involucrado en la concepción exclusiva de una muestra siempre es de agradecer. El creador portugués Rui Macedo (Évora, 1975) reúne 125 pinturas al óleo sobre lienzo en una instalación que reflexiona sobre la obra pictórica y su ubicación en el espacio expositivo.
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Por Elisenda N. Frisach
Decía Schopenhauer que “la consciencia es un relámpago entre dos eternidades de tinieblas.” Es el enfrentamiento, pero también la complementariedad, de la luz y la sombra el punto de partida de Black Out (que significa tanto “dejar a oscuras” como “desmayarse” o “censurar”), el nuevo montaje de la compañía Alta Realitat, un interesante proyecto nacido en Londres y refundado posteriormente en Barcelona en 2003, y que cuenta en sus filas con figuras como el bailarín y coreógrafo Jordi Cortés, justamente director –y también intérprete– de esta pieza.
A lo largo de aproximadamente 60 minutos asistimos a un espectáculo que combina sin estridencias el teatro de texto y el videoarte con la danza. Cuatro personajes, de sexos, psicologías y condiciones sociales diferentes, se insertan en un espacio prácticamente desnudo, marcado por los claroscuros, que se constituye en una metáfora de las relaciones interpersonales, de ese “campo de batalla entre Dios y el demonio” que es “el corazón humano” (según Dostoievski), pero también del sentido de la vida, de su fugacidad y absurdidad. Para plasmar estas ideas en toda su complejidad, los cuatro performers lanzan monólogos al público; se aproximan a sus compañeros con una fisicidad a veces tierna y otras, cruel; se alejan de ellos, se aíslan; se buscan en una zozobra de deseo, dominación o ternura; se filman; se visten y desvisten; se integran con los objetos que constituyen el exiguo decorado (espejos, perchas, zapatos…).
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No existe el bloqueo creativo, es un mito que ha dado para muchas historias y excusas dentro del mundo literario. Lo que sí existe son circunstancias que condicionan la escritura, desde un vecino ruidoso a esa doble arma de doble filo llamada cafeína. En esas situaciones en las que la paciencia ha perdido la batalla, gusta de tener un ancla que nos devuelva a la realidad, o en este caso, a la concentración.
Ommwriter nace con ese objetivo: mantener al escritor frente a la pantalla, evitando que su inspiración se pierda entre decenas de ventanas abiertas y deje en evidencia su capacidad multitarea. Como procesador de texto quizá sea algo insuficiente, un bloc de notas de apariencia fascinadora y funcionalidades que insisten en los sentidos. Por un lado la vista, porque nada más abrirlo, Ommwritter se maximiza hasta abarcar las cuatro esquinas del monitor, eclipsando otras pestañas, relojes o widgets.
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