Las películas de Benning muestran paisajes ―urbanos, agrarios, naturales― en planos fijos que generalmente tienen la misma duración en cada película. Un minuto en One Way Boogie Woogie (1977) y en su secuela One Way Boogie Woogie/27 Years Later (2005), diez minutos en Ten Skies (2004) y 13 Lakes (2004)…Aunque a veces la duración responde a cuestiones prácticas, como en RR (2007), un filme donde el protagonismo recae en los trenes, cada uno de distinta longitud y en el que por lo tanto resulta imposible reducir la duración de los planos a una constante temporal fijada previamente.

Casting a glance (2007) ―hoy, mi película favorita de la pasada década― es el retrato de la obra más conocida de Robert Smithson, Spiral Jetty. Un trampantojo temporal muy bien calculado: rodado en diferentes intervalos durante dos años, la película esboza toda la “historia” de la famosa espiral de piedra, desde el momento de su creación hasta la fecha de finalización del rodaje. En su última creación, Ruhr (2009), Benning abandona el celuloide y se adentra mediante siete magníficos planos en el video digital. Esta es además su primera película realizada fuera de Estados Unidos.

La cámara (fotográfica, cinematográfica, videográfica) solo puede captar la superficie de los objetos, de las personas, pero eso no quiere decir que las películas signifiquen la superficie de las cosas. James Benning posee el rasgo que distingue al genio: logra que sus obras parezcan sencillas sin serlo.

Texto: Miguel Gil
Enlace: Xcèntric

Algo me dice que eso es ilusión, o como ellos mismos cuentan en su web: «Juntamos arte, vida y empresa para hacer algo sentido y con sentido».

Aunque con el paso del tiempo el engranaje que mueve a la marca ha crecido, el alma y motor principal siguen siendo Laura Martínez del Pozo y, posteriormente, Jaime Sevilla Moreno, una pareja que, aparte de buenas ideas, han sabido moverse por terrenos tan resbaladizos como las colaboraciones, entre ellas con gente tan importante y/o popular como Loreak Mendian y Marc Jacobs. Y aunque su especialidad sean los bolsos de todos los tipos y colores, en ocasiones puntuales han flirteado con el diseño de ropa y la cosa no ha ido nada mal.

¿Y qué virtudes tienen los diseños de peSeta para encandilar a tan ilustres marcas y conseguir de paso que sus diseños se vendan en tiendas como la del museo Reina Sofía?

En mi modesta opinión: espíritu y técnica. De lo primero ya he hablado, y lo segundo se confirma en su selección de telas (importadas de más de cuarenta ciudades y veinte países distintos); su deseo de preservar la tradición textil española; respetar el medio ambiente (algo que muchos dicen hacer pero que a la hora de la verdad se queda en buenas intenciones); y, probablemente lo más importante, su búsqueda de un equilibrio entre lo artístico y lo funcional, algo que ellos mismos consideran difícil pero que, vistos los resultados, no parece imposible.

Texto: Bill Jiménez
Imágenes (c) peSeta

Enlace: Web Oficial

Y tras nacer en la galería Corcoran de Washington y hacer escala en Toronto, Amsterdam, Estocolmo y Bad Homburg, le ha llegado el turno a Madrid y a la galería Arnés y Röpke. En ella se documenta la gloria y decadencia de este combustible, su alianza con la industria y posterior enfrentamiento con la naturaleza, una pírrica batalla en la que cambian los hombres, las sociedades y las geografías por el bien de un supuesto progreso. Burtynski no se posiciona, pues su especialidad es mostrar el lado bello del paisaje, aunque sean interminables pozos de extracción, fábricas muertas, laberintos de carreteras que actúan de intermediarios y, la parte más dramática, los incontables cementerios donde el petróleo y todo vehículo que en alguna ocasión se nutrió de él, duermen el sueño de los justos a la espera de esa utopía llamada reciclaje. Burtynsky ha caminado por todos ellos, olido la decadencia e imaginado el esplendor que contuvieron.

La conclusión de «Oil» es confusa, una contradicción como la mera existencia del petróleo. La necesidad derrotando a la prudencia y el objetivo de una cámara vaticinando el fin de una era que no necesariamente puede conducir a algo mejor.

Tiempo al tiempo, y aunque quizá nosotros no lleguemos a verlo, el petróleo sí. Al menos como contaminación.

Texto: Oswaldo Reyes
Imágenes (c) Edward Burtynsky

Enlace: Web oficial | Galería Arnés y Röpke

El dúo de Baltimore se estrenaba en el año 2006 con un disco homónimo, cuya singular propuesta no pasó desapercibida entre el sector de la música independiente. Esquemáticas cajas de ritmos activadas en el modo relajación, taciturnos y envejecidos órganos y unas guitarras steel hawaianas servían de séquito a la voz intemporal, andrógina, de la cantante gala Victoria Legrand, protagonista de un sonido envolvente y nostálgico afín a descoloridas filmaciones caseras en 8 mm. El debut tuvo como prolongación el álbum Devotion (2008), donde repitieron con la pequeña discográfica Carpark, y en el que Gila tomaba el relevo de canciones destacadas del primer trabajo como Master of None, claros ejemplos del carácter único y cautivador del grupo.

El nuevo disco titulado Teen Dream (2010) supone una evolución que va más allá del ingreso de la banda en un sello discográfico tan reconocido como Sub Pop. Si las tonalidades sepia dominaban antes el teatro mágico de Beach House, el escenario donde desfilan las canciones es ahora una gama de refulgente multicolor. Las notas agudas y campanilleantes ganan en relieve con la producción a cargo de Chris Coady (TV on the Radio, Yeah Yeah Yeahs) y el halo romántico de las melodías se torna más irreal, si cabe, con una confitura de idealismo que aísla al oyente hasta el último corte de la grabación. Silver Soul, Used to Be o, sobre todo, el luminoso 10 Mile Stereo, son modelos del inmejorable dream pop que enarbola el dúo en un disco colmado de potenciales singles, de temas dignos de representar la excepcionalidad de un trabajo en el que la pieza más bella sea quizá Lover of Mine, clara heredera de los hallazgos del grupo Cocteau Twins. Como final nos llega Take Care, una personal interpretación de las raíces del folclore americano, similar al modo en el que la banda The Walkmen modela la imaginería de Bob Dylan.

Aunque la publicación de Teen Dream sea muy reciente, el álbum ya forma parte de la más selecta oferta musical del año y en ella Beach House nos convida a dejarnos abandonar por una saudade imaginada, una dulce añoranza de vivencias que tan sólo existieron en nuestro corazón.

Texto: Juanjo Pizarro

Enlaces: Myspace | Web Oficial

La parte buena es que podremos gozar de este acercamiento cien por cien español antes de que el resto de editoriales se pongan las pilas y nos bombardeen con títulos paridos en otros países. En cualquier caso, nadie le quitará a Conde el mérito de haber roto una lanza por la fantasía, una sorpresa si tenemos en cuenta que su carrera lleva tiempo vinculada al guión de cine y televisión, trabajo que compagina con su membrecía en Nocte, la asociación española de escritores de terror.

Enlaces: Minotauro | Nocte

Como a menudo les sucede a eminentes creadores de disciplinas ajenas al cinematógrafo, la mirada del diseñador-director está cargada de la sensibilidad artística que la experiencia ha moldeado sobre su talento, uno de los motivos básicos por los cuales peca de incapacidad para la concreción, si se quiere para la abstracción, que requiere una película a fin de devenir algo más que una sucesión de secuencias hermosas.

A este respecto, los fotogramas cargados de belleza de Un hombre soltero consiguen el efecto contrario al manifestado explícitamente por Ford, ni más ni menos que la emoción reveladora, pues la rutilancia de la fotografía (obra del español Eduard Grau), el cromatismo de la puesta en escena, el uso incesante de la música envolvente y atildada de Abel Korzienoswki y la delectación minuciosa, casi obsesiva, en cada uno de los detalles que saturan los planos distraen al espectador de la sugerente trama, esto es, los sucesos que le acontecen durante un día crucial a George Falconer, un profesor universitario homosexual de mediana edad que ha perdido de forma repentina a su pareja, tras 16 años de perfecta convivencia. Dado que estamos hablando de 1962 y de Estados Unidos, lo que hace más terrible el drama del protagonista –ese mal llamado, con amarga ironía, “hombre soltero” en vez de “viudo”– es el hecho de que ni siquiera tenga derecho a expresar públicamente su duelo, ni siquiera sea considerado como familiar de su amado.

Cinta basada en el libro homónimo de Christopher Isherwood, la prosa elegante y sencilla que configura la novela del escritor británico en manos de Ford muta en un alambicado compendio de manierismos visuales que ahogan toda la fuerza de la historia, una reflexión sobre el dolor y la pérdida y también un canto al amor, a la verdad, a la libertad y a la vida. Aunque la película destile una innegable capacidad para manejar los recursos y las potencialidades del medio fílmico, sus imágenes tan sólo deslumbran, no calan. Ni siquiera la gran interpretación de Colin Firth, muy bien secundado por Julianne Moore, logra impedir la aburrida sucesión de vistosas escenas que se concatenan sin producir en el ánimo y en la mente del espectador más que un leve y superficial agrado. Ello no obstante, en algún momento del largometraje se intuye la posibilidad de algo más, como si el realizador lograra escapar de la suerte de mixtura que construye entre el peor preciosismo de James Ivory y el peor barroquismo de Pedro Almodóvar; me refiero a ocasiones en las que la composición logra respirar en medio de tanto esteticismo huero y exacerbado, como, por ejemplo, el flashback que recoge la última conversación de George con el fallecido Jim, donde, por un instante, la cámara no busca el plano detalle, no hay ralentí ni movimientos forzados, no hay contrastes coloristas, no hay encuadres oblicuos, y el autor se limita a describir, con un simple (y honesto) plano-contraplano, la felicidad conyugal compartida por los dos amantes.

En definitiva, el goce sensorial que reporta Un hombre soltero no trasciende su tono impostado ni evita el chirriante divorcio entre el fondo y la forma del relato; unas graves carencias de raíz que constatan la irregularidad global de la cinta y transmiten una no buscada sensación de artificio. Tal vez en un futuro Tom Ford, como finalmente le aconteció a Julian Schnabel en su notable La escafandra y la mariposa, logre desprenderse de esos vicios efectistas y retóricos, a base de realizar nuevas tentativas y adquirir oficio.

Texto: Elisenda N. Frisach

Lo reconozco, no conocía su trabajo, pero gracias a la recomendación de una experta en el tema (de blog muy recomendable), me he vuelto fan automático de sus diseños, de la luz que desprenden y lo rupturista de una propuesta que toma lo mejor del mundo rural yanqui y lo mezcla con una paleta de colores (rojo cereza, mostaza, verde musgo, rosa palo…) que podía haber firmado el mismísimo Edward Hopper.

Pero la principal influencia, reconocida por Jorge Bolado Moo, el cincuenta por ciento del tándem formado con Natalia Pérez, es un musa de comienzos de los noventa, la difunta Laura Palmer,  «colegiala adolescente de un pueblo rural americano en busca del amor».

Y ahí comienzas a atar cabos, a entender porque los tejidos implicados en la colección (lana, napa, seda…) se transforman en faldas cortas, camisas holgadas y otras prendas sacadas de un dinner de los años cincuenta.

Mucha candidez adolescente y mayor éxito para el 2010.

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De esencia vanguardista, me llama la atención su feroz dominio del color, contenido a voluntad por el bien de una producción en la que se asoman elementos fotográficos, tramas industriales y detalles de street-art. Ferran Vidal es un artista del símbolo, de camuflar entre tormentas de formas y colores unas inquietudes muy mundanas, como la soledad y el tiempo, o rendir homenaje a clásicos literarios como el shakesperiano Sueño de una noche de verano o la populista Cenicienta.

Respecto a su trayectoria escultórica, me fascina su facilidad para cambiar de patrones y apostar por las formas rígidas y simétricas, capaces de generar un equilibrio disfrazado de contraste que no hace más que confirmar la versatilidad de su obra.

Quizá fue esta facilidad para moverse entre mundos lo que más me cautivó de su producción. Ahora me veo en la obligación de seguirle la pista, no sea que me pierda alguna otras sorpresa.

Texto: Oswaldo Reyes

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Abatido y hermoso disco.

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Texto: Fran Martínez

El apartado técnico de Ingrid viene a ser un all-star de todos esos artistas que han sabido explotar las virtudes del ciberespacio, gente que muestra sus obras en sitios como Fotolog, MySpace, Flickr y devianART, y que, día a día, aumenta su batería de fans como cualquier otro creador mainstream. Cortés se ha rodeado de nombres tan emblemáticos como Micka Luna, Lyona y Manos de Topo (entre muchos otros) para confeccionar un producto que dialoga con el arte en su mismo lenguaje, con todos los riesgos que esa comunicación conlleva cuando te diriges a audiencias generalistas. Pero quizá esa sea la parte más grata del proyecto, salirse de los cánones aun a riesgo de parecer en exceso «moderno».

Como suele ocurrir en estos casos, son los resultados los que en el fondo hablan, aunque jamás desmerecerán el trabajo de un director como Eduard Cortés, que, aparte de correcto, imprime en sus obras un punto de riesgo digno de elogio. En cualquier caso, Ingrid marca un antes y un después en la forma de vender cine en este país, porque Internet es comunicación y el público sabio, y al igual que escucha, también quiere ser oído.
La virtualidad es secundaria.

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