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Entrevistas

Monique van Steen. Emociones en exhibición

La primera ocasión que escribí sobre el trabajo de la pintora holandesa Monique van Steen fue tras la exposición que la galería Artevistas le dedicó en 2012. Coincidió con el quinto aniversario de la sala barcelonesa, seis años atrás que bien merecen un balance y repaso a la evolución de la obra de Monique.

Mi balance es que un artista evoluciona en su estilo y discurso. Una no es artista solo cuando produce, lo es 24/7, ya que su vida influye en su arte y el arte influye en su vida.

En mi caso, durante 2012 y 2018 he hecho mucho trabajo de crecimiento personal. El resultado ha sido una mayor apertura con mis obras, desde más adentro. Mostrarme. Antes, tuve un discurso algo ajeno, desde una distancia segura; ahora todo son retratos de mi interior, ya que pinto tanto lo bueno como lo malo que hay en mí. ¡Y tengo que decir que disfruto mucho exhibiéndome emocionalmente! Mi proyecto de los siete pecados capitales fue todo un viaje de descubrimiento sentimental, con la consiguiente odisea de cómo plasmarlos.

monique van steen

También estás muy interesada en el detalle, ya sea un ojo, unos labios, un primer plano… ¿Por qué esta predilección?

Sufro de deformación profesional: casi no disfruto de lo auditivo. La mayor parte de mi goce viene de lo visual. Pintando un solo detalle desvinculo la imagen de un contexto concreto, así, prácticamente, solo pongo el énfasis en el placer visual del cuadro.

monique van steen

 

Trabajas con diferentes formatos y técnicas. ¿Qué podemos encontrar en tus obras? ¿Con qué has experimentado en los últimos años?

En el 2018 y, posiblemente, a raíz de cambiar de estudio a finales del 2017, tuve un fuerte bloqueo de artista. No encontraba el tema estable sobre el qué pintar. Surgieron muchos temas posibles, temas íntimos con los cuales me entusiasmé en un comienzo. Dos semanas más tarde, los vi como inadecuados. En este periodo dibujé mucho, ya que es una producción más veloz.

Para mí, el arte, en general, está hecho de tres (o cuatro) factores: mente, corazón y técnica (y puede añadirse espiritualidad). En algún momento vi que durante estos años me había faltado la parte mental. Por eso decidí no darle tanta importancia al porqué de la obras y me dediqué por completo a la parte técnica.

monique van steen

Soy autodidacta en la pintura (estudié cerámica escultural en las BBAA). En mis comienzos, investigué con acrílicos y acuarelas y, por confort, me quedé con ellos. Así que decidí salir de mi zona de confort y aprender a pintar al óleo. Los vídeos de YouTube son una fuente de información inagotable, uno puede aprender a pintar siguiendo las instrucciones de algunos artistas increíbles. Más tarde, tomé clases en la Barcelona Art Academy, el sitio de referencia si uno quiere aprender a pintar retratos en Barcelona.

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¿Qué papel están jugando redes sociales como Instagram o webs como Saatchi Art en la difusión de tu obra?

Ante todo, soy una junkie de las redes sociales y evito pasar demasiado tiempo en ellas. Hacerlo “para el trabajo” es una buena excusa para disfrutarlas y es (medio) cierto: en Instagram recibo mucha inspiración, ¡deberías ver la cantidad de capturas de pantallas que tengo almacenadas!

A la hora de ventas, Facebook sigue siendo la plataforma más útil para mí. ¿A lo mejor porque la edad de la gente que participan ahí es mayor y pueden permitirse el lujo de un cuadro mío? Aún así, gasto más tiempo en Instagram. Puede ser porque disfruto mirando imágenes bonitas, unas tras otras. Y encontrar artistas fantásticas es más fácil por el uso de los hashtags.

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Saatchi es el Amazon de las plataformas de arte. He estado en varias otras webs, pero no concretan ventas como Saatchi. Aunque hay que matizar que casi todos los compradores son de los USA.

 “El arte” es un concepto muy grande. Hay de todo, en todos los sentidos, tanto en técnicas y estilos como en conceptos… Recientemente, vi un TED Talk sobre el arte en Burning Man, donde no hay mercado de venta, pero sí muchos recursos, tanto humanos como materiales. También el espacio a usar es prácticamente ilimitado.

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Las obras y el público interactúan muy distinto en lugares como ese. Hay más curiosidad y participación que en los contextos habituales. Y la pregunta que la charla nos exponía era: ¿cómo sería el arte si no hubiese ninguna necesidad/obligación económica?

Sé que mi arte sería muy distinto. Puede ser que fuese mas colaborativo, seguramente mas extravagante y, probablemente, más políticamente incorrecto. ¡Sería interesante ver qué ocurre con los artistas y sus obras cuando en algún momento se instale la renta básica!

 

Por Bill Jiménez

Escritor y periodista digital, aficionado al arte y a las narrativas surgidas del ciberespacio, con las que ha experimentado en los últimos años a través de blogs, fanzines, webcómics y manipulaciones fotográficas.

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