Por Elisenda N. Frisach

El nuevo filme del tailandés Apichatpong Weerasethakul, ganador de la Palma de Oro de Cannes en la edición de 2010, es una prueba irrefutable de un hecho que el grueso de la producción cinematográfica exhibida en las salas a menudo nos hace olvidar: y es que el cine es un arte muy joven, con poco más de 100 años, y, por tanto, en él quedan todavía muchas vías por recorrer, territorios vírgenes.

El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas (no entiendo lo de uncle en la en traducción castellana del título) es una película de calado filosófico que reflexiona sobre las grandes cuestiones de la existencia a través de unas imágenes aparentemente sencillas pero que atesoran una hondura y una sugestión difíciles de igualar. El protagonista, un hombre maduro que padece una enfermedad muy grave, a las puertas de la muerte inicia un proceso de autoconocimiento vinculado a la idea budista del karma, a la trasmigración de las almas y a una visión panteísta, intuitiva y telúrica de la vida. Obra adscrita al género fantástico (de ahí el Premio de la Crítica José Luis Guarner recibido en el pasado Festival de Sitges), integra de forma serena y discreta los elementos irrealistas junto a detalles de la máxima cotidianeidad; una naturalidad que casa tanto con la distorsión postmoderna de los materiales de partida prototípica del realismo mágico y épico como con la narrativa legendaria más primitiva. La convivencia con fantasmas y con formas de vida subhumanas, la posibilidad de recordar las encarnaciones anteriores o la capacidad de efectuar simultáneamente dos acciones distintas confieren al relato un carácter mitológico, y es precisamente en el conocimiento primigenio y bruto de la realidad contenido en las historias fundacionales y animistas, propias de los orígenes culturales de las civilizaciones, donde el realizador cifra la esencia de la eterna pregunta, esto es, del sentido de la vida.

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Por Elisenda N. Frisach

Como suele pasarles a los realizadores formados en el lenguaje del videoclip y la publicidad, David Fincher posee un estilo visual contundente, cuya efectividad parte del carácter dinámico y sensorial de sus imágenes. Sin embargo, a poco que se analice con ecuanimidad su trayectoria en el campo del largometraje, se advierte que ha construido su prestigio a base, paradójicamente, de realizaciones fallidas. Ello quizá se explique por su incapacidad para conciliar una voluntad rupturista y contestataria que expone –a menudo de forma paroxística– las miserias de la psique humana en general, y de la sociedad americana en particular, y un descarado deseo de llegar al gran público para insertarse cómodamente en el sistema de estudios de Hollywood, lo que lleva al autor, a la postre, a atenerse a los estándares más clásicos de la industria o, en el peor de los casos, más banales y manidos; un hecho que justificaría también la parquedad de la mayoría de los guiones de partida. Por ello, junto a una verdadera joya del cine reciente (la excelente Zodiac), Fincher nos ha dejado muchas piezas interesantes aunque irregulares (v. gr. El club de la lucha, El curioso caso de Benjamin Button…), cuando no completamente prescindibles (v. gr. Alien3, La habitación del pánico…). Y es que en sus producciones la forma viene completamente determinada –y limitada– por el fondo.

En este sentido, La red social vuelve a ser una nueva muestra de las virtudes y las carencias del director norteamericano. Aunque el discurso visual de la cinta posea una habilidad y una madurez dignas de elogio, estructurada o, mejor dicho, desestructurada como se encuentra en dos flashbacks paralelos que buscan el momento revelador que permita alumbrar el conflicto principal del relato (esto es, el enfrentamiento entre los dos iniciadores de Facebook), su capacidad de sugestión va progresivamente deslavazándose hasta perder en el tramo final toda su fuerza. Baste con comparar el convencional desarrollo de la trama relativa al personaje encarnado por Justin Timberlake con el magnífico prólogo que precede los títulos de crédito: una lección de cine en estado puro, cuyo sencillo intercambio de plano y contraplano retrata con honestidad e inteligencia, y de una forma tan simple que parece hasta fácil, la personalidad del máximo protagonista, Mark Zuckerberg.

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Por Patricia Salvatierra

La decimoséptima edición festival L’Alternativa se realizará del 12 al 20 de noviembre en diferentes sedes de Barcelona como el CCCB, el Instituto Francés, Casa América Catalunya, Filmoteca de Catalunya y el Cine Maldà.

L’Alternativa se caracteriza por apostar por el cine más independiente, innovador y arriesgado con nuevas miradas. Este año se presentan 52 filmes a competición procedentes de 24 países de todo el mundo. Las diferentes secciones oficiales competitivas (largometraje de ficción, largometraje documental y cortometraje) se complementan con las películas paralelas, las Actividades paralelas, la sección Escuelas de cine del mundo, donde continuará con su labor pedagógica ofreciendo seminarios dirigidos a jóvenes creadores, estudiantes de cine y profesionales del medio, este año centrada en el CECC de Barcelona y el CUEC de México, y Pantalla Hall donde se ofrecen pases gratuitos. Petits experiments es una de las novedades de este año. Se trata de un espacio dirigido al público infantil. L’Alternativa colabora con Mi Primer Festival para acercar al séptimo arte a los más pequeños.

Este año, destacan la presencia de Raymond Depardon (Una mujer en África; Profils paysans, le quotidien), Alexander Kluge (Trabajo ocasional de una esclava; En peligro y máximo apuro el compromiso lleva a la muerte) o Arturo Ripstein (El castillo de la pureza; El carnaval de Sodoma), de quien hablamos no hace mucho a raíz de Kynodontas, entre otros.

Las Actividades paralelas presentan homenajes, estrenos, obras de cinematografías poco conocidas y de nuevos creadores, acompañadas por mesas redondas. Destacan la Master Class de Lluís Miñarro sobre la importancia de los festivales y la crítica cinematográfica, quien además presentará su última película, Blow Horn. Otras citas destacables son el seminario de música de cine a cargo de Pascal Gaigne (Azuloscurocasinegro; Gordos) o la mesa redonda sobre Cine mexicano: logros y contradicciones con Arturo Ripstein y Ricardo Benet.

L’Alternativa nos permite acercarnos a un cine afincado fuera de los circuitos comerciales pero con un mensaje potente a la par que original e innovador. Se trata de una oportunidad anual que los cinéfilos no se pueden perder.

Enlace: Web Oficial

Por Elisenda N. Frisach

Rodrigo Cortés confirma las buenas impresiones dejadas por su película de debut, Concursante (2007), con su potente segundo largo, Buried (Enterrado), un magnífico ejercicio de estilo adscrito al género de suspense que evoca de manera explícita (véase la secuencia de obertura) al Hitchcock más radical y abstracto.

En efecto; como sucedía en La soga o La ventana indiscreta, Cortés hace buena la máxima de “menos es más” y, merced a las limitaciones escenográficas y formales que impone un espacio tan acotado como una tumba enterrada bajo el suelo, lleva a cabo un thriller claustrofóbico, amargo y angustioso, cuyo impagable guión –obra de Chris Sparling– es exprimido al máximo por el realizador, quien, a través del comedido uso de diversos recursos estilísticos (desenfoques, ralentís, movimientos de cámara, zooms…), así como de un montaje dinámico y ágil, consigue dar a luz un filme tan entretenido como coherente, trabado y lúcido.

Más allá de una narración sustentada sobre la incógnita de cuál será el destino último de su atribulado protagonista, hecho que conlleva una estructura basada en el inevitable crescendo de una información dosificada y proporcionada estratégicamente, Buried devine sobre todo el dibujo psicológico del único personaje que hay en el relato con presencia física, el transportista estadounidense Paul Conroy. O, mejor dicho, narra el proceso de epifanía que éste vive sobre sí mismo, sobre las personas que ama y, especialmente, sobre el mundo que le rodea mediante la experiencia de pesadilla de despertarse tras un desmayo y encontrarse enterrado en vida. Seguir leyendo »

Por Patricia Salvatierra

Hace unos días salió a la venta el dvd de Kynodontas (Canino), la segunda película de Giorgos Lanthimos. Kynodontas es excelente e interesante, una combinación de géneros perfectamente harmoniados donde se encuentran ciencia ficción, terror o suspense, entre otros. Aunque en cierto modo es experimental y absurda, también es sorprendentemente clara, ingeniosa, satírica y perspicaz. Los planos estáticos y descolocados, lo claro y diáfano, la falsa harmonía del ambiente, el sexo animal, la sangre, la violencia, el genial juego y el diálogo filosófico con el lenguaje y el universo que se muestra en la cinta son algunos de los factores que hacen de Kynodontas una de las películas más perturbadoras del pasado año.  Lanthimos nos muestra el horror y lo oscuro disfrazado de luminosidad con una estética diáfana.  Por todo ello, no es raro que haya recibido galardones en prestigiosos festivales como Cannes, Sitges, Sarajevo o Syfy.

Al visionar Kynodontas es inevitable acordarse de un clásico del cine mexicano de los 70, El castillo de la pureza, con las magníficas actuaciones de Diana Bracho (The faces of the Moon; Y tú mamá también) y Claudio Brook (Cronos; Esperanza). La historia, basada en hechos reales, fue rechazada por  Buñuel y fue finalmente dirigida por su seguidor Arturo Ripstein.

Ambas se sitúan en una casa amurallada con una familia formada por padre, madre, hijo mayor y hermanas mediana y pequeña. Los hijos no han visto nada más allá de los muros de su casa. Las dos poseen un padre absorvente, dictatorial y loco que crea una utopía para su familia alejándoles del exterior. Se trata de universos basados en la mentira, con costumbres adoptadas por inercia que son creadas con unas reglas y ética falsas y con unas convicciones erróneas que denotan relaciones de poder. Gabriel Lima (El castillo de la pureza) instruye a sus hijos como soldados mientras que el otro padre lo hace como perros. En ambas, se forman microcosmos de los que, más tarde o más temprano, alguien querrá huír y, curiosamente, serán las hermanas menores.

En ambas casas los padres son los únicos que acceden al exterior. Muy pocas personas de fuera pueden entrar en sus respectivos universos. En la mexicana entra el inspector de sanidad que certifica el raticida que venden, y en la griega Cristina, la compañera de trabajo que se prostituye.

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Por Elisenda N. Frisach

Tras el visionado de la última película de Jean-Pierre y Luc Dardenne, cabe preguntarse por qué una cinta tan excelente como esta ha sufrido tantos problemas de distribución en nuestro país, lo que ha llevado a su estreno, sin pena ni gloria, con dos años de retraso y dentro de la cartelera veraniega, destinada por lo general a blockbusters, filmes infantiles o comedias; un hecho que aún sorprende más teniendo en cuenta el beneplácito de la crítica del que siempre han disfrutado los realizadores belgas, refrendado por un extenso palmarés entre cuyos galardones se encuentran el premio al Mejor Guión del Festival de Cine de Cannes de 2008 y el Premio al Mejor Film Francófono del mismo año, ambos para esta preciosa reflexión sobre el poder de la empatía como instrumento de perdón y redención.

Aunque evidentemente la filmografía de los Dardenne nunca ha ido destinada a un público amplio, se diría que tiene garantizada una “inmensa minoría” de cinéfilos dispuestos a deleitarse con las historias cotidianas, desgarradoras y ásperamente poéticas que han jalonado una obra que no ha hecho otra cosa sino crecer con cada nuevo largometraje. Sin embargo, parece ser que todo aquello que huele remotamente a cine social aleja cada vez más al espectador de las salas, quizá porque vivimos tiempos difíciles y la gente desea evadirse, o quizá porque incomoda cualquier recordatorio de que, por mal que nos vaya, no dejamos de ser miembros de un selecto y privilegiado club: el de la clase media del Primer Mundo. Seguir leyendo »