La simbología del laberinto es sin duda una de las más complejas que han acompañado al ser humano en los últimos cuatro mil años. Aúna la búsqueda, el viaje iniciático y los aspectos más oscuros de nuestra alma, pero también supone esperanza, revelación y orden. Por Laberintos, la nueva exposición del CCCB, explora la realidad y el mito del laberinto en una instalación multidisciplinar en la que podremos encontrar desde mapas a video proyecciones de los laberintos más importantes del mundo. La estructura, el objetivo, la influencia en la cultura, todos los aspectos con los que pueda vincularse han sido tenidos en cuenta por Oscar Tusquets, comisario y diseñador de la muestra, Ramón Espelt (guionista de la misma) y Jorge Wagensberg (en calidad de asesor). Su trabajo navega entre lo lúdico y lo informativo sin decantarse por una tendencia en concreto, jugando con el espacio para enfatizar el mensaje. En algunos momentos se genera una falsa sensación extra dimensional, como si la exposición fuera en sí un laberinto que alberga ad infinitum otros menores.

Unicursales, de recorrido múltiple, naturales, espejados, mentales, míticos… El umbráculo cuya sombra proyecta un laberinto móvil en los suelos del Pati de les Dones; los grafiados en piedra y papel; la obra de artistas contemporáneos como Robert Morris o Richard Long; el papel fundamental durante el siglo XV de Giovanni Fontana (autor de los primeros laberintos multicursales); y las reflexiones sobre el laberinto y la memoria (con un hormiguero real como perfecto ejemplo). Y aún así, todo esto no es más que una pequeña parte de una ambiciosa apuesta que se podrá visitar hasta enero de 2011.

Tiempo de sobras para perderse y reencontrarse unas cuantas veces.

Enlace: CCCB

Por Patricia Salvatierra

Al polifacético Iván Zulueta se le conoce sobre todo por su película Arrebato, donde Eusebio Poncela y Cecilia Roth lo bordan, y por ser el cartelista, influenciado por el Pop Art y otras nuevas tendencias, de multitud de películas de directores conocidos como Almodóvar, Garci o Buñuel, entre otros. Pero Zulueta tocó muchos palos como la fotografía, los cortometrajes, la televisión, la música e incluso la decoración. Sus cortometrajes y su obra televisiva sólo se han visto en contadas ocasiones en ciclos de filmotecas y cines españoles o, en su momento, en «la caja tonta».

Hoy, 13 de abril de 2010, Xcèntric, el programa cinematográfico del CCCB, organiza un homenaje a la figura de Iván Zulueta. Andrés Duque y David Domingo, cineastas actuales relacionados estrechamente con su obra, son los encargados de presentar esta sesión. La proyección del valioso documental Iván Z (2004) de Andrés Duque, dará inicio a una velada en la que se recuperarán algunos de los Súper 8 más emblemáticos de Zulueta.

Las proyecciones y horarios son los siguientes:

En el hall: pases a las 18 h y 19 h

• Iván Z, Andrés Duque (2004, vídeo, 55 min) donde Duque muestra un Zulueta íntimo que habla abiertamente sobre sus pasiones, fetiches y obsesiones de su imaginario.

En el auditorio: 20 h

• Tea for Two, Iván Zulueta. (1978, vídeo, color, 9 min) donde el autor cuenta la historia de una curiosa pareja formada por Virginia y Vicente.
• La taquillera, Iván Zulueta. (1978, súper-8, color, inacabada (10 min aprox.)) donde vemos otra vez a Virginia vendiendo entradas en el cine sin ningunas ganas.
• Na-da, Aquarium (versión reducida) y tráiler de Mi ego está en Babia, Iván Zulueta. (1976, vídeo, 19 min) Esta serie de imágenes vienen a ser la «primera parte» de un programa cinematográfico a la antigua usanza. Es decir, un NO-DO, un cortometraje, los anuncios del descanso y el tráiler de un próximo estreno.
• La fortuna de los Irureta, Iván Zulueta. (1964, vídeo, 20 min) primera película amateur de Zulueta donde cuenta la vida de Andoni, un labriego que emigra a los Estados Unidos para enriquecerse y luego regresa al pueblo para casarse.
• Mi ego está en Babia, Iván Zulueta. (1975, vídeo, 40 min) donde Zulueta narra la historia de Will More (actor fetiche del cineasta) un verano en Ibiza mientras juega de una manera muy interesante con el tiempo y el ritmo.

Enlace: Xcèntric

Por Elisenda N. Frisach

Hasta el 24 de mayo, el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona acoge “Atopía. Arte y Ciudad en el siglo XXI”, una sobresaliente exposición que reúne más de un centenar de obras creadas por una cuarentena de artistas contemporáneos de diversa procedencia geográfica, dedicados a distintas disciplinas estéticas (pintores, escultores, fotógrafos…).

Con Josep Ramoneda e Iván de la Nuez como comisarios, las piezas mostradas se articulan en torno al concepto de atopía, mediante la dialéctica entre su raíz etimológica (literalmente, a-topos, “sin lugar”, “desubicado”) y su significado médico, que define la tendencia genética de ciertas personas a padecer alergia a sustancias inocuas para la mayoría de la población.

“Atopía”, por tanto, pretende reflejar el sentimiento de alienación del individuo y, más concretamente, del individuo-almenara (los artistas) durante la primera década del siglo XXI; una alienación que difiere de las fantasmagorías opresoras retratadas por Kafka en la centuria pasada, puesto que ahora se halla vinculada a un sentimiento pasional, y a menudo exaltado, de padecimiento íntimo, de índole tanto psíquica como física, producido por la incapacidad para encontrar el espacio propio en una urbe global que fascina y repele, una vorágine consumista, tecnológica y mestiza que engulle en su espectacularidad vacua y fastuosa.

La exposición se divide en cuatro partes: “La ciudad vs. el habitante”, “La ciudad sin habitante”, “El habitante sin la ciudad” y “Apoteosis urbana”, a las que hay que sumar un “Prólogo” y un “Epílogo” y tres interludios en los tres primeros apartados (denominados “Transición”), en los que son colocados estratégicamente tres creadores y sus respectivas obras para ubicarnos semánticamente en el siguiente apartado.

“La ciudad vs. el habitante” retrata las personas como piezas divergentes, casi incómodas, postizas, de unos mecanismos fácticos y económicos que no contemplan las particularidades individuales, lo cual las condena al extrañamiento y la soledad. De ahí que resulten reveladores los paralelismos temáticos de las fotografías de anothermountaiman (heterónimo del hongkonés Stanley Wong Ping-Pui) con las del nigeriano Emeka Nokereke. Igualmente notables son los cuadros de Tim Eitel, que nos recuerdan los resultados finales del consumismo feroz, y la “Transición” a cargo de Carlos Irijalba, con sus reflexiones “Überlegung” (valga la redundancia), que reducen al absurdo la conversión de la vida en un espejismo de sí misma.

En cuanto a “La ciudad sin habitante”, presenta una realidad abrumada por la fisicidad de los espacios, en la que los objetos, las formas arquitectónicas, asumen el protagonismo e integran a los seres humanos como elementos decorativos de su propia materialidad. Ilustrativas al respecto son la serie fotográfica del portugués Nuno Cera, “A room with a view” (donde los paisajes de diferentes ciudades se mezclan con la mirada que los recoge desde distintas, e impersonales, habitaciones de hotel) y la irónica orfebrería en plata “Las joyas de la Corona”, del cubano Carlos Garaicoa (miniaturizaciones de edificios tristemente famosos por los crímenes contra la humanidad cometidos en ellos: el Pentágono, la KGB, la Stasi, el Estadio Nacional de Chile, la ESMA argentina…). Destacan, asimismo, el cuadro Cuevas urbanas, nuevas cartografías de Baltazar Torres o las tres filmaciones de Sergio Belinchón que componen la nueva “Transición”, especialmente su vouyerista corto Office.

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