Inversiones es la ambiciosa propuesta de Oliver Roura, pura experimentación que incluye un concienzudo trabajo con resina y pintura y unos resultados que, pese a la bidimensionalidad que reflejan, están repletos de niveles. Una experiencia entre pictórica y orgánica que, junto a las obras del artista vasco Juan de la Rica, se podrán disfrutar hasta el 5 de marzo en la Berger Gallery de Barcelona.

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¿Por qué “Inversiones”?

Se llama Inversiones por la técnica que uso al pintar. El proceso es el “inverso” al método que se utiliza convencionalmente. Creo que en casi un 100% de las obras puramente pictóricas el artista añade pintura paulatinamente hasta crear la imagen deseada, siendo la última pincelada la que se observa en primer término. En cambio, en Inversiones, la primera pincelada que doy es la primera que se ve. Luego, superpongo capas y capas de pintura hasta conseguir el efecto a proyectar en la obra. Sé que puede resultar confusa su comprensión pero el secreto del proceso no tiene muchos acertijos. Es el mismo desarrollo pictórico pero a la inversa.

Por la numeración de las distintas “inversiones” adivinamos lo ambicioso del proyecto. ¿De cuántas obras se compone esta serie? ¿A día de hoy es un proyecto cerrado o aún puede dar más de sí?

De momento sigue abierto. Y ahora no sé hasta qué número llegaré. La 1ª Inversión fue la primera obra que conseguí realizar satisfactoriamente uniendo la parte técnica y la parte conceptual. Sus inicios se forjaron asentando su base en el Caos, derivando hacia la geometría fractal y siguiendo en la representación y observación de la naturaleza, más concretamente en el crecimiento y expansión de ésta. No sé hasta cuándo seguirán las Inversiones pero de momento siento que me queda mucho por investigar.

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Roughattitude es el alter ego de Dani Buch, o más bien, una extensión de su personalidad artística, rápido referente que nos transporta a un universo habitado por animales antropomórficos y rendidos ante sus más bajas pasiones. El lado oscuro que todos llevamos dentro. “Siempre he visto un lado muy animal en todo lo humano, en especial cuando actuamos instintivamente. Al reprimirlo nos hacemos más humanos. Me interesa esa parte que intentamos esconder”.

Sus principales referentes surgen del mundo del cómic, como “Bill Sienkiewicz, Simon Bisley, Kent Williams y Phil Hale. Todos ellos han sido muy influyentes en mi estilo. Aunque también otros artistas de la historia de pintura como Egon Schiele, Piranesi, Picasso, Lucian Freud, Durero, Otto Dix”.

La fuerza de sus ilustraciones y el firmarlas como Roughattitude podría llegar a condicionar lo que el público espera de sus obras, mas Dani no lo ve como una carga. “En cierta forma condiciona, pero antes del nombre estaban los dibujos y los personajes que dieron forma ese nombre”.

Lo que sí está claro es que su producción es muy carismática y abarca multitud de formatos, desde lienzos a grabados, pasando por ropa y pequeñas animaciones. Aunque todos tienen su atractivo, Dani considera que “pintar en formatos grandes da mucha más libertad, tanto a la mancha como al poner línea. Aunque me gusta experimentar y disfruto mucho cuando se presenta la posibilidad de investigar nuevas formas de expresión. En el futuro me gustaría experimentar con la escultura. Ya he probado el volumen y me fascina poder dar forma en tres dimensiones”.

Aparte de ilustrar para la prensa, Roughtattitude también es un habitual del circuito expositivo, un mundo ligeramente distinto y con sus propias complicaciones:  “Normalmente tardo más en acabar las piezas para alguna exposición. Le doy muchas vueltas a la idea, busco referentes, lo dejo y vuelvo a ponerme. En las revistas, al ser un acabado digital, llegas a un resultado óptimo más fácilmente, aunque el proceso y el grado de implicación sean el mismo”. Lo que sí es cierto es que, en la última década, las galerías de arte barcelonesas (por poner un ejemplo) han aumentado su oferta de ilustradores y artistas surgidos de la ilustración y el arte urbano. Dani opina que “el dibujo ha sido una disciplina que siempre ha estado presente en los museos. El graffiti me parece que tiene más fuerza en las calles pero está bien que entre en galerías y tome nuevos formatos”.

La cuestión es que el arte de Roughattitude es un claro referente en cuanto a personalidad y carisma. Por suerte, no existe el riesgo de que termine eclipsando a Dani Buch. “Los dos perfiles conviven en perfecta armonía. Nunca he intentado esconder mi verdadera identidad. Poco a poco Roughattitude va perdiendo protagonismo”.

Y volviendo a sus animales humanos (o viceversa) y a ese componente totémico que parece rodear a su obra, quise saber cuál le representaría. ¿Cómo sería Dani Buch bajo el filtro Rough? “No lo tengo muy claro, aunque dependiendo de la situación y el momento podemos adoptar diferentes actitudes animales… Supongo que podría ser muchos”.

Todas las imágenes son (c) de Dani Buch / Roughattitude

 

Hace unas semanas os hablábamos de la exposición que Montana Gallery dedicaba a las Ciudades 3D de Guillermo Carrión. Como una simple reseña nos pareció insuficiente, decidimos entrevistar al artista y descubrir algo más de su técnica, sus influencias y esa gran musa que ha sido para él New York.

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¿Por qué la ciudad como inspiración y modelo?

Cuando fui a NY para estudiar y vivir, se convirtió en mi inspiración principal. El jazz fue otro gran catalizador.

¿En qué momento decidiste dar tanta importancia al volumen y qué buscabas cuando incluiste una tercera dimensión?

Un día estaba pintando en la calle. Solía salir a pintar con caballete las calles de Manhattan. Siempre volvía con un cuadro y muchos comentarios y anécdotas. Aquel día me rodearon unos treinta niños que estaban de excursión con su profesora. Yo les advertí de no rozar los óleos porque se mancharían y sus madres se cabrearían mucho, y una niña que tenía la cara a la altura de la paleta me preguntó: “¿Por qué no pones algo de amarillo?” Le contesté que claro que sí, y pregunté si era su color preferido.  Ella asintió. Levanté la mirada, vi un taxi y puse un poco de amarillo. Ella entonces soltó “¡Más!”  Y cogí todo el amarillo que tenía y lo pegué al cuadro. De repente algo ocurrió, y después de un tiempo ya no se secaban los cuadros, así que empecé a construirlos con otros materiales.

El color es otro de los protagonistas de tus obras, destacando por su viveza y variedad. ¿Cómo de fundamental es en tu discurso?

El color es un milagro en la vida, tanto como las notas musicales. He pasado por muchas épocas y por distintas paletas. NY tiene una paleta muy oscura. Allí, la solución para el graffiti ha sido cubrirlo todo con negro o gris; es una ciudad con muchas azoteas negras o plateadas. Los cuadros con esas tonalidades y colores siempre crean la misma reacción, como que debía estar pasando por una etapa oscura y pesada. Barcelona tiene un colorido mucho más claro, colores pastel, mucho ladrillo y terracotas. Ahora creo que he llegado a un punto en el que tengo libertad total con mis colores. Intento ser lo más libre posible.

¿Qué materiales hay tras tus ciudades en tres dimensiones?

Pinto básicamente con materiales al agua. Antes pintaba mucho con óleo. Lo demás es salsa secreta de la casa.

¿Tus obras surgen de un proceso estructurado o cuentan con un componente espontáneo?

Las obras son una unión de estructura e improvisación. Primero construyo la estructura, luego me permito la completa libertad, aunque siempre manteniendo una relación con esa estructura. Por un lado puede seguir o complementar las formas 3D y por el otro puede ser reaccionaria, como por ejemplo, pintando un edificio distinto sobre la estructura base.

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Ha llegado el momento de amar o morir, de disfrutar de una banda que no hace más que cosechar buenas críticas. Primero con su disco de debut, Squared Wheels, y ahora con Love or Die, una descarga de punk ágil y melódico, a la usanza de esos noventas que muchos echamos de menos. De esa nostalgia nos habla Enric, batería de Bullitt, haciendo un hueco en una agenda que incluye un buen número de conciertos que nadie debería perderse.

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Existen diferencias evidentes entre vuestro anterior disco y este Love or Die, pero ¿qué cambio como músicos habéis experimentado en este tiempo? ¿Qué habéis aprendido y aplicado a este nuevo LP?
Quizá la diferencia está más en la intención que en una evolución personal de cada uno. Me explico: cuando grabamos el primer disco veníamos de ensayar mucho tiempo en el local sin ninguna intención de hacer temas que se tuvieran que conjuntar en un disco. Se podría decir que nos metimos en el estudio más porque tocaba que por otra cosa. Con el segundo empezamos a trabajar en el local a sabiendas de que lo que sacáramos de ahí seria tarde o temprano nuestro segundo disco y eso hizo que lo compusiéramos de otra manera. Si algo hemos aprendido con este segundo disco es a no forzar las composiciones, intentando que todo saliera de forma natural, lo cual siempre es difícil cuando te pones fechas límite.

Aunque seguís siendo melódicos, hay más elementos rockeros en vuestras composiciones. ¿El objetivo es alejarse de la etiqueta hardcore o es el resultado de una evolución espontánea?
La verdad es que no nos hemos considerado nunca un grupo de hardcore. Cuando vienes de esta escena, y nosotros lo hacemos a mucha honra, te das cuenta de que el hardcore solo es la punta del iceberg. Un inmenso iceberg que engloba multitud de estilos como son el rock, el soul, el metal, el punk y un largo etcétera. No es nuestra intención inventar nada ni dejar obsoletas todas estas etiquetas. Simplemente intentamos hacer las cosas de forma natural y sintiéndonos cómodos todos los miembros del grupo, así que si el disco suena más rockero es porque los cuatro nos sentimos bien con eso.

La crítica evoca a The Unfinished Sympathy cuando habla de vosotros. ¿Qué os parece que Bullitt se convierta en un grupo de referencia?
La verdad es que ahora mismo nos sentimos muy halagados y con una mezcla de perplejidad y responsabilidad. Que de golpe te comparen con grupos de la talla de TUS o Aina, que son dos de nuestros grupos preferidos de todos los tiempos, te llena de orgullo pero al mismo tiempo tienes una sensación de que los acontecimientos te están sobrepasando un poco. No dejamos de ser cuatro colegas que tocan simplemente porque hemos crecido tocando y no sabemos vivir sin tener que ensayar o con algún concierto a la vista el próximo fin de semana.
Si seremos un grupo de referencia o no lo sabremos dentro de 10 o 15 años. Si la gente todavía nos recuerda entonces volvemos a hablarlo.

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Después de tantos años, la figura de Andy Warhol me sigue desconcertando. Nunca tengo claro, y puede que tampoco llegue a una conclusión concreta, acerca de su postura hacia público y medios, esa barrera de insolencia que ha generado tanta devoción entre sus fans hasta el punto de trascender sobre su obra.

Si sus Diarios (Anagrama, 1990) arrojaron más luz que cualquier biografía aparecida hasta el momento, estas Entrevistas (Blackie Books, 2010) nos devuelven a la ambigüedad por obra y gracia de Kenneth Goldsmith, cuyos esfuerzos recopilatorios toparon en numerosas ocasiones con la naturaleza escueta de Warhol a la hora de dar declaraciones o hablar de su universo artístico. Pero, aparte de una crónica e información poco conocida del artista, es un viaje a lo largo de su éxito, descubriendo a un Warhol más accesible a medida que pasan las décadas y se aleja del enfant terrible que abusaba de los monosílabos o trataba por todos los medios de invertir el rol “entrevistador/entrevistado”. El resultado puede despertar alguna carcajada por su absurdo y muchas reflexiones acerca del contenido. ¿Son estas conversaciones una extensión de su obra? En algunos casos es un sí rotundo, pocos artistas recurrirían a una respuesta automática o leerían directamente de un texto promocional para hablar de sus películas, como en el caso de la entrevista que Gerard Malanga le hizo a propósito de Empire (1964), ese titánico experimento de ocho horas en el que se filmaba ininterrumpidamente el Empire State Building. Seguir leyendo »

 

MOIMOI fue creada en 2008 por Raquel Alonso Miranda, una diseñadora viguesa apasionada por lo escandinavo que no dudó en cambiar su domicilio a Helsinki y convertirse en una embajadora del diseño mediterráneo. Sus colecciones aúnan lo mejor de dos mundos y su marca muestra la solidez de los proyectos nacidos para durar.

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Estamos más acostumbrados a ver diseñadores escandinavos en tierras mediterráneas que al revés. ¿Cómo se entra en un mercado con unos gustos tan concretos como el finlandés?

Creo que la clave está en transmitir una esencia muy veraniega adaptada a las necesidades reales. Para que un producto funcione intento incluir soluciones prácticas sobre todo en la forma y funcionalidad, y me permito mayor libertar en el color, los prints y la joyería. Una chica finlandesa quizá no se siente cómoda con un total look muy llamativo pero sí que se atreve con una prenda o complemento. Será que un look sobrio siempre necesita un poco de humor.

El desarrollo de tus diseños y de MOIMOI como marca discurre casi paralelo. ¿Llega un momento en que, aparte de buen diseñador, hay que ser mejor empresario?

Lo ideal sería que todas las marcas pudiesen contar con la figura del diseñador y la del empresario por separado, pero no siempre es posible. Ya no existe el mito del diseñador dibujando sin parar en su estudio. Ahora los diseñadores tenemos que hacer de todo para darnos a conocer, conseguir comercializar nuestros diseños y hacernos un hueco en un mundo tan competitivo.

Una colección muy colorista, otra de marcada influencia marinera y, ahora, prints de ciervos. ¿Hasta dónde llegan tus inquietudes y cómo definirías tu estilo?

Mi estilo se basa en color, prints y mucho optimismo. La primera colección la diseñé cuando aún vivía en Barcelona y estaba mucho más influenciada por todos los elementos mediterráneos. CATH THE SAILOR está diseñada especialmente para la Pop Up Store que abrí durante el pasado mes de Julio en el centro de Helsinki. Quería que fuese una colección que respirase verano y que con cada producto viajases en una pequeña barca a un lugar caluroso y soleado al borde de la playa. Con STARING DEER, sin darme cuenta, me he visto influenciada por lo que me rodea aunque con una visión muy colorista. Y con la última colección HAPPY DAY quise incluir un poco más de humor en una colección en la que el color y el optimismo también son los protagonistas.

¿Qué influencias mediterráneas y escandinavas tratas de incluir en tus diseños?

Cuando diseño una colección no pienso en las influencias que voy a incluir. Parto de un concepto o idea que me parece interesante y se va desarrollando bajo mi propio lenguaje en el que prima la funcionalidad y el color. La idea inicial del proyecto era traer mi estilo muy cálido y colorista a tierras escandinavas pero el éxito de los productos ha sido finalmente el resultado de combinar las dos influencias, o al menos es lo que me dicen en Helsinki.

Ropa, complementos, joyería… ¿Qué te gustaría que fuera lo siguiente?

Una de las cosas que más me gusta de crear tu propio proyecto es que tienes el lujo de poder experimentar, por lo menos al principio. Más que ampliar la línea de productos creo que es el momento de pensar y reflexionar. Me encantaría hacer de todo, crear un universo MOIMOI pero el futuro próximo estará lleno de bolsos y complementos. Aunque intentaré incluir algún proyecto diferente siempre que sea posible.

Enlaces: MOIMOI
Imagen 1 (c) Jane Vianto
Imagen 2 (c) Joan Morera