La historia de Georges Adéagbo es la de, más que un artista, un hombre enfrentado a los destinos impuestos. El mayor de una familia de 11 hermanos, se enfrentó a la voluntad de su padre cuando decidió abandonar su Benín natal y estudiar Derecho y Empresariales en Francia. A la muerte de éste, su madre le reclamaría para asumir la dirección de la familia, una carga que le hizo renunciar a una próspera vida en Europa. Pero la cárcel social que era Benín se convirtió en el catalizador que despertaría su pasión por el arte y, a posteriori, le convertiría en una de las figuras más emblemáticas del arte africano.

En sus instalaciones, compuestas por objetos únicos, confluyen signo y símbolo en una búsqueda de respuestas que, más que solucionar las preguntas del individuo, expliquen la evolución del grupo. Adéagbo, aunque trabaje desde una base étnica, aboga por la humanidad como entidad en constante transformación, enfatizando en esos misterios que ni ciencia ni religión han sabido responder a lo largo de los milenios. Su trabajo es una involución del lenguaje, un regreso a los tiempos del mito y la parábola, un jeroglífico metafísico de infinitas lecturas.

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De apertura (relativamente) reciente, la Berger Gallery supone uno de los espacios expositivos no museísticos más grandes de la Ciudad Condal, 320 metros cuadrados dedicados al arte en general, aunque con especial predilección por la pintura. Desde el 15 de diciembre sus muros albergan la producción de Darío Basso (Caracas, 1966), una serie de obras de factura reciente reunidas bajo el título Relieve oceánico. Nada más directo, pues una de las materias primas de sus lienzos es el sedimento marino, aplicado en grandes cantidades y con la misma intención con la que la naturaleza moldea la geografía acuática. Una producción impresionante donde predomina el gran formato y el expresionismo, donde los atisbos de figuración nacen de las experiencias reunidas en Captiva, una isla sudoeste de Florida conocida por haber sido la residencia durante muchos años del malogrado Robert Rauschenberg. Y de tan bello paraje solo podrían salir unas obras ricas en color y forma, influenciadas por el action painting de Pollock, una disciplina que Basso tiene más que asumida y que, junto a un estudiado uso de los materiales, ha sabido dirigir en una dirección única. Reminiscencias animales y líricas (La muerte de Virgilio), la constante presencia de la fauna marina y la fuerza de sus mitologías (el nacimiento de Quetzalcóatl, la serpiente emplumada, de un molusco), la sexualidad del cauri… Son tantas las líneas de diálogo de Relieve oceánico que, aun enumerándolas todas, siempre quedaría algún matiz en el tintero.

Y por si esto no fuera poco, la muestra se complementa con una serie de 42 acuarelas ambientadas en África. Obras un tanto alejadas de su presente producción, imágenes sin artificios que comparten fuertes vínculos con el arte local, en concreto el zimbabuense, país donde tuvo la oportunidad de exponer el pasado verano.

En resumen, Relieve oceánico es un espectáculo técnico como pocas veces se ve, un capítulo importante en la carrera de Darío Basso y una dosis alta de expectación en un espacio que, seguramente, nos proporcionará muchas alegrías futuras.

Enlaces: Berger Gallery | Darío Basso

Mary Ellen Mark es una de leyendas vivas de la fotografía estadounidense, una artista entre dos tierras. Por un lado, el glamur de Hollywood y el show business en general, al que ha fotografiado durante décadas, tal y como ella reconoce, para sobrevivir económicamente. Y por otra parte, el fotoperiodismo en su vertiente más combativa, donde cada encuadre rebosa denuncia. Naturalmente, ella se siente más a gusto en esta segunda faceta, de capa caída en la actualidad, pero no se rinde, al igual que no cede ante la fotografía digital y los cambios a los que se ha visto sometido el oficio por culpa (o gracias, según se mire) de la tecnología. Mary reivindica las virtudes del carrete y el blanco y negro, y para muestra, sus trabajos. Ahora, desde el pasado 11 de enero, una colección de imágenes seleccionadas por la propia artista se paseará por tres ciudades españolas gracias a Fnac y PHAIDON. El primero destino (hasta el 18 de febrero) será el Fnac Málaga, donde se podrá disfrutar de la cara más comercial de la fotógrafa, que incluirá sus mejores trabajos para el celuloide, como las fotos del rodaje del Satyricon de Fellini o producciones estadounidenses como Apokalypse Now o Alguien voló sobre el nido del cuco. No es la Mary Ellen Mark de los indispensables Falkland Road, la crónica de una de las calles consagradas a la prostitución en Bombay, o Exposure, un compendio de sus imágenes más icónicas. Porque la producción de Mary Ellen Mark cuenta con muchas imágenes inmortales, en las que elude las ambigüedades y las lecturas a medias. Un gusto por los blancos y los negros que va más allá de lo técnico, un triunfo de los principios.

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Cinco años apostando por la creación, ofreciendo exposiciones que han abarcado desde lo pictórico al arte urbano y celebrando conciertos con lo más granado de la escena independiente. Artistas noveles, veteranos y noveles que se han convertido en veteranos a lo largo de este quinquenio creativo de la galería Miscelänea. Y ahora, de tal gestación, ha nacido una muestra colectiva y una caja-libro conmemorativa y en edición limitada, 200 copias exactamente que contienen una selección de trabajos de 20 artistas vinculados con la galería, como Ilia Mayer, Escif, Joaquín Jara, Zosen o Gamebombing. Hablamos de pintores, diseñadores e ilustradores de primera línea, aparte de las impresiones por escrito de una serie de figuras vinculadas con el arte y la sala, entre ellas la propia organización de Miscelänea.

De la exposición, decir que un all star como el reunido no merece crítica. Hay estilos y disciplinas de sobra para deleitarse y confiar en el buen estado de salud del arte local, aparte de un “cómo se hizo” en video que narra los aspectos técnicos del proyecto y la ambición y ganas puestas en él. En resumen, una exposición de las que, como algunos cometas, no se ven todos los días.

Si una década atrás la relación del transporte público con el arte eran los graffiti que invadían el exterior de los vagones de metro, ahora las artes plásticas tienen un espacio propio dentro de sus instalaciones. Se hace llamar Espacio Mercè Sala y no es más que un largo túnel en desuso dentro de la céntrica estación de Diagonal. Naturalmente, acondicionado por todo lo alto, como se suele hacer en Barcelona cada vez que entran en juego las apariencias.

Y aunque no soy muy partidario de las iniciativas propagandísticas, reconozco que las obras reunidas en esta ocasión aprueban en su gran mayoría con nota alta. Forman parte del Bartcelona, un concurso artístico celebrado meses atrás en un centro comercial de la ciudad (otro bizarro emplazamiento) y dividido en dos categorías: Artes plásticas (haciendo distinción entre la obra bidi y tridimensional) y fotografía, teniendo como hilo argumental las ciudades de New York y Barcelona y lo que representa cada una de ellas para la modernidad.

El certamen tuvo un jurado mediático y vinculado en mayor o menor medida al arte, aunque me quedo con los ganadores y algunos de los finalistas, entre ellos reputadas figuras del arte urbano nacional como Zosen y el Chupet Negre. De la lista de ganadores, destaco Gemma F. Matas, con su recreación pictórica de la Estatua de la Libertad y Colón, una extensión del Honey Moon Project de Antoni Miralda; y los Reflejos Transcontinentales de Nolvenn Le Goff Bernal, dos cuadros opuestos que contienen una versión tridimensional y representativa de las ciudades homenajeadas.

La buena noticia es que, hasta entre los finalistas, existen trabajos de gran calidad, como La torre Apple de Jens Selin o las ilustraciones a partir de hilos de Victoria Quintero. En resumen, una veintena de artistas con un elemento en común: la contemporaneidad.

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Aunque la principal premisa de la exposición Forgotten sea, como su nombre indica, el olvido y la facilidad de algunos emplazamientos para dejarse ignorar por la historia, las obras elegidas en esta colectiva fotográfica de la galería Víctor Lope van más allá del paisajismo decadente y ahondan en la memoria histórica. La gran mayoría evocan décadas de pasado esplendor, como el caso de la villa siciliana retratada por Bernhard Quade; o construcciones de nula funcionalidad, como las fotografías que representan al proyecto Amnesia de Kristina Kostadinovas, que recorrió Bulgaria en busca de los más representativos edificios y monumentos que produjo el Partido Comunista Búlgaro entre 1945 y 1989. La influencia de las formas soviéticas sucumbe al abandono, generando escenas de gran fuerza y belleza arquitectónica.

En una línea esencialmente parecida, pero centrada en esa gran metáfora atemporal que es el camino, encontramos la serie del español Eduardo Giménez. Sus Piedras negras cuentan con el encanto visual de una road movie, aunque algunas de sus instantáneas parezcan extraídas de La Carretera de Cormac McCarthy.

Merece una mención especial el trabajo de Jonny Paw y sus fotografías nocturnas, en las que, a través de unos escenarios bulliciosos (parques de atracciones y campos de fútbol, por ejemplo), habla de la transformación de las ciudades al caer la noche. Ni los esfuerzos del hombre por alejar a la oscuridad evitan el desasosiego que produce un mundo dormido.

Completa la muestra el georgiano Badri Lomsianidze, el único que se sumerge plenamente en la decadencia para dialogar con el pasado comunista de su región. Su serie Tarkoski da Stallini es una brillante excepción en una carrera dominada por el collage fotográfico y las instalaciones.

Aparte de su temática y evidente calidad, Forgotten destaca por sus protagonistas, poco conocidos en nuestro país pero brillantes en el aspecto técnico. Una colectiva muy recomendable.

Enlace: Galería Víctor Lope

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