El mundo de la fotografía de moda tiene en este país algunos héroes indiscutibles, capaces de adentrarse en la selva de las tendencias y sobrevivir a sus caprichos sin sacrificar el estilo que los dio a conocer. El caso de Ramiro E es uno de los más destacados, un ejemplo de solidez a nivel técnico que le ha permitido recorrer las siempre interesantes caminos de la experimentación. Uno de sus proyectos más valorados, Girl of the Month, nos descubrió el potencial de la red para desarrollar nuevos discursos fotográficos. Parte de ese material podemos encontrarlo ahora en su Girlzine, una publicación en la que Ramiro ha puesto mucho esfuerzo e ilusión.
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¿Por qué el formato fanzine?
Llevo varios años enseñando mis fotos más personales en medios digitales, desde la era del fotolog… Después de todo este tiempo me he acabado cansando de Internet. Por otro lado, yo nunca había hecho un fanzine, de modo que hacer uno se me planteó como una alternativa fresca y nueva para mí. El fanzine me permite controlar todos los aspectos de la presentación de las fotos y de los contenidos, me da libertad absoluta.
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La galería Espai [b] ofrece desde comienzos de mes una muestra colectiva protagonizada por las filias urbanas y coloristas de una decena de fotógrafos, entre ellos alguna que otra celebridad cuya aportación resulta comedida e igualmente merecedora de respeto.
En [100x100 PHOTO 2011] encontramos todo tipo de tendencias fotográficas, siempre con el escenario como protagonista, ya sea una calle infestada de neones (como en el trabajo en tierras orientales de Benet Solina) al espíritu americano de Bito Cels y Ona P. A destacar las series industriales de Sandra González (con especial énfasis en la obra Comunicaciones), las atmósferas grises Eudald CJ y los experimentos ópticos de Anna Salvatierra. Una selección brillante de artistas que combaten con técnica y calidad al intrusismo y la repetición de argumentos, males endémicos de la fotografía contemporánea. Seguir leyendo »
La madrileña galería Estampa muestra desde el pasado 3 de febrero la obra reciente de la fotógrafa Rosa Basurto, caracterizada por un marcado protagonismo del paisaje y una extensa colección de símbolos que dotan de una mágica profundidad a su discurso. Atmósferas preborrascosas y culto a lo esencial se conjugan en la serie Hábitat, donde, a través de unos espacios mínimos ubicados en interminables horizontes, contemplamos algunos lugares comunes y vinculados a la definición de la palabra “hogar”: Un sillón, con dálmata incluido; una mujer duchándose en medio del campo; un tocador ubicado en un paisaje nevado. El conjunto tiene algo de teatral, como si el director hubiera prescindido de los actores porque el atrezzo se ha mostrado más convincente que ellos.
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La serie Escaparates de la artista barcelonesa Anna Malagrida tiene, aparte de una reflexión acerca de nuestras percepciones, un componente arqueológico. Porque sus escaparates son algo más que sirenas atrayendo a nuestra esencia consumista; la mayoría, abandonados o en proceso de remodelación, poseen distintos de niveles discursivos, en algunos casos casi imperceptibles. Por un lado, la fotografía general que habla de unos tiempos de recesión en el París de 2008; por otro, un elemento expresionista nacido de los brochazos de pintura blanca que los identifican como parias del mecanismo mercantil; y, finalmente, una confrontación interno/externa en el momento en que en el mismo plano conviven el estático contenido con el reflejo de una ciudad en movimiento. Este conjunto de fotografías, sumadas al video El limpiador de cristales (2010) componen las obras presentadas en la galería Senda, imágenes en gran formato que invitan a la reflexión y exploración de sus complejos matices. La proyección, en concreto, sigue el trabajo de un limpiador de cristales que, grabado desde el interior de una galería de arte, enjabona y limpia la superficie de su escaparate, dejando entrever poco a poco el complejo universo a sus espaldas, la rue Delcassé de París en una mañana de domingo.
Respecto a Anna Malagrida, destacar sus últimos éxitos en Miami, Madrid y la reciente exposición en el Centre Photographiqie d’Ille de France, así como su presencia en importantes colecciones nacionales, como ARTIUM, MUSAC o la Casa de Velázquez.
Aunque a finales de este mismo mes aparecerá en el mercado un nuevo libro de Michael Kenna, vale la pena recordar la retrospectiva que se editó el año pasado recogiendo 20 años de su obra, en concreto, los que van desde 1977 a 1994, tres décadas en las que ha cosechado éxitos a lo largo del globo. Las claves: fotografiar con pasión y una técnica tan depurada capaz de desafiar a la esencia pictórica. Sus instantáneas cuentan con idénticas dosis de sensibilidad y fuerza, concediendo todo protagonismo al paisaje, tan fascinador que en ocasiones parece ajeno a nuestro mundo.
A través de las más de 200 fotografías en blanco y negro que componen este volumen, repasamos los viajes del artista y de un estilo con tendencia a enfatizar el drama, un juego de luces y sombras que le ha llevado por escenarios tan tétricos como los campos de exterminio nazis, por la espectral central energética de Ratcliffe, la Venecia más romántica o el misticismo de Japón. Todos sus trabajos tienen algo de etéreo. Habitual de las noches profundas y los amaneceres brumosos, Kenna nos transporta a una realidad intangible, a esos reinos secretos que sólo pueden existir en nuestros sueños. Él los hace reales, los desnuda de civilización y ofrece en su esencia más pura. Cada fotografía es una tópica (pero necesaria) ventana a otro mundo y Michael Kenna un intérprete de ese viejo lenguaje llamado belleza.
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Susan Bright, curator y escritora especializada en fotografía, pone su experiencia y criterio al servicio del gran público en Auto Focus: The Self-Portrait in Contemporary Photography, un volumen en el que ha reunido a 75 brillantes fotógrafos de todo el mundo bajo una premisa tan inocente y sencilla como el autorretrato. Pero lo que supone de buenas a primeras un “más de lo mismo”, se convierte previo análisis en un ejercicio de demoledora post modernidad. Aparte, Bright se ha alejado de las superestrellas del género en beneficio de sus caras más jóvenes o alternativas, garantizando un punto de agradecida experimentación y riesgo.
Esto no quiere decir que sea un libro poco accesible para los aficionados. Al contrario. La autora se ha asegurado de que, aparte de una completa introducción acerca de la historia del autorretrato (que va de 1840 a finales del siglo XX), cada obra incluida en la recopilación incluya un texto introductorio con los cómos y porqués que la justifican. Sin duda, una agradable guía que, a su vez, se divide en cinco partes diferenciadas por su temática. Así, encontramos una sección autobiográfica; otra que se centra en partes concretas del cuerpo; una en la que las máscaras son las protagonistas; otra que analiza los trabajos de estudio; y una última sección interpretativa, donde la instantánea convive con la acción.
En resumen, un libro ameno que, más allá de lo que uno pueda aprender de cada trabajo y artista, esconde lecturas muy contemporáneas y expande los horizontes de una disciplina que, al menos a nivel usuario, se ha convertido en indispensable. Porque, ¿quién no ha tenido una cámara entre sus manos y se ha hecho una foto a sí mismo?
© Trish Morrisey
(c) Tomoko Sawada
Montana Gallery Barcelona inaugura este 24 de mayo la primera muestra en España de TILT, uno de los artistas urbanos franceses de mayor proyección internacional. Su reconocido estilo –sus bubble letters, pueden considerarse una marca– y la pasión por el graffiti sazonado de pop convierten su muestra en un acontecimiento remarcable y que, para la [...]
