Uno tiende a olvidarse de que el arte es una herramienta de comunicación y que sus discursos son tan variados como idiomas hay en el mundo. El de Orne Cabrita (Caracas, 1985) no busca otra cosa más que despertar el interés del público por los oxidados engranajes que mueven la sociedad, que se formule preguntas de las difíciles, de las que hablan de sociedades manipuladas por el consumismo y la modernidad. Y sus ilustraciones reflejan esa lucha contra lo establecido, dejando que la crudeza sea portavoz de un estilo surrealista y en parte pop que, pese a la evidente influencia low-brow, debe mucho al arte urbano más espontáneo y directo.

Sean ilustraciones, pinturas e incluso instalaciones, el trabajo de Orne no se anda por las ramas; funciona con idéntica eficacia sobre el papel, el muro y la madera y, sobre todo, brilla en los formatos medios, aunque no dude en sacarle partido a los grandes cuando surge la ocasión.

La conclusión: Seguidle la pista.

Enlace: Web Oficial

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Argentino, pero residente en Barcelona, Gustavo Eandi (Mar del Plata, 1981) es un ilustrador de complejo mensaje y mutables formas, algunas muy sencillas y directas y otras protagonizadas por los detalles. Un artista de extremos, de un trazo que oscila entre la orfebrería de los grabados del siglo XIX y la brusquedad del underground más anárquico, un lenguaje de sombras y degradación. Pero a su vez sabe jugar con las percepciones de la gente y atraernos con su peculiar y escatológica visión de la sociedad. Lo que podríamos llamar “una sucia fascinación”.

Enlace: Gustavo Eandi

María Melero pertenece a esa corriente de ilustradores que abogan por el lado más folkie y cotidiano de la realidad, ese mundo a nuestro alcance donde un tarro de galletas o una bandeja de sushi pueden ser los protagonistas de muchas historias. Pero también puede recurrir a la fantasía con elegantes animales antropomórficos (osos, monos y ciervos) o una serie de damas surgidas de un freak-show (faquires, contorsionistas y barbudas), personajes de un universo construido, como si una clave Morse se tratara, por puntos y rayas. En las ilustraciones de María abundan las tramas puntillistas y las líneas discontinuas, trabajos de precisión que ganan mérito en el gran formato. Y si unimos a la ecuación el color, vivo e intenso, el resultado no puede ser más naïf y resultón.

Actualmente, sus ilustraciones se pasean por la prensa de tendencias y el shopping, plasmando sus dibujos en bolsas y camisetas bajo la firma ELBARCODEPAPEL, luchando con ilusión y trabajo por hacerse un hueco en un mundo cada día más competitivo.

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Jeremy Geddes es un caso especial dentro de la escena pictórica australiana. Con sede en Melbourne, ha huido del colchón (y en ocasiones ancla) que suponen las galerías de arte para venderse por todo lo alto en Internet o en pequeños círculos controlados. Otros en su lugar ya se habrían estrellado, pero también es cierto que son pocos los artistas con una propuesta tan llamativa como la suya.

Algunos dicen que sus obras son fotorrealistas, aunque Jeremy no lo tiene tan claro. Invita a adentrarse en los detalles del lienzo y descubrir los paralelismos con los artistas del siglo XIX, una suerte de prerrafaelismo en el que los bellos y bucólicos paisajes se sustituyen por edificios derruidos y personajes en actitudes hostiles o, cuanto menos, pintorescas. Un universo de gran formato delimitado por los cuatro ángulos rectos del lienzo, cruciales en sus composiciones. Porque mientras otros artistas disimulan todo lo posible este límite físico y psicológico, Jeremy se aprovecha de él para asfixiar al público y guiar su atención en la dirección que más le interesa, ya sea el clásico centro de la obra o una de sus esquinas. Lo importante es generar tensión.

Con experiencia en el desarrollo de videojuegos, su estilo tiene algo de arte conceptual, cuenta con una narrativa compleja (o, como él mismo dice, oblicua), y juega hábilmente con el estatismo y el movimiento, intercalándolos con facilidad y hasta rigor cinematográfico. Es en una de sus series más populares, la protagonizada por un cosmonauta que deambula por una inhóspita ciudad, donde su talento alcanza cotas de maestría, fundiendo influencias y los siete años de formación autodidacta que tiene a sus espaldas. Las llaves de una puerta que conduce a un mundo de reglas únicas, una realidad melancólica e ingrávida.

Enlace: Jeremy Geddes

Conocido por sus grotescas composiciones y su descarnado uso del color, Albert Bertolín es un experto en deformar el comportamiento humano, vestirlo de rabioso low-brow y entregárselo al público para que saque sus propias conclusiones. Irónico, engañosamente naïf, divertido, fascinante y, además, responsable de NFgfx, un proyecto paralelo que engloba, aparte de sus ilustraciones, numerosas obras de arte pixelado: efímeros videojuegos, frames experimentales y un universo de colores parpadeantes no aptos para epilépticos y enemigos de lo retro.

Algunos lo reconoceréis por sus aportaciones a la revista ROJO magazine, los mismos que editaron Kultur Toilette, el libro de cuentos ilustrado que, pese a no contar con texto, desbordaba detalles y dobles lecturas. A eso, se le pueden sumar colaboraciones con LeCool, LingMagazine y otras reconocidas publicaciones de arte y tendencias.

Y como muestra de su faceta audiovisual, 17 espectaculares segundos de su Zombie Rave, la fiesta en la que todos querrían estar.

Zombie Rave from NOFUN gfx on Vimeo.

Enlace: NoFun

La dificultad de entrevistar a un artista de múltiples facetas es no dejarse nada en el tintero y que todos los aspectos de su producción queden reflejados en las preguntas. Naturalmente, no siempre se consigue, pero basta con aproximarse para sentirse satisfecho. Con Antonio Ladrillo me ha ocurrido algo parecido: Diseñador, ilustrador, pintor…, su relación con lo artístico daría para varias entrevistas, así que, en un obligado ejercicio de concreción, me he lanzado a la esencia de su trabajo y todos esos elementos que hacen a sus obras únicas y atractivas. El resultado, ocho preguntas que nos acercan a un artista que apuesta por las dualidades clásicas y la complejidad de lo aparentemente sencillo.

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Lo que más llama la atención de tus creaciones es el hecho que engloben por igual diseño, ilustración y pintura. ¿Cómo llegaste a ellas y en qué orden?

Desde que puedo recordar he estado interesado por las formas, los colores y el espacio. Por cómo son percibidos, por su manera de convivir  y ocupar los lugares. La mayor parte de mi vida la he pasado pintando, fue alrededor de los veinte años cuando llegué al diseño a través del arte. Creo que aunque las similitudes entre ilustración, diseño y pintura son numerosas, también son muchas las diferencias.

Y aunque tengan puntos de conexión, tus creaciones en cada una de ellas son muy distintas. ¿Inquietud o buscas una diferencia premeditada?

Las conexiones son inevitables, al igual que sus diferencias. No es, por tanto, algo premeditado. Cada medio tiene su propia manera de existir. El proceso a la hora de pintar un cuadro de 2 x 2 metros no es el mismo que el que se lleva a cabo a la hora de hacer un flyer para un club. En los dos se está trabajando con elementos o situaciones que pueden ser comunes, pero el objetivo y la razón de ser es muy diferente en cada caso.

Tu obra plástica aboga por la geometría pero a su vez es espontánea y no se deja tiranizar por las formas convencionales. ¿Qué intentas transmitir y por qué hay una predilección por el blanco y negro?

Podríamos hablar de una geometría gestual; una base geométrica rota, sin embargo, por el gesto. Me interesa especialmente el sentido de lo clásico, de lo que perdura en el tiempo, lo atemporal. “Un hombre del siglo veinte produce una sombra bizantina violeta oscuro”, escribió Yehuda Amijai. Tengo obsesión por cómo envejecen las cosas, cómo aguantan la mirada y de qué manera responden ante el pensamiento.
La reducción al blanco y negro me atrae por la eterna dualidad entre lo claro y lo oscuro, lo lejano y lo cercano, lo lleno y lo vacío, y también, o al menos así lo percibo yo, entre la geometría y lo gestual. El blanco y el negro me permiten trabajar esa dualidad que tanto me interesa. Es una reducción que genera ideas claras, y volviendo al tema de lo clásico y lo atemporal, satisface mi inquietud por estos aspectos.

¿Y a qué se debe este contrapunto naïf en tus ilustraciones?

Lo naïf me atrae en el sentido de lo poco sofisticado, de aparentemente poco trabajado, de lo despreocupado y audaz…
No me interesa atrapar todos los detalles y en lo naïf hay cierta plasticidad en la que me siento a gusto, las formas y los colores tienden a ser un poco más libres sin perder la referencia a la que aluden, y no solo me refiero al resultado final de la imagen sino al proceso.

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