Nitoniko es el proyecto personal del valenciano Juanjo Pedro. Con su disco Selva de mar (2010) se ha hecho un hueco dentro de la escena electropop actual tras siete años de conciertos por todo el país y tres maquetas. Hacía años que himnos como Los chicos de ahora se coreaban en las salas españolas pero no ha sido hasta ahora cuando han llegado hasta las casas en formato físico.

Se trata de un álbum muy cortito, de apenas 40 minutos. “Sí, es cortito. Teníamos tres canciones más pero se quedaron fuera”. Es un disco muy positivo, alegre, lleno de amor. Un disco que refleja a la perfección tu personalidad.  “Es un disco que muestra muy bien mi manera de hacer las cosas. Cuando compongo me desnudo completamente.  Es un poco arriesgado porque es muy sincero. Escribo como me sale.  Escribo lo que siento en el momento sin intentar esconderme en las palabras”.

¿Por eso hay frases en catalán en algunas canciones? “Habrán más inmersiones en el catalán, pero no serán mías. En especial, esta frase a la que te refieres es una frase que diría una persona en concreto y la diría en catalán. Es un poco coherente con aquello de expresarme como me siento en cada momento. Si la frase es en catalán, es así.”

Siguiendo el dicho “Nadie es profeta en su tierra”, Nitoniko fue llamado desde México para ficharle. “Nunca me había planteado publicar mis canciones hasta que me llamaron del sello mexicano. Me descubrieron en Myspace y me quisieron para una recopilación en Sudamérica. Entonces decidí grabarlo en serio. Da un poco de rabia que tenga que ser alguien de fuera quien se de cuenta de lo que haces. Es complicado que la gente valore lo que cuesta tu trabajo. Es como Pony Bravo, que siendo sevillanos les han publicado sus discos en Barcelona. En general, los españoles somos bastante reacios a valorar lo que tenemos al lado, aunque el tema es complejo. Por mi parte, estoy contento de que se fijasen en mí en otro continente. No sólo se han fijado en mí en México sino que también he tenido contactos con Argentina, Perú, etc.”

Pero, al cabo de poco, recibiste una llamada de Green Ufos… “Sí. Me llamaron y me dijeron que eran fans desde hacía tiempo y creían que ya tenía discográfica.  Nosotros pensábamos que no cuadrábamos en su perfil pero se ve que sí. En seguida quedamos con ellos para comentar cómo empezar la relación. Como ya tenía discos grabados y caras B, decidimos hacer un nuevo diseño y acabar de decidir el orden de las canciones. Ellos fueron los que quisieron poner la versión de Massiel. Yo tenía una demo y ellos quisieron que continuase adelante.”

Junto al disco, ofreces la descarga gratuita mediante Bandcamp. “Sí, es algo de sentido común. ¿Quién no se descarga discos gratis? ¿Por qué poner una barrera si cualquier web o blog lo hará? La gente a la que le gusta el grupo, compra el disco igualmente. Es un disco de tirada corta con un diseño apetecible que incluye póster y otros materiales atractivos para los fans.” Así, no es raro que se haya vendido casi todo lo editado hasta ahora.

Se ha dicho que tu sonido es electropopnaif. “Bueno… Es difícil saber lo que estás haciendo. La gente siempre lo cataloga antes de que tú mismo lo sepas.  Sí que tenemos un sonido frío y caliente a la vez. La frialdad viene de la programación digital mientras que lo caliente es fruto de la voz, que siempre está muy por delante, y de los muchos arreglos acústicos.”

Aunque Nitoniko es un proyecto personal, en tus conciertos te rodeas de una buena banda. “La necesidad de los directos me llevó a buscar a gente.  La música en directo la debes crear con más personas. Cada viaje nos une más entre nosotros y eso se comunica en el escenario.  Si el grupo está unido, todo es mucho más bonito. Aina Godoy es mi mano derecha. Ella lleva las guitarras. El resto del grupo ha ido variando un poco. Actualmente están Laura Martínez como técnico de sonido,  Paulo Murphy para producir las bases en directo y pulir el sonido, y Víctor López a la batería. En el disco, la batería es pregrabada pero para los directos quería una real.”

“Ahora estamos introduciendo las guitarras eléctricas para ofrecer unos directos más bailables.” ¿Tienes pensado seguir por esta línea? “Sí. Ya tengo muchas canciones nuevas y estamos trabajando en grabar más demos y pulir nuevas canciones para sacar un nuevo disco de cara al 2012. Queremos un disco un poco revolucionario. No queremos un corte, porque lo que hay es mi personalidad y no la cambiaré, pero sí que queremos algo que sea muy pop pero también muy bailable. También me gustaría probar con canciones donde se muestren otros estilos que no sean pop, como por ejemplo, el funky.”

Nitoniko ha tenido vídeos antes que disco publicado. Recuerdo hace años varias presentaciones de algunos de vuestros vídeos en bares y salas pequeñas como previas a los conciertos. Tus videos tienen la firma de Lyona. “Es un placer trabajar con Lyona. Nos entendimos desde el principio. ¡En el último vídeo sudé muchísimo porque la ropa que llevaba no transpiraba! Tenemos la idea de hacer un vídeo que acompañe las remezclas pero está por definir. Sería el último de este disco.”

Así, podemos adelantar que haréis un EP de remezclas del disco antes del verano.  “El tema del EP está muy avanzado. Será una edición digital que estará disponible a mediados de julio. Llevará una versión nueva de Ya no y remixes de otras canciones del disco a cargo de Powlow y Bolmer. Lo anunciaremos todo en la web www.nitoniko.com a finales de junio”

Con el tiempo, surgen las colaboraciones con otros grupos. Habéis tocado con gente a la que admiras como pueden ser Hidden Cameras, Au Revoir Simone o  Hidrogenesse. “Al principio es algo que coges con miedo pero cada vez  se lleva mejor.  Es una experiencia increíble que da mucho respeto pero que es genial”.

¿Te gustaría tocar alguna canción en especial con alguien en concreto? “He tocado con mucha gente de la que soy fan, pero quizá me gustaría mucho hacer una versión de Hyperballad de Björk con Patrick Wolf”.

Grabar es una cosa y el directo es otra. “La parte agradecida de todo esto es poder conocer al público de tu a tu. Es un público que nos apoya muchísimo. Lo valoramos mucho. Llegar a otros sitios no es fácil y que alguien te reconozca el trabajo es muy bonito. También valoro el hecho de que hacer conciertos nos ha permitido conocer artistas que admiramos. Por ejemplo, en Madrid cantamos con Algora, de los que somos muy fans, y con Corazón, una gente muy maja.”

“Vamos haciendo conciertos aquí y allá. Como el disco salió en México y luego en España,  no hemos hecho gira. Vamos tocando y confirmando, a concierto por mes. El próximo concierto es el 11 de junio en el Pop Bar (Sala Razzmataz.. 02:00h), donde trabajaremos un nuevo concepto de puesta en escena en el que colaboramos con la empresa de diseño CO y Roberto Piqueras, pero después de verano confirmaremos más fechas.  En principio, queremos pasarnos el verano preparando canciones nuevas, lo cual no quiere decir que si podemos hacer algo puntual no lo hagamos.”

Y tras las apariencias y letras edulcoradas encontramos un disco de meticulosa producción, que aunque cuenta con muchos picos electrónicos es, en esencia, pop. En él podemos encontrar desde la influencia de The Hidden Cameras al reconocible sonido Family, unas referencias musicales que, combinadas, generan un sonido tierno y melancólico que, aun así, está lleno de esperanza.

Quizá peque de excesiva inocencia en algunas canciones, pero tampoco se le puede negar el empaque que el disco tiene en su conjunto y esos hits automáticos que son Voy a ponerme guapo y Los chicos de ahora.

Distribuido por Green Ufos, Selva de mar aún puede encontrarse en descarga gratuita dentro de la plataforma Bandcamp.

***

Existen diferencias evidentes entre vuestro anterior disco y este Love or Die, pero ¿qué cambio como músicos habéis experimentado en este tiempo? ¿Qué habéis aprendido y aplicado a este nuevo LP?
Quizá la diferencia está más en la intención que en una evolución personal de cada uno. Me explico: cuando grabamos el primer disco veníamos de ensayar mucho tiempo en el local sin ninguna intención de hacer temas que se tuvieran que conjuntar en un disco. Se podría decir que nos metimos en el estudio más porque tocaba que por otra cosa. Con el segundo empezamos a trabajar en el local a sabiendas de que lo que sacáramos de ahí seria tarde o temprano nuestro segundo disco y eso hizo que lo compusiéramos de otra manera. Si algo hemos aprendido con este segundo disco es a no forzar las composiciones, intentando que todo saliera de forma natural, lo cual siempre es difícil cuando te pones fechas límite.

Aunque seguís siendo melódicos, hay más elementos rockeros en vuestras composiciones. ¿El objetivo es alejarse de la etiqueta hardcore o es el resultado de una evolución espontánea?
La verdad es que no nos hemos considerado nunca un grupo de hardcore. Cuando vienes de esta escena, y nosotros lo hacemos a mucha honra, te das cuenta de que el hardcore solo es la punta del iceberg. Un inmenso iceberg que engloba multitud de estilos como son el rock, el soul, el metal, el punk y un largo etcétera. No es nuestra intención inventar nada ni dejar obsoletas todas estas etiquetas. Simplemente intentamos hacer las cosas de forma natural y sintiéndonos cómodos todos los miembros del grupo, así que si el disco suena más rockero es porque los cuatro nos sentimos bien con eso.

La crítica evoca a The Unfinished Sympathy cuando habla de vosotros. ¿Qué os parece que Bullitt se convierta en un grupo de referencia?
La verdad es que ahora mismo nos sentimos muy halagados y con una mezcla de perplejidad y responsabilidad. Que de golpe te comparen con grupos de la talla de TUS o Aina, que son dos de nuestros grupos preferidos de todos los tiempos, te llena de orgullo pero al mismo tiempo tienes una sensación de que los acontecimientos te están sobrepasando un poco. No dejamos de ser cuatro colegas que tocan simplemente porque hemos crecido tocando y no sabemos vivir sin tener que ensayar o con algún concierto a la vista el próximo fin de semana.
Si seremos un grupo de referencia o no lo sabremos dentro de 10 o 15 años. Si la gente todavía nos recuerda entonces volvemos a hablarlo.

Uno de los sentimientos que más está despertando vuestro disco es la nostalgia. ¿Vosotros también sentís añoranza musical por los noventa?
No es solo añoranza musical, sino de todo en general. Recuerdo esos años como los mejores de mi vida. Viviendo en Sant Feliu de Guixols tenías la oportunidad de ver dos o hasta tres grupos cada semana, nacionales e internacionales, por una miseria de entrada. Así aprendimos a tocar muchos de los grupos que hoy estamos sacando discos, viendo conciertos, viviendo ese ambiente, observando y hablando con grupos de todo el mundo. Hoy en día todo está muy profesionalizado y es mucho más difícil encontrar ese ambiente tan productivo para que nuevas generaciones sigan la estela marcada por esa década. Y, a decir verdad, esto es lo que más me entristece.
La Sgae y el afán de recaudar del Estado se están cargando toda esta escena que enriquecía a nuestros jóvenes y a nuestra cultura, cortándoles las alas desde el principio y causando un daño muy difícil de recuperar.

¿Por qué os decidisteis por un título como Love or Die?
Xavi es el encargado de hacer las letras, además de cantarlas, y a él se le ocurrió el nombre. Creo que buscaba algo muy directo, escueto y que a la vez fuera una declaración de intenciones. El chaval además es un romántico de cuidado, con que…

¿Cómo veis el panorama actual dentro de vuestro género?
Creo que dadas las circunstancias que te comentaba anteriormente podemos estar muy satisfechos de todas las bandas acojonantes que salen de nuestro país y del nivel que facturan hoy en día. Bandas de la talla de Nueva Vulcano, Vistalegre, Hurricade, Nothink, Two dead Cats, Toundra… ¡Es una pasada!

¿Qué tal os ha sentado trabajar para BCore?
Tener una discográfica como BCore detrás ha sido un paso muy importante para nosotros. El simple hecho de tener su confianza ya te da un empujón para seguir tocando y, además, nos ha facilitado mucho las cosas tener un equipo de trabajo como el suyo. Date cuenta de que (por supuesto) ninguno de nosotros se gana la vida tocando a día de hoy, es decir, que todos trabajamos 8 horas al día aparte de mantener a flote el grupo y eso conlleva mucho trabajo y, por qué no decirlo, mucho aguante. Así que tener a alguien que se preocupa del papeleo, del booking, de la distribución de discos, etc., y además con la eficiencia y repercusión de BCore es como un regalo caído del cielo o, como diría Santi: “Aigua de Caldes!”

Enlaces: MySpace | Blog

***

¿Qué es Hocma y cómo llegar a ella? ¿Qué hilo argumental sostiene este LP?

Hocma es un concepto que he utilizado en esta historia porque el significado previo se ajustaba muy bien a lo que quería ir explicando. Sin embargo he de decir que el significado concreto de Hocma dentro de este proyecto es algo que se irá desvelando con el paso del tiempo y más entregas.
Respecto al hilo argumental, se podría decir que el disco es un pequeño prólogo en el que se explican, de un modo u otro, ciertos lugares y arquetipos que, al igual que Hocma, irán apareciendo gradualmente. Algo así como una pequeña pieza dentro de un puzzle más grande.

¿Qué vino antes: los temas o el concepto que los unifica?

Sin duda el concepto que los unifica. Fue la base desde la que cimentar la musicalidad propia de cada paisaje o personaje.

Sin amplificadores, guitarras y ni tan siquiera el apoyo de un estudio, ¿cómo decides enfrentarte a un disco tan desnudo de medios convencionales?

Fue algo bastante gradual, la verdad. Vi que iba acumulando bastantes ideas y decidí tomármelo más en serio para poder darle un acabado con el que pudiese sentirme cómodo en todos y cada uno de los aspectos. Sobre todo componer y creer en tu proyecto, pensar continuamente en cómo mejorar el sonido de cada elemento del que dispones y cuidar cada detalle por ínfimo que sea. En cuanto al hecho de que no haya amplificadores o que no haya decidido entrar a un estudio a grabar podría tener varias respuestas, pero la principal es que la economía nunca ha sido algo que haya estado de mi parte, así que con lo poco que tenía a mi alrededor hice (y hago) lo que pude.

¿Y qué puedes decir a favor del bajo eléctrico, la estrella de Path To Hocma?

Es un instrumento maravilloso y con mucho más rango de acción del que se le suele achacar. Siempre me he sentido muy cómodo con él y la verdad es que me ha incitado mucho a investigar sus posibilidades. Creo que podría dar mucho más de sí en el panorama musical actual y que no debería limitarse únicamente al rol al que suele estar encasillado.

¿La autosuficiencia es peligrosa o es el futuro de los músicos y bandas?

Sí que es peligrosa, sí, sobre todo al principio porque nadie o casi nadie te toma en serio. Creo que tiene puntos muy buenos como que tú puedes controlar cada uno de los pasos dentro de la producción, y puntos no tan buenos como que es más difícil hacerlo llegar a más sitios sin una distribuidora, o que tienes que hablar y hacer la promo tú mismo del disco en vez de otra persona y eso, no suele estar muy bien visto. No me atrevería a decir si la autosuficiencia es el futuro o no de los músicos o las bandas, pero sí que, ahora mismo, es algo que suele dificultar la difusión en muchos medios. Sin embargo, estoy convencido de que esto al final es como todo en esta vida: El que perdura es el que tiene la fuerza que decía Camarón. Intentemos añadirle además un poquito de buen hacer y mucha pasión, el resto ya vendrá si tiene que venir.

Componer, interpretar, grabar, producir, etc… ¿En qué faceta de las muchas que has mostrado te sientes más cómodo? Y por el contrario, ¿hay alguna que, una vez terminado el álbum, no repetirías?

Si me obligasen a elegir a punta de pistola o alguna cosa así supongo que me decantaría por la composición como mi favorita, aunque la verdad es que no podría decidirme por ninguna de ellas a día de hoy. Todas son mi motor y una verdadera pasión para mí. En el caso contrario, no puedo decir que no repetiría ninguna de ellas una vez terminado un álbum porque lo cierto es, que si de mí dependiera, no dejaría nunca de componer, interpretar, grabar o producir ni durmiendo.

¿Cuánto tiempo has invertido en Path to Hocma?

Pues teniendo en cuenta todos y cada uno de los trámites… un año exacto, aunque musicalmente el disco entero estaba terminado bastante antes de que saliese a la luz.

Aunque se aprecie la influencia de otros artistas, tampoco son una constante en tu sonido. ¿Cómo de bueno es no tener unos referentes definidos?

Bueno, sí creo que tengo referentes bien definidos. Quizás es que son muchos, eso ya no lo sé. Sobre todo intento hacer que todo lo que hago lleve ese sello que haga que el que lo vea, oiga o lea diga “es muy tú”, indiferentemente de qué escuche yo o qué me influencie. Me parece muy interesante poder disfrutar cada detalle de cada música o ruido que pueda cruzarse en tu vida aprendiendo continuamente de sus detalles y generalidades. También es verdad que hay gente que necesita encasillar rápido cualquier cosa que ve, oye o lee, así que es posible que Path to Hocma se les haga un poco cuestarriba al principio.

¿Ofrecer el disco en descarga directa es una decisión estratégica o de lucha contra lo establecido? ¿Qué te impulsó a esta decisión?

Pues la verdad es que no tiene nada de estratégico. Una vez más son muchas las razones que me llevaron a tomar esta decisión aunque sí que podrían entrar dentro de “lucha contra los establecido” de alguna forma.
Respeto y entiendo perfectamente que el arte, hablando a grandes rasgos, se venda, pero considero que todo lo que termina siendo influenciado por el dinero se va alienando de una forma u otra con el paso del tiempo con lo que procuro que a mi proyecto no le suceda de ninguna forma.
Tampoco soy muy amigo del dinero y poner una barrera más a la gente que quiera conseguirlo ni me apetecía ni me parecía correcto. ¿Cuántas veces habré querido comprarme un disco y me he quedado sin escucharlo o disfrutar de su artwork por no tener ni un chavo? ¿Y todo lo que me ha dado el arte a mí? ¿Podré devolvérselo yo de alguna forma?
Grosso modo, una vez planteado todo esto, decidí ser consecuente. Píllate el CD de gratis, te lo envío sin que pagues ni un céntimo ni por el CD ni por los gastos de envío y si algún día quieres, puedes o te apetece, le das al botón de donar y santaspascuas y sino, santaspascuas también.

Aunque has contado con ayuda, la mayor parte del trabajo tras Path to Hocma recae en tus manos. ¿Qué será lo siguiente? ¿Existe un “más difícil todavía” en tus planes futuros?

Más no significa más difícultad así que no creo que haga algo más difícil, pero sí es muy posible que lo que depara el porvenir dentro de este proyecto que inicia Path to Hocma descoloque bastante tanto por su contenido como por su continente.

Enlace: 413

En el segundo disco, Hablaremos del miedo (Jabalina, 2007), el rumbo cambió ligeramente y, a pesar de sus aciertos, fue a peor. Se mantenía la intensidad en las emociones y, además, éstas quedaban más claras con unas letras menos difusas, pero se perdía en las melodías y en la instrumentación. Con esto se lograba que las canciones fuesen más inmediatas pero se perdía uno de sus rasgos más característicos en un esfuerzo por llegar a un público más amplio.

Con este tercer disco, Luz, oscuridad, luz (Ernie Producciones, 2010), Nadadora parecen, por suerte, haber encontrado el equilibrio perfecto entre los logros de sus anteriores trabajos. Se ha mantenido, en algunos casos, los estribillos reconocibles y fáciles que exploraron en ocasiones anteriores, pero profundizando en las ideas del inicio. La sugerente voz de Sara Atán se entremezcla con potentes tramos instrumentales cimentados en sólidos muros de guitarras para encontrarse con la carismática voz de Gonzalo Abalo en esos duetos que ya se han convertido en una de las señas más reconocibles del grupo. Claro ejemplo de esto es Una nueva vida que, con una estructura repetitiva de emocionantes subidas y bajadas guiadas por las guitarras, el teclado y una muy buena melodía de batería, va tejiendo una retorcida declaración de amor. A destacar también los hits  1987 y Deshazte de mí, en la que la vista hacia un sonido más pegadizo obtiene un efecto absolutamente incontestable.

A pesar de que no hay ni uno solo de relleno, hay dos temas que destacan sobre el resto. Uno es Siempre, que no tiene nada que envidiar a otras composiciones de grupos internacionales, ni en la enigmática y perturbadora letra ni en la estupenda instrumentación que consigue meter al oyente en una perfecta burbuja de guitarras que retrotrae a los My Bloody Valentine más románticos. Me atrevo incluso a decir que es la mejor canción que han hecho Nadadora nunca. El otro es Solo sombra, una estremecedora canción en la que la utilización de la voz de Sara (y de Gonzalo en el último tramo) es uno de los puntos álgidos del disco. Una letra desgarradora, unas guitarras contenidas que acaban por estallar cuando se entremezclan las dos voces y tenemos, de nuevo, aquello que nos hizo enamorarnos de Nadadora hace unos años.

Decía al principio que Nadadora lleva unos años en la lista de grupos a seguir. Con su tercer disco se colocan en la lista de valores seguros. Se han perdido cosas por el camino, cómo por ejemplo algunos coqueteos con la electrónica que habían dado preciosos resultados, pero vale mucho la pena hacerse con él puesto que no solo es su mejor trabajo sino que nos encontramos, sin duda, frente a uno de los discos del año.

Por Helena Martínez-Alonso