Óscar García (Barcelona, 1970) es fotógrafo de conciertos, un oficio que ha sufrido dañinas transformaciones en los últimos años y al que no renuncia pese a las dificultades. Aparte de un excelente cronista de la escena musical barcelonesa, es un interlocutor formidable y la persona idónea para guiarnos por un mundo que muchos creíamos conocer y que esconde matices para todos los gustos.

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Tiempo suspendido.
La cosa comenzó más o menos a los 12 años, cuando iba de veraneo al pueblo de mi madre, en León. Me habían regalado una cámara de plástico, cutre, la típica cámara que se le regala a un niño, e hice fotos de mis vacaciones. Al volver a Barcelona vi que la fotografía me permitía revivir aquello. Me empezó a fascinar. A partir de ahí cogí la cámara por la ciudad y, con el tiempo, fui probando otras, así hasta que llego a la unión de esa fascinación por el tiempo suspendido presente en la fotografía con la música, mi otra pasión, que también se inició cuando debía tener doce años. Primero fui un comprador compulsivo de música, después quise ser músico… La fotografía de conciertos era la forma perfecta de fusionar las dos en una.

Arte u oficio.
La fotografía de conciertos es un oficio, quien te diga que es una carrera es un pedante. Es un oficio y tienes que hacerlo lo mejor posible. No niego que otro tipo de fotografía lo sea. En la fotografía de conciertos puedes tener ciertas inquietudes artísticas y aplicarlas a tu trabajo, pero en las condiciones en las que se realiza tienes que dar lo mejor de ti dentro de la infinidad de limitaciones que te imponen.

La degradación.
Está muy chungo. No sólo por las condiciones económicas. Se cuentan con dos dedos la gente que ahora mismo, en Barcelona, vive de la fotografía de conciertos. Incluso diría que con un dedo.
El panorama nacional está peor que el extranjero, pero creo que la cosa se está degradando a nivel global. La fotografía como oficio se está degradando en general. Somos un colectivo que poca gente toma en serio. Para algunos, los fotógrafos de conciertos somos lo peor de lo peor. Se nos acostumbra a ver como una serie de juerguistas que van a los conciertos para entrar gratis y se ponen en el foso a bailar a sus grupos preferidos.
Aunque creo que hay gente así. Absolutamente. Incluso hay quien actúa de esta manera y se jacta de ello, incluso mirando mal a los que no se comportan de esta forma.
Es cierto que fuera (de Barcelona) existe más respeto por la figura del fotógrafo de conciertos. Aquí es demasiado cool.

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Si existiera una guía para conocer a The Lady Sounds, recomendaría escuchar primero su primer EP y, luego comparar ese sonido tan auténtico y roquero con las fotos que tienen colgadas en su MySpace. Una vez asumida su juventud y las posibilidades que se les presentan por delante, daría una oportunidad a su directo, defendido en terrenos tan agrestes como el Indiependent, una plataforma que pretende dar a conocer a nuevas bandas por medio de una serie de batallas musicales: Un desafío ideal para un grupo que puede dar mucha guerra.

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¿Cómo llega una banda con base en Barcelona a ese sonido tan southern rock?
Algunos de nosotros siempre hemos sido unos amantes del blues americano más sureño de los años 10 y 20. Pero será que al fin y al cabo, estamos en el sur de Europa.

¿The Lady Sounds es vuestro primer proyecto o habéis tenido más experiencias musicales?
Bueno, el hermano del primo de nuestro mejor amigo tocaba el triángulo en la banda de su colegio. ¿Cuenta?

¿Preparados para que os etiqueten como “jóvenes con talento”, “artistas revelación” o parecido?
Siempre es agradable oír los halagos de la gente, menos cuando lo dicen por decir, porque se nota y no mola demasiado. Por suerte ya estamos acostumbrados; todos tenemos unas abuelas maravillosas. Pero preferimos que nos llamen “parecido”, sin duda.

Echándole un vistazo a vuestro MySpace uno descubre que, si algo no os falta, es actitud, descaro y ganas de encandilar a las chicas. ¿Vuelven las poses de rock star?
Hasta ahora nuestras poses de Rock Star sólo han conseguido encandilar a los chicos. Y no es broma. Pero seguiremos intentándolo.

Volviendo al MySpace, leía que vuestro género es el Tropical/Blues/Garage. Tras el desconcierto que genera la parte tropical, me preguntaba qué límites os habéis puesto con vuestro sonido. ¿En qué dirección pensáis llevarlo y qué es lo que nunca haréis?
Hasta hace poco nuestros límites estaban marcados por las guitarras cañeras y el ritmo contundente, pero nos dimos cuenta de que es absurdo ponerle barreras a nuestro sonido. Ahora nuestro estilo cambia con cada canción. Ni Rock ni Pop ni Jazz ni Indie. Y es que los humanos tenemos una fe ciega en las definiciones que da asco. Nuestro estilo no se define, ni que queramos.

Las comparaciones con Pink Floyd dicen mucho a favor vuestro. Más que preguntar si halagan o molestan, me intriga saber si os interesa la experimentación y la psicodelia que ellos defendían.
Lo único bueno –o lo peor- que tenemos es que nos interesa todo. No le decimos que no a nada. Incluso nos hemos planteado hacer Dubstep. Vamos probando cosas nuevas, y si nos mola nos lo quedamos. Somos errantes y en ocasiones erráticos, pero nos da igual.

¿Existe algún músico o banda a los que señaléis y digáis: «nosotros queremos sonar así»?
Los Panchos. Siempre los señalamos y suenan chachi.

¿Qué tal la experiencia del IndiePendent?
Increíble. El mundo necesita más propuestas así. Estoy convencido de que si el IndiePendent hubiera existido desde la prehistoria, no hubiera habido guerras mundiales ni vendría el Papa a Barcelona a gastarse nuestro dinero. Además, los que lo llevan nos tratan de puta madre y tienen acentos graciosos.

Un EP con cinco canciones que a muchos sabrán a poco. Pregunta tópica e inevitable: ¿Para cuándo el disco?

Un día de Luna llena seguro. Ahora mismo estamos buscando apoyo –económico y espiritual- para poder grabarlo y lanzarlo al espacio sideral. Esperemos que pronto, ¿Eh?

Contadnos algo de este EP, en especial de su producción. A mi parecer tiene muchos momentos impecables.
Este EP, que en realidad es maqueta, lo grabamos y masterizamos en 3 días en un estudio especializado en Death y Doom Metal de Rubí: Moontower Studios. Nos salió gratis –por razones desconocidas- y la producción es inexistente. Así de chulos somos.

¿Será 2011 el año The Lady Sounds?
Sí. No. Tal vez. Lo único que es seguro es que 2011 será el año del Tigre y que no será capicúa.

Foto 1 (c) Bernat Rueda
Foto 2 (c) Melanie Manneville

Enlace: MySpace TLS

 

Por Miguel Gil

«Todo lo que no es tradición es plagio», decía Eugeni d’Ors, y Los Claveles tienen la lección bien aprendida. Sergio (batería), Marcos (guitarra, voz), Jordi (guitarra, voz) y Santos (bajo) son los integrantes de este grupo que tiene como base de operaciones Madrid, una ciudad convulsa y siempre en tránsito. Sus canciones se mueven en los márgenes, en el límite de la canción pop, con aquella sabia intuición de que todo se puede acabar en el siguiente acorde. Como Holden Caulfield, viven atentos al campo de centeno de las emociones, siempre preparados para despeñarse por un acantilado.

Aprovechamos un descanso durante un ensayo para charlar con ellos. (Marcos) “Las canciones que hago yo las suelo cantar yo, por la letra, porque es algo más personal. El otro cantante es Jordi. Hay letras que se ajustan más a mí que a Jordi por la temática y por cosas que digo, son más personales, más íntimas… Hago los acordes, Jordi hace los arreglos, Sergio mete la batería, Santos el bajo…”(Jordi) “Pues yo igual. Como el grupo es bastante caótico en general y hay bastantes handicaps, por así decirlo, trato de traer ideas bastante claras de estructura, que tengan un soporte, como un esqueleto básico.” Antes, durante el ensayo, trataban de sacar adelante un blues, o más bien una variación sobre ese tema. (Jordi) “Buscar tu propia manera es difícil. Lleva tiempo, eso de buscar tu propio lenguaje.” (Marcos) “Tu sonido propio…” (Jordi) “Y tu sonido propio que se acople a ti, que se ajuste, que no sea una cosa hecha que tú mimetices, si no que intentes interiorizarla.” (Marcos) “También las letras son importantes…” Marcos habla de partir de una idea para hacer una canción, y le pido que me explique un poco más detenidamente a qué se refiere. (Marcos) “Una idea musical… por lo general lo que muchas veces hago son los acordes y meto la letra después. O a veces se me ocurre una melodía de voz, que es un estribillo a lo mejor, y luego otra melodía para la estrofa y a partir de ahí ya intento meter acordes o arpegios para sacarla adelante.  Jordi trae la estructura más cerrada, la canción más completa. En cambio yo muchas veces pregunto la opinión a Santos, que me ayuda, o a Jordi.” Todos en el grupo se sienten herederos de una tradición, pero no únicamente de una década en concreto. (Marcos) “Creo que nos encuadran en la época de los ochenta y no entiendo muy bien por qué. Bueno, a lo mejor es porque la música que se ha hecho en España en los noventa me parece un vacío…” ¿No te interesa ningún grupo de los noventa? (Marcos) “Bueno, Patrullero Mancuso…” (Sergio) “Hombre, hacemos versiones de Ciudad Jardín, de Gabinete Caligari…” (Jordi) “Generalizar los ochenta me parece un gran error ¿Qué son los ochenta? Hay que definirlos. Hay un montón de bandas que no tienen absolutamente nada que ver en el fondo unas con otras.” (Marcos se gira hacia Jordi) “Si, pero yo me refiero en España. Había menos artificio que en los noventa, y menos clichés también. En los noventa había mucho de «no quiero hablar de estos temas porque es viejo, está pasado…».” (Jordi) “Los ochenta eran más libres, había una espontaneidad…” (Marcos) “Más natural…menos pedales, menos chorradas.” (Jordi) “No es una cuestión de pedales, si la tecnología la hubieran tenido, a lo mejor la hubieran usado, tenían los medios que tenían, pero querían contar cosas. La gente le echó bastantes huevos y los que pudieron salieron adelante… pero ¿Qué tienen que ver Kortatu con Gabinete Caligari? No tiene nada que ver, son mundos muy personales, los une una época y un momento y un salir afuera y contar cosas.” Como ejemplo de algo totalmente alejado de ese sonido ochentero, les propongo la versión que realizan de The Red Krayola, ‘Hard on through the summer’, transformada por ellos en ‘Polla dura en verano’. (Marcos) “Nuestro discurso es abierto, podemos hacer una versión de The Red Krayola o de Eskorbuto o de cualquier grupo que nos guste…no tiene por que ser un grupo que tenga nuestro sonido…”

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Por Helena Martínez-Alonso

Muchos han sido los grupos que han aprovechado las influencias de la década de los ochenta para gestar buenos (y malos) discos. Parecía, incluso, que ya no se podía exprimir más, puesto que las propuestas habían abarcado desde los sonidos más oscuros hasta los más bailable-festivos. Y es aquí donde el dúo Hurts, formado por los  mancunianos Theo Hutchcraft y Adam Anderson, viene a decirnos que estábamos equivocados. Había algo más por explorar.

Meses antes de que el disco fuera una realidad se empezó a hablar de ellos por el tema colgado en myspace Wonderful Life. Su cuidada estética y lo pegadiza que resultaba la canción provocaron cierto interés. El lanzamiento oficial del single Better than Love en mayo de este año dejaba intuir que lo que se avecinaba podía ser grande, pero la sensación inicial de euforia quedaba empañada por un descafeinado estribillo que impide que el tema se convierta en el rompepistas que promete.

Una campaña de promoción muy bien orquestada en facebook, twitter y -más tradicionalmente- radios, acompañó a estas canciones, así que las noticias al respecto del grupo han sido casi constantes durante estos meses. Con las actuaciones promocionales, que a menudo incluían canciones inéditas, se empezó a revelar que la promesa de “algo más” se cumplía.
Con el lanzamiento de Happiness (2010) se ha confirmado lo que al inicio era una intuición. Hurts opta por una recuperación de la balada típica y elegante del synth pop, lo cual hace que su sonido se distancie un poco de las referencias más obvias. El ejemplo más claro de este acierto es la colaboración con Kylie Minogue, Devotion. Con una letra de orientación trágica, nos transporta a un diálogo entre dos amantes que se debaten entre separarse o no ante a la posible traición de uno de ellos. La música iguala a la letra en intensidad y dramatismo con un final emocionante. Ojalá esta colaboración pudiera presenciarse en todos los conciertos del dúo.

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Por Elisenda N. Frisach

Tras el éxito cosechado entre la crítica especializada con sus trabajos Aligator (2005), y, sobre todo, Boxer (2007), The National da a luz High Violet (4AD, 2010), un disco que confirma la calidad de este grupo de Brooklyn e insinúa los nuevos derroteros por los cuales tal vez transitará su trayectoria, habida cuenta de que supone una tamización de su oscuro sonido con algunas notas más coloristas. Ello, evidentemente, hace accesible a un público más amplio la melancólica cadencia de sus canciones, así como la desesperanza de sus letras. Y si bien parece ser que ciertos sectores críticos consideran siempre un demérito la capacidad de un artista para conectar con el público (cuestión ésta, digámoslo de una vez, bien ajena a la calidad intrínseca de su creación), en realidad la tonalidad pop de High Violet apuntala una de las grandes virtudes del grupo.

En efecto: a pesar de no ocultar en ningún momento sus influencias musicales y espirituales, adscritas al post-punk y los neorrománticos de los años 80, The National siempre se ha caracterizado por una capacidad de insinuación y moderación que rehúye abiertamente el nihilismo o el melodrama, donde el dolor tiene un cierto halo de grandeza épica. Por ello, al adornar su música con nuevos matices más livianos y melódicos, la banda logra distanciarse del calado patético de su estilo, lo que hace de High Violet una oda confesional y estoica ante la irremediable decepción que constituye la vida. A ello también contribuye el énfasis que de sus raíces americanas hace la banda (folk, crooning…), bien representado en temas como “Terrible love”, “Runaway” o “Vanderlyle Crybab”. Seguir leyendo »

 

Aunque la industria discográfica no esté pasando por su mejor momento, nada impide que salgan a la luz nuevas bandas dispuestas a decir la suya en un mercado tan competitivo. Jorge, Matías, Borja y Francisco son Modelo de Respuesta Polar, una banda de críptico nombre que entra a lo grande con un EP que apunta a maneras, apostando ante todo por la calidad y un pop intimista pero no por ello menos intenso.

Lo más llamativo de vuestro EP es la madurez de su sonido y la sensación de que el grupo, pese a ser joven, esconde a unos músicos que no son precisamente unos recién llegados al negocio. ¿Acumuláis mucha experiencia musical individualmente y como grupo?

El paso de los años es sin lugar a dudas una de las mejores escuelas para conocerte como músico y aprender de cada etapa que has ido quemando en lo que se refiere a gustos e influencias. Como grupo llevamos apenas un año, pero cuando el bagaje viene de lejos es todo más fácil y la dirección es más clara.

Modelo de Respuesta Polar  tiene un sonido muy definido pero, a su vez, no se aferra a un canon de los que etiquetan rápido a una banda. ¿Cómo os definís vosotros?

Somos incapaces de ser objetivos en este tema, nuestra percepción de las canciones es distinta a la que puede tener alguien ajeno a la banda. Nosotros vemos fallos, vemos partes diferenciadas en lo que se refiere a la ejecución de cada instrumento, es decir, no vemos un producto acabado como lo puede ver alguien de fuera. Por eso no podemos ponernos tampoco una etiqueta, por que no sabemos qué percibe la gente.

¿Las canciones editadas hasta el momento son fieles representantes de vuestro sonido o sólo la superficie de un proyecto más complejo? ¿Qué aspiraciones sonoras tenéis de cara a un LP?

Los temas grabados hasta ahora, son una representación de un momento puntual de la banda. Seguimos trabajando y la próxima vez que entremos en estudio saldrán otros temas que hablarán de cómo estamos ahora. Un LP no dejará de ser un resumen de la evolución del grupo en un periodo de tiempo determinado, quizás por eso estamos más agusto con el formato EP, ya que así muestras en cada momento en qué punto esta la banda.

Vuestras letras poseen cierta carga introspectiva, lo cual, a su vez, es un punto positivo en el reciente auge del shoegaze. ¿Qué emociones o experiencias motivan los temas?

Escribimos para nosotros mismos, no esperamos que la gente las entienda. Quizás por eso hay gente que las hace suyas.

¿Sobre quién cae la responsabilidad de escribir y componer o en ese aspecto sois muy democráticos?

Aplicamos la democracia sobre una estructura más o menos establecida, desde ahí empezamos a trabajar. Hemos probado improvisar desde cero pero no funciona.

Para ponerle las cosas más fáciles a aquellos que no conocen vuestro sonido, ¿cuáles son vuestros referentes o artistas preferidos?

Nos interesa muchísimo todo el panorama independiente español y sudamericano, la sonoridad del castellano es increíble. Escuchamos también bandas de fuera, pero siempre acabamos volviendo a nuestra lengua natal.

¿Cómo lleváis las numerosas críticas positivas de público y medios? ¿Asusta o inspira?

Inspira, sin lugar a dudas. Estamos en un punto en el que sólo hay trabajo y más trabajo, no se gana un duro y además cuesta encontrar sitios para tocar. Cada persona que se interesa por nuestra música o que escribe sobre ella, es de gran apoyo para nosotros, de verdad lo apreciamos mucho.

Enlace: Myspace