“Siempre había firmado con mi apellido, que aparte es la firma de mi padre. Fue lo primero que salió, pero no me terminaba de identificar con ello. Cuando empecé a ser activa en Internet y fui recurriendo a nicks y pseudónimos, uno en concreto, Laislaia, destacó entre ellos. Debo agradecérselo a mi amiga Noe, que me proporcionó un alias que me gusta por la sonoridad que tienen sus letras repetidas. Desde entonces lo he ido vinculado a mí en todas las redes en las que participo (Flickr, Facebook, etc)”.

Laia empezó, como otros muchos, estudiando Bellas Artes, aunque llevaba tiempo dibujando. El clásico “desde pequeña” aparece en sus declaraciones, aparte de una saludable influencia familiar.

“Yo siempre había dibujado y pintado. Mis padres me apuntaron a un taller de dibujo, luego estudié bellas artes y más tarde me especialicé en diseño.”

Aun así, la suya no hay sido una carrera lineal. “Lo que es pintar, llevo haciéndolo desde antes de entrar en la facultad, en 3º de BUP, y pinté hasta dos o tres años después de acabar la carrera. A partir de ahí, por circunstancias de la vida en las que no te planteas cada cosa que haces, dejé los pinceles durante 7-8 años. Hasta ahora. Hace ya tres años que recuperé primero el dibujo y, posteriormente, los oleos”.

Vuelta a la pintura y a las exposiciones, un tema que no le roba el sueño al tener claros sus objetivos. Laia sabe que no es una carrera y que todo se andará. Eso sí, “pienso que las exposiciones son necesarias, muy necesarias, porque cuando sacas fuera del taller tu obra, parece mentira, pero el cuadro que has estado viendo cada día se vuelve completamente distinto. Y sobre todo aprendes mucho de la reacción de la gente frente a tus obras. Aprendes realmente si estás comunicando algo y si están conectando con ese algo. Si les gusta, si no les gusta. Aquellos cuadros que para ti no tienen mucha importancia a veces son los que más conectan con el público”.

El estilo de Laislaia es muy concreto y, como ella misma asegura, “muy clásico”, con un color dominante de ligera influencia fauvista. Pero, ante todo, venera a un triunvirato de genios: El Bosco, Chagall y Peter Halley. “Aunque quizá, lo que más me haya influenciado son las pinturas románicas. Me gusta mucho el arte eclesiástico del románico y gótico, en parte porque mi padre es medievalista. Mi madre también es historiadora, con lo cual, la presencia del arte medieval ha sido una constante desde mi infancia. Las caras hieráticas, las líneas que las forman… En realidad soy una pintora bastante clásica, en el sentido que me acerco a las vanguardias de principios de 1900. La figuración expresionista estaría cerca de mi estilo”.

Las obras de esta muestra rebelan estas inquietudes y la poderosa influencia del poema Los hombres huecos de T.S. Eliot. La muerte, uno de los temas que con más fuerza se reflejan en esta obra, es también una de las obsesiones de Laia, que anteriormente había profundizado al respecto con otro tipo de lecturas. “Los personajes de mis obras son ambiguos, pueden estar en una frontera entre la vida y la muerte”. Y esta fragilidad queda reflejada en una anécdota infantil que, vista con perspectiva, puede ser divertida, pero que, en su momento, fue toda una crisis: “De pequeña se me murió un canario, como a cualquiera. En ese momento mi padre me contó lo que era la muerte y porqué el canario que tenía en la mano no reaccionaba al agitarlo. Mi padre me explicó que un día dejamos de respirar, el corazón deja de latir y morimos. En mi casa no son religiosos y recuerdo que durante días me miraba las manos, preguntándome qué material era ese del que estaban hechas y que, a su vez, podía morir”.

Con esto explica la aparición de numerosas manos en sus obras, elementos conectores que se van volviendo frágiles con el paso del tiempo.

Laia es consciente de estos miedos y obsesiones en su obra. Reconoce que “me leo a mí misma pintando. Aunque decido muchos aspectos de la obra sobre la marcha, en el caso del color camina paralelo a mi ánimo. En las malas épocas utilizo muchos amarillos, negros y rojos, indicadores de peligro; en cambio, en momentos más dulces, recurro a los burdeos, grises y otros tonos más tranquilos”.

Aunque el plato fuerte de su obra sea el formato medio en óleo, no hay que subestimar sus dibujos, muy numerosos en esta muestra, una suerte de primer contacto que luego, si el resultado es convincente, traspasa al lienzo, siempre evitando las copias directas. Primero dibuja, luego pinta con ceras, cubre con tinta y de ahí, rayando y excluyendo algunas secciones, surge el dibujo que hay abajo, dándole textura.

Y con una producción tan llamativa, sorprende que sus obras no tengan título. Laia se declara “anti títulos” y su explicación es casi una filosofía: “Cuando inicié la facultad, como todo el mundo, creíamos saber qué era el arte, aunque cuando empecé a estudiar y profundizar al respecto me di cuenta de que no lo tenía tan claro, que los límites son muy difusos y pocas veces evidentes. Llegué a la conclusión de que si tú puedes expresar algo, si realmente te planteas el arte como una necesidad, un diálogo entre el que expresa y la persona que luego contempla la obra, todo lo que puedas expresar con palabras hazlo con ellas. Existen otras clases de comunicación más ágiles pero, para mí, el arte es una en concreto que va más allá del lenguaje. Es una cuestión de piel, de transmitir una experiencia. Además, todos vivimos en la misma época, y en ella existen elementos temporales como universales. Si realmente llegas a la esencia de algo que te es propio, va a conectar con los demás, porque lo propio no sólo es único en ti, sino en toda esa gente que comparte algo contigo, ya sea por cultura, ideas, etc.”

Enlaces: Flickr

Todas las imágenes (c) de Laislaia. La exposición estará hasta el 14 de abril.

Sus famosas banderas, mundana expresión de la estructura gráfica y cromática; las repeticiones; las dianas que desafían esa fina línea  entre figura y abstracción; y todos esos iconos que invocan a la comunicación verbal y no verbal estarán presentes en la que ya podemos llamar “exposicición de la temporada”, ideal tanto para los estudiosos del arte como los nostálgicos de la era dorada de la pintura estadounidense, de la ruptura con la abstracción lírica y el expresionismo abstracto; del nacimiento del pop-art, en cuya gestación Jasper Jones fue una figura primoridal o, más adelante, en lo que vino a llamarse neo-dadaísmo; etiquetas que siempre se quedaron pequeñas para un creador que, ante todo, actuó como un artesano que respeta la historia y la tradición.

Y aunque el título de esta retrospectiva, Las huellas de la memoria, posea una excesiva y solemne lírica, es cierto que, analizándola en su totalidad, la exposición cuenta con esa clase de profundidad que sólo pueden demostrar las leyendas vivas.

Enlace: Galería Heinrich Ehrhardt

Aunque suene contradictorio, es lo primero que evocan las obras de Markus Haub (Mainz, 1972). Sus fotografías urbanas adquieren una nueva dimensión con el coloreado: en apariencia excesivo, engañosamente aleatorio, pero nunca innecesario. La presencia del trazo es el primer paso en un baño de técnicas y medios; el formato tampoco es un problema. La adición de color congestiona las urbes, ya sea Barcelona, París o New York, añejándolas o transformándolas en paisajes distópicos dignos de una novela de William Gibson. Y aunque sus ciudades sean el plato fuerte, también ha trabajado el retrato (con una especial predilección por la figura de la actriz Mila Jovovich) y los vehículos de carreras en varias series.

Mucha producción y un estilo muy definido y, sobre todo, llamativo.

]]> http://www.underdogs.es/markus-haub/feed/ 1 http://www.underdogs.es/ian-francis/ http://www.underdogs.es/ian-francis/#comments Tue, 09 Nov 2010 07:30:28 +0000 Redacción http://www.underdogs.es/?p=5824 Ian Francis es un artista con los pies en la tierra pese a la repercusión que sus obras han tenido en los últimos años, vistas con asiduidad en la prestigiosa galería británica Lazarides, en revistas indispensables como Juxtapoz y, cómo no, en Internet, nuestro escaparate favorito. De aspecto tranquilo y reservado, sorprende la fuerza visual de su producción, los coloristas contrastes que equilibran sus obras y el vigor de un trazo que tiende a desdibujarse como los contornos de una fotografía con excesiva exposición.

Aficionado a fundir conceptos e imágenes, su proceso creativo no podría ser más contemporáneo, empezando por la selección de elementos que terminarán protagonizando la obra, tomados de aquí y allá en una intensa cacería de imágenes que aprovecha por igual los medios físicos y cibernéticos. Él mismo reconoce que es una de sus pasiones, reunir cientos de imágenes inconexas y luego fundirlas en una nueva composición que posea una total coherencia estética y hable de sus preocupaciones artísticas y sociales.

Los lienzos de Ian Francis son la cara más oscura de la belleza, una realidad lóbrega por la que se mueven personajes definidos e inacabados, como sombras de lo que son y lo que fueron. Tétrico, surrealista e irónico, con títulos como A Jellyfish Appears at the Window of a Hotel Bar y A New Journalist’s First Interview Fails to get to the Point and Ends Horrifically (que no surgen de la casualidad), Ian Francis supone la redefinición del pintor clásico, técnico y con un punto de riesgo y experimentación acorde a los tiempos que corren.

La dificultad de entrevistar a un artista de múltiples facetas es no dejarse nada en el tintero y que todos los aspectos de su producción queden reflejados en las preguntas. Naturalmente, no siempre se consigue, pero basta con aproximarse para sentirse satisfecho. Con Antonio Ladrillo me ha ocurrido algo parecido: Diseñador, ilustrador, pintor…, su relación con lo artístico daría para varias entrevistas, así que, en un obligado ejercicio de concreción, me he lanzado a la esencia de su trabajo y todos esos elementos que hacen a sus obras únicas y atractivas. El resultado, ocho preguntas que nos acercan a un artista que apuesta por las dualidades clásicas y la complejidad de lo aparentemente sencillo.

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Lo que más llama la atención de tus creaciones es el hecho que engloben por igual diseño, ilustración y pintura. ¿Cómo llegaste a ellas y en qué orden?

Desde que puedo recordar he estado interesado por las formas, los colores y el espacio. Por cómo son percibidos, por su manera de convivir  y ocupar los lugares. La mayor parte de mi vida la he pasado pintando, fue alrededor de los veinte años cuando llegué al diseño a través del arte. Creo que aunque las similitudes entre ilustración, diseño y pintura son numerosas, también son muchas las diferencias.

Y aunque tengan puntos de conexión, tus creaciones en cada una de ellas son muy distintas. ¿Inquietud o buscas una diferencia premeditada?

Las conexiones son inevitables, al igual que sus diferencias. No es, por tanto, algo premeditado. Cada medio tiene su propia manera de existir. El proceso a la hora de pintar un cuadro de 2 x 2 metros no es el mismo que el que se lleva a cabo a la hora de hacer un flyer para un club. En los dos se está trabajando con elementos o situaciones que pueden ser comunes, pero el objetivo y la razón de ser es muy diferente en cada caso.

Tu obra plástica aboga por la geometría pero a su vez es espontánea y no se deja tiranizar por las formas convencionales. ¿Qué intentas transmitir y por qué hay una predilección por el blanco y negro?

Podríamos hablar de una geometría gestual; una base geométrica rota, sin embargo, por el gesto. Me interesa especialmente el sentido de lo clásico, de lo que perdura en el tiempo, lo atemporal. “Un hombre del siglo veinte produce una sombra bizantina violeta oscuro”, escribió Yehuda Amijai. Tengo obsesión por cómo envejecen las cosas, cómo aguantan la mirada y de qué manera responden ante el pensamiento.
La reducción al blanco y negro me atrae por la eterna dualidad entre lo claro y lo oscuro, lo lejano y lo cercano, lo lleno y lo vacío, y también, o al menos así lo percibo yo, entre la geometría y lo gestual. El blanco y el negro me permiten trabajar esa dualidad que tanto me interesa. Es una reducción que genera ideas claras, y volviendo al tema de lo clásico y lo atemporal, satisface mi inquietud por estos aspectos.

¿Y a qué se debe este contrapunto naïf en tus ilustraciones?

Lo naïf me atrae en el sentido de lo poco sofisticado, de aparentemente poco trabajado, de lo despreocupado y audaz…
No me interesa atrapar todos los detalles y en lo naïf hay cierta plasticidad en la que me siento a gusto, las formas y los colores tienden a ser un poco más libres sin perder la referencia a la que aluden, y no solo me refiero al resultado final de la imagen sino al proceso.

La presencia de animales en tus obras es constante. ¿Las referencias fabulescas llegan mejor al público?

Trabajo con formas de animales humanizados porque me gusta dibujar personas con estos atributos, por pura fantasía. Me lo paso bien haciendo relaciones de elementos, me resulta divertido. No se trata de referencias fabulescas ni de llegar mejor al público, simplemente me ofrece posibilidades.

Pinturas, pósters, logotipos, portadas de discos… ¿qué te gustaría que fuera lo siguiente?

Me gustaría participar en el diseño de un videojuego. Me interesa mucho como objeto cultural y creo que poder trabajar conjuntamente aspectos propios del diseño y también de la pintura con otros específicos de este medio, como la interactividad o la jugabilidad, sería algo fantástico.

Teniendo tantas inquietudes, ¿puedes compaginarlas sin problemas o se roban protagonismo entre ellas?

Compaginarlo todo resulta complicado, no solo por logística sino por concentración, por espacio mental. Algunas temporadas sólo pinto, otras me centro en el diseño. El dibujo, ya sea abstracto o más figurativo, siempre me acompaña en ambas actividades.

Aunque imagino que son complementarias, ¿cuál de ellas te da más satisfacciones a la larga?

Son actividades que tienen que ver mucho con necesidades vitales y cada una de ellas, en diferentes momentos de mi vida, me han dado satisfacciones. Me han ayudado a explorar diferentes problemas estéticos, a aprender y a profundizar en mis inquietudes.